La novela y el ensayo del 98 a la Guerra Civil resumen y tema
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La novela y el ensayo del 98 a la Guerra Civil resumen y tema
DEL 98 A LA GUERRA CIVIL. LA NOVELA Y EL ENSAYO
LA PROSA EN LA EDAD DE PLATA
Durante el primer tercio del siglo XX, la novela fue perdiendo el impulso que había cobrado con el Realismo. Hubo, no obstante, en estos años algunos novelistas relevantes, entre ellos Miguel de Unamuno y Pío Baroja, pertenecientes ambos a la Generación del 98, y el novecentista Gabriel Miró.
Más desarrollo tuvo, en cambio, el ensayo, que vivió en esta época un periodo de esplendor. La preocupación por España, característica de fin de siglo, y el intelectualismo propio de los novecentistas encontraron en el ensayo el vehículo ideal. Entre los ensayistas del momento cabe destacar a Miguel de Unamuno y a José Ortega y Gasset.
Mención aparte merece Ramón Gómez de la Serna, un escritor singular cuya obra personalísima no se ajusta a ningún género.
LA PROSA DEL 98
Miguel de Unamuno: Ensayista, novelista y poeta, Miguel de Unamuno fue una de las personalidades más relevantes en la España del primer tercio del siglo XX.
Unamuno nació en Bilbao el año 1864. Estudió Filosofía y Letras en Madrid y obtuvo la cátedra de griego de la universidad de Salamanca. Estuvo desterrado en Fuerteventura por sus discrepancias con el régimen de Miguel Primo de Rivera. Murió en Salamanca el año 1936.
Miguel de Unamuno fue el autor más destacado de su generación en el ámbito del ensayo. Sus libros se centran en dos temas esenciales: su preocupación por España y el sentido de la existencia. Entre sus ensayos más destacados cabe citar En torno al casticismo, Del sentimiento trágico de la vida y La agonía del cristianismo (agonía se emplea aquí en el sentido de lucha, es decir, de actitud despierta y combativa).
Las preocupaciones por la religión y el sentido de la existencia están también presentes en Niebla y San Manuel Bueno, mártir, dos de las novelas fundamentales de Unamuno.
Niebla refleja la preocupación del autor por el sentido de la vida. Su protagonista es Augusto Pérez, un personaje novelesco que, desencantado de la vida, decide visitar a su creador, el propio Unamuno, para comunicarle que se va a suicidar. A partir de ese momento se inicia un diálogo descarnado entre el personaje y su creador, que es un trasunto del que los seres humanos podrían mantener con Dios.
San Manuel Bueno, mártir cuenta la crisis del sacerdote de un pueblo zamorano, que vive dramáticamente su labor pastoral debido a su pérdida de fe.
Unamuno definió sus novelas como nivolas, término con el que quería remarcar su alejamiento de la novela convencional. Se trata, en efecto, de obras en las que la acción queda eclipsada por el relato de la crisis existencial de los personajes, que se manifiesta a través de los diálogos y el monólogo interior.
Pío Baroja: El principal novelista de la época fue Pío Baroja. Nació este autor en San Sebastián en 1872. Estudió Medicina, hecho del que dejó constancia en su obra El árbol de la ciencia, pero prefirió el ejercicio de las letras. Se definía a sí mismo como “liberal radical, individualista y anarquista”. Murió en Madrid en 1956.
Pío Baroja escribió multitud de novelas. Entre ellas cabe mencionar La busca, en la que retrata con crudeza el ambiente de los bajos fondos madrileños de principios del siglo XX; El árbol de la ciencia, en la que recoge el ambiente de la universidad española a partir de su propia experiencia; y sus novelas de ambiente vasco: La casa de Aizgorri, El mayorazgo de Labraz y Zalacaín el aventurero.
Baroja consideraba la novela como un instrumento con el que entretener al lector con multitud de aventuras. Por eso, en sus obras predomina la acción narrada en un estilo sencillo que, aunque a veces se ha calificado de descuidado, tiene una gran fuerza expresiva.
LA PROSA DEL NOVECENTISMO
La novela. Gabriel Miró: El principal novelista de la Generación del 14 fue el alicantino Gabriel Miró (1879-1930). Entre sus obras destacan las novelas Nuestro Padre San Daniel y El obispo leproso, ambas ambientadas en la ciudad de Oleza, nombre que encubre a Orihuela (Alicante), y El Libro de Sigüenza, conjunto de relatos en los que el autor evoca situaciones, ambientes y sucesos.
El ensayo. José Ortega y Gasset: José Ortega y Gasset fue el principal teórico del arte de vanguardia. Nació en Madrid en 1883. Estudió Filosofía en Madrid y completó sus estudios en Alemania. Fundó varias publicaciones, entre ellas el diario El Sol y la Revista de Occidente. Murió en Madrid en 1955.
Las ideas estéticas de Ortega tuvieron una enorme influencia. De hecho, su ensayo La deshumanización del arte constituyó la base del pensamiento estético de los artistas del momento. Ortega defiende en esta obra que el arte solo es arte cuando se aleja de la realidad y se limita a ser un simple juego estético destinado a las minorías. Según afirma, el verdadero artista no copia la realidad, sino que la deforma, y esa deformación le lleva a crear una obra intelectual en la que se han eliminado las emociones; en eso consiste el arte puro. En literatura, el instrumento idóneo para conseguir ese objetivo es la metáfora.
Ortega escribió varios ensayos, en los que trata sobre todo cuestiones sociológicas (La rebelión de las masas) e históricas ( La España invertebrada).
Ramón Gómez de la Serna: Dentro de la Generación del 14 destaca la figura de Ramón Gómez de la Serna (1888-1963) por su papel en la introducción de las vanguardias en España.
Ramón Gómez de la Serna escribió novela, teatro, ensayo…, pero destacó especialmente por la invención de la greguería. Una greguería es un enunciado breve en el que se presenta la realidad de una manera sorprendente. El propio autor la definía con la fórmula Metáfora+Humorismo. Estos son algunos ejemplos de greguerías:
La lagartija es el broche de las tapias
En el vinagre está todo el mal humor del vino.
Las greguerías son un exponente más de la importancia que la metáfora tiene en la literatura contemporánea.
DEL 98 A LA GUERRA CIVIL. EL TEATRO
LA RENOVACIÓN DEL TEATRO
A principios del siglo se produjeron varios intentos de romper con el teatro de corte realista que había dominado la escena española durante la segunda mitad del siglo XIX. Los más relevantes fueron los que llevaron a cabo dos dramaturgos vinculados al Modernismo: Jacinto Benavente y Ramón María del Valle-Inclán.
Años más tarde, la renovación de la escena llegó de la mano de Federico García Lorca, uno de los miembros más destacados de la Generación del 27.
EL TEATRO MODERNISTA. JACINTO BENAVENTE
Jacinto Benavente nació en Madrid en 1866. Se dedicó plenamente al teatro y al periodismo. El año 1922 recibió el Premio Nobel de literatura. Murió en Madrid en 1954.
Benavente es el creador de la nueva comedia, género que aporta dos novedades: un enfoque realista, que se refleja en la sencillez y la naturalidad de unos diálogos que reproducen el habla culta de las clases acomodadas, y una intención crítica que se dirige contra las costumbres y convicciones de la burguesía española. Las obras más conocidas de Benavente son Los intereses creados y La malquerida.
RAMÓN MARÍA DEL VALLE-INCLÁN
Ramón María del Valle-Inclán nació en 1866 en Villanueva de Arosa (Pontevedra). Su vida estuvo llena de avatares que le hicieron ganarse fama de excéntrico y bohemio: renunció a sus estudios de Derecho para dedicarse a la literatura; se marchó a México, donde parece que se alistó en el ejército como soldado; perdió el brazo izquierdo en una violenta riña con otro escritor; cambió sus verdaderos apellidos (Valle y Peña); e inventó toda una trama sobre su vida en la que se mezclaban realidad y fantasía. Su agudo ingenio y su aspecto estrafalario (“Este gran don Ramón de las barbas de chivo”, en palabras de Rubén Darío) le hicieron un personaje muy popular. Sus ideas políticas evolucionaron también de forma singular: en su juventud fue partidario del carlismo; más adelante se opuso a la dictadura de Primo de Rivera, motivo por el que estuvo en prisión, y se convirtió en un convencido republicano. Murió en Santiago de Compostela en 1936.
La renovación del teatro. El esperpento: Valle-Inclán fue un notable novelista. De su obra narrativa destacan las Sonatas, un conjunto de cuatro novelas –Sonata de otoño, Sonata de estío, Sonata de primavera y Sonata de invierno- que recogen las supuestas memorias de un personaje ficticio: el marqués de Bradomín.
Pero, ante todo, Valle-Inclán fue el renovador del teatro de principios de siglo. Sus primeras obras dramáticas se inscriben dentro de la estética modernista, caracterizada por un lenguaje esteticista y unos ambientes decadentes. A esta tendencia corresponden sus Comedias bárbaras –Águila de blasón, Romance de lobos y Cara de plata-, en las que se recrea una Galicia mítica, poblada de seres oscuros y violentos, inmersos en la superchería y las falsas creencias.
En 1920, Valle-Inclán estrena Divinas palabras y publica Luces de bohemia. Ambas obras presentan una deformación sistemática de la realidad con el fin de poner de relieve sus aspectos más trágicos y grotescos. El resultado de esta deformación es lo que él mismo denomina esperpento. El esperpento se caracteriza por los siguientes rasgos:
Los personajes son seres grotescos, animalizados: se mueven por motivaciones primarias, muy elementales.
Las acciones se suceden de una forma brusca y se producen violentos cambios de situación.
El lenguaje está sometido también a un proceso de deformación: se emplean arcaísmos, localismos, términos del caló y términos del mundo del hampa.
El objeto del esperpento no es otro que poner de manifiesto los aspectos más absurdos de la realidad española. En Luces de bohemia, por ejemplo, la trama se centra en el paseo nocturno por las calles de Madrid de un poeta fracasado e idealista, Max Estrella, y su amigo don Latino. Al hilo de ese deambular, el autor satiriza a los personajes y las situaciones que se van presentando: la vida en la taberna, la huelga, la intervención de la policía, la poesía modernista, la religión… La obra termina con la trágica muerte de Max, que representa la derrota del idealismo y la imposibilidad de una sociedad igualitaria y justa.
Otras obras dramáticas en las que Valle-Inclán aplicó la técnica del esperpento son Las galas del difunto, Los cuernos de don Friolera y La hija del capitán.
EL TEATRO DE LA GENERACIÓN DEL 27. GARCÍA LORCA
Además de ser uno de los principales poetas de su generación, Federico García Lorca fue un brillante dramaturgo que culminó el proceso de renovación formal y temática del género dramático.
Lorca empezó a escribir teatro desde muy joven: su primera obra, El maleficio de la mariposa, es de 1920. Pero es en los años treinta cuando se acrecienta su interés por el género, sin duda debido a su preocupación por las diferencias sociales. En esta época funda una compañía teatral ambulante, La Barraca, con la que pretende hacer llegar el teatro a todas las clases sociales.
Lorca escribió farsas y teatro de títeres (La zapatera prodigiosa, El retablillo de don Cristóbal…), un drama histórico en verso (Mariana Pineda), teatro surrealista y de crítica social… Pero sus obras más destacadas son tres tragedias: Bodas de sangre, Yerma y La casa de Bernarda Alba.
Bodas de sangre es una obra basada en un suceso real: el día de su boda, una mujer abandona a su novio y huye con su amante. El novio y el amante, pertenecientes a familias rivales, se enfrentan y ambos acaban muertos. Los acontecimientos ocurrieron en un cortijo situado en la provincia de Almería.
Yerma desarrolla el tema de una mujer estéril que cifra toda su existencia en tener hijos.
La casa de Bernarda Alba se centra en los esfuerzos que una madre autoritaria hace para imponer a sus hijas ocho años de aislamiento, llevando hasta lo irracional las convenciones sociales sobre el luto.
En estas tres obras, ambientadas en la Andalucía rural, Lorca expresa el conflicto entre la libertad, encarnada en los personajes, con sus sueños y sus anhelos, y el principio de autoridad que ejerce la sociedad, regida por las normas, las conveniencias y la falsa moral. El choque entre ambas perspectivas deriva en tragedia: la sociedad destruye al individuo cuando no se somete a las expectativas del entorno.
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