El Renacimiento resumen

 

 

El Renacimiento resumen

 

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El Renacimiento resumen

 

EL RENACIMIENTO

 

  • LA EDAD MODERNA

 

Definición: la Edad Moderna es el periodo de la Historia que abarca desde el Descubrimiento de América por Cristóbal Colón, en 1492, hasta el inicio de la Revolución Francesa, en 1789.

 

  • Características de la Edad Moderna.

 

Las principales características de la Edad Moderna o Modernidad son:

  • En política la formación de las monarquías autoritarias en Europa.
  • En economía el crecimiento económico, la aparición de las primeras formas de capitalismo, el desarrollo del comercio internacional y el ascenso de la burguesía.
  • El avance de la ciencia y la técnica y la difusión de la cultura, gracias a la invención de la imprenta.
  • El resurgimiento de la cultura y del arte clásico: Renacimiento y Humanismo.
  • La realización de grandes descubrimientos geográficos, promovidos por España y Portugal.

 

  • EL RENACIMIENTO

 

Definición: se denomina con el término Renacimiento a una serie de profundos cambios, que experimentó la sociedad europea entre los siglos XV y XVI, en ámbitos como la economía, la sociedad y la política, pero, sobre todo, en la cultura, con un “renacer” o recuperación de la cultura clásica, griega y romana, de la Antigüedad. El Renacimiento surgió en Italia en el siglo XV, y luego se difundió por el resto de Europa en el XVI.

 

  • Principal característica del Renacimiento: El teocentrismo, (Dios como centro del Universo y del conocimiento), propio de la Edad Media, es sustituido por el antropocentrismo, (el Hombre como centro del Universo y del conocimiento).

 

  • EL HUMANISMO

 

Definición: el Humanismo fue un movimiento intelectual basado en los principios del Renacimiento. Su nombre se debe al papel protagonista que se asignó al hombre en el mundo.

El Humanismo se apoyaba en los principios de la filosofía y cultura clásicas, de ahí que profundizase en el conocimiento de las lenguas clásicas, (griego y latín).

El Humanismo apareció en Italia y la rápida difusión de sus ideas se vio favorecida por la invención de la imprenta. Uno de los principales impulsores del Humanismo italiano fue Petrarca. En algunos países europeos el Humanismo también se centró en el estudio de cuestiones religiosas, destacando en este caso la figura de Erasmo de Rotterdam. En España el Humanismo contó con el apoyo de los Reyes Católicos, destacando pensadores, como Juan Luis Vives y Antonio de Nebrija.

 

  • LOS CAMBIOS PRODUCIDOS POR EL RENACIMIENTO

 

  • El desarrollo intelectual, cuyas principales manifestaciones fueron el Humanismo y el arte renacentista.
  • Los grandes descubrimientos científicos y geográficos, que permitieron a los europeos conocer y dominar el resto del mundo.
  • La aparición de las primeras manifestaciones del capitalismo, gracias al desarrollo del comercio y las finanzas, que enriquecieron a la burguesía urbana.
  • El fortalecimiento de las monarquías autoritarias, que dieron lugar a la aparición del Estado moderno.

 

  • EL ESTADO MODERNO EN EUROPA

 

Al comienzo de la Edad Moderna, los reyes de varios países europeos, (España, Portugal, Francia o Inglaterra), impusieron su autoridad sobre la nobleza, acaparando todo el poder en el estado, dando lugar a la aparición de la monarquía autoritaria y el Estado moderno.

Este fortalecimiento del poder real se manifestó en la concentración política y administrativa y en la unificación territorial del Estado. La autoridad real se apoyaba también en el establecimiento del origen divino del poder real.

Para imponer su autoridad a la nobleza los reyes recurrieron a diversos instrumentos:

  • Creación de un ejército permanente, de soldados profesionales, para controlar a la nobleza y a la burguesía.
  • Creación de una burocracia, (funcionarios), muy numerosa, para controlar la administración, la justicia y la hacienda.
  • Desarrollo de la diplomacia, para establecer relaciones internacionales y obtener información de otros reinos.

En nuestro país la monarquía autoritaria se impuso durante el reinado de los Reyes Católicos, (Isabel I de Castilla y Fernando II de Aragón), a finales del siglo XV.

 

  • EL ARTE RENACENTISTA

 

El arte desarrollado durante el Renacimiento se basaba en el Arte Clásico, del que adoptó el ideal de belleza, así como la armonía y la proporción de los volúmenes, elementos a los que añadió nuevas técnicas y formas de expresión. El Arte Renacentista abarcó los siglos XV, (Quattrocento), y XVI, (Cinquecento), y apareció en Italia.

 

    •  El Quattrocento, (siglo XV). El foco de Florencia.

 

Durante el siglo XV se produjo la transición desde el arte medieval al arte renacentista, siendo la ciudad italiana de Florencia el principal foco difusor del mismo, gracias al mecenazgo, (apoyo económico), prestado a los artistas por la familia de los Medici.

El paso del arte medieval al renacentista se caracterizó por:

  • El desarrollo del ideal clásico de belleza.
  • El culto a la perfección estética.
  • El naturalismo, es decir, la representación ideal de la naturaleza, representada por el desnudo y el paisaje.

 

      • Arquitectura.

 

Se comenzaron a construir edificios inspirados en los de la época clásica antigua. Las nuevas formas arquitectónicas dieron lugar a construcciones en las que predominaban las formas rectas y simétricas, utilizando nuevos elementos arquitectónicos, como:

  • La cúpula.
  • La bóveda de medio cañón.
  • El arco de medio punto.
  • Ventanas y frontones amplios.
  • Las columnas y pilares clásicos.

 

Los principales arquitectos del Quattrocento fueron:

 

  • Brunelleschi, autor de la cúpula de la catedral de Florencia y de la iglesia de San Lorenzo, de esa ciudad.
  • Alberti, trabajó fuera de Florencia, en Mantua, donde construyó el Palacio Rucellai, y Rímini, donde destaca el templo Malatestano.

 

      • Escultura.

 

La escultura renacentista presenta las siguientes características:

 

  • Naturalismo y realismo.
  • Expresividad y profundidad.
  • Proporciones armoniosas del ser cuerpo humano.
  • Integración en la arquitectura.
  • Aparece el desnudo.

 

Los principales escultores fueron:

 

  • Ghiberti, realizó las puertas del baptisterio de la catedral de Florencia.
  • Donatello, realizó numerosas esculturas de la figura humana en sus diferentes edades, como es caso del “David” y la estatua ecuestre de “Gatamelata”.

 

      • Pintura.

 

Los pintores del Quattrocento siguieron con la tradición de la pintura religiosa medieval, pero dotándola de gran realismo. Los principales pintores fueron:

 

  • Fray Angélico, destacó por su dominio del color y del dibujo. Su obra más importante es la “Anunciación”.
  • Masaccio, destacó por sus obras sobre desnudos y paisajes.
  • Botticelli, realizó dos alegorías mitológicas: “El nacimiento de Venus”y “La alegría de la Primavera”.

Fuera de Florencia se desarrollaron otros centros artísticos, como Padua, donde destacó la figura del pintor Mantegna, y Umbría, con artistas como Piero de la Francesca.

 

    •  El Cinquecento, (siglo XVI). El foco de Roma.

 

Durante el siglo XVI el centro artístico del Renacimiento se trasladó de Florencia a Roma, gracias al mecenazgo de los papas. A parte de Roma, otros dos focos importantes fueron Milán y Venecia.

Los dos artistas más importantes de este periodo fueron Rafael , Miguel Ángel y Leonardo da Vinci.

 

      • Rafael.

 

La pintura de Rafael se caracteriza por elegancia y su belleza equilibrada y armónica. Pintó numerosas obras con el tema de la Virgen con el niño, (las llamadas Maddonas), que le hicieron muy popular, sin embargo su obra más importante es la decoración de las estancias vaticanas o “frescos del Vaticano”. Se trata de composiciones de gran tamaño y temática variada, entre las que destacan obras como “la escuela de Atenas”.

 

      • Miguel Ángel.

 

Destacó en todas las grandes disciplinas artísticas: arquitectura, escultura y pintura. Como arquitecto trabajó en la construcción del templo de San Pedro del Vaticano, realizando su cúpula. Como escultor destaca por su “David”, ejemplo de perfección anatómica del cuerpo humano, y por la escultura de “Moisés”. Como pintor realizó los frescos de la Capilla Sixtina, en el Vaticano, que destaca por sus figuras llenas de fuerza y movimiento.

 

 

      • Leonardo da Vinci.

 

Representa el ideal del humanista del Renacimiento, ya que, aparte de artista, cultivó numerosas ramas del saber. Como artista destacó como pintor, con obras maestras como “la Última Cena”, la “Gioconda” o “Mona Lisa” y la “Virgen de las rocas”. Su pintura se caracteriza por su perfección en el dibujo, el uso del claroscuro, la profundidad psicológica de los personajes representados y el uso de la técnica del esfumato, (difuminación de las figuras más alejadas, para mejorar la perspectiva y profundidad del cuadro).

 

    •  La Escuela Veneciana.

 

Venecia se convirtió en el siglo XVI en un importante centro artístico, gracias a la riqueza acumulada por la ciudad a través del comercio. Los principales pintores venecianos fueron Tiziano, Tintoretto y Veronés.

Entre las características comunes de estos artistas podemos mencionar la importancia de la luz y del color.

 

  • Tiziano: destacó como retratista, con retratos como el del Papa Paulo III, el del Emperador Carlos V en la Batalla de Mülhberg y el de la Emperatriz Isabel de Portugal.
  • Tintoretto: realizó grandes composiciones dotadas de gran sensación de movimiento.
  • Veronés: sobresalió en el uso del color y de la perspectiva.

 

  • EL ARTE DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA

 

    •  Arquitectura y escultura.

 

      • El estilo Isabelino.

 

A finales del siglo XV y comienzos del XVI se desarrolló en España el estilo isabelino, cuyos principales elementos arquitectónicos eran la bóveda estrellada y el uso de los arcos carpanel y conopial. Entre las obras más importantes en este estilo podemos citar el monasterio de san Juan de los Reyes, (Toledo) y la Capilla Real de la catedral de Granada.

 

      • El estilo Plateresco.

 

El Renacimiento se inició en España en el siglo XVI, con la aparición del estilo Plateresco, (desarrollado en el primer tercio del siglo XVI). Se caracteriza por presentar unas fachadas excesivamente decoradas, imitando la decoración de los plateros. Un buen ejemplo lo tenemos en la fachada de la Universidad de Salamanca.

      • El estilo Purista.

 

En el segundo tercio del siglo XVI apareció el estilo Purista, que empleaba los elementos formales propios de los artistas italianos, como, por ejemplo, en el Palacio de Carlos V, de la Alhambra.

 

      • El estilo Herreriano.

 

Apareció en el último tercio del siglo XVI y debe su nombre al arquitecto Juan de Herrera. Se caracteriza por su grandiosidad y ausencia, casi absoluta, de decoración. Su mejor ejemplo es el palacio-monasterio del Escorial.

 

      • Escultura.

 

La escultura está subordinada a la arquitectura, al quedar incluida en los edificios, como elemento decorativo.

 

    •  Pintura.

 

La pintura española del siglo XVI desarrolló las características propias de la pintura renacentista italiana. Destacan las obras de temática religiosa y los retratos. Entre los pintores españoles de la época destacan Pedro de Berruguete, Juan de Juanes, Sánchez Coello y, en especial, El Greco. El Greco inició su carrera artística en Venecia, pero desarrolló la mayor parte de su carrera profesional en Toledo. Su obra destaca por el tratamiento que hace del color, de la expresividad y de la espiritualidad, así como por el alargamiento de las figuras. Entre sus obras destacan “El entierro del conde de Orgaz”, “El martirio de San Mauricio” y “El Expolio”

 

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El Renacimiento resumen

EL ARTE DEL RENACIMIENTO

 

            El arte en la Edad Media tenía una función eminentemente religiosa y la Iglesia era el principal cliente de los artistas. Sin embargo, la importancia política del príncipe renacentista y el progresivo poder económico de la burguesía motivaron la aparición de personas de la sociedad civil, de los mecenas, que encargaban obras del artista.

 

            Los príncipes renacentistas deseaban legitimar su poder a través del arte, ligando su imagen la Antigüedad. Para los banqueros, mercaderes y financieros, el mecenazgo también era una forma de mostrar su importancia social. De esta forma, muchas obras se convirtieron en un símbolo del poder político y social de quien las encargaba.

 

            La producción artística pasó de ser un producto de “taller”, obra de artesanos anónimos, a convertirse en creación de un artista. Arquitectos, escultores o pintores defenderán que la capacidad de producir arte no proviene sólo del aprendizaje manual sino del dominio de unos conocimientos científicos y de la posesión del “don” o capacidad para crear.

 

            Profundamente influidos por los humanistas, los artistas del Renacimiento recuperaron las reglas del arte clásico, consideraron al individuo y la naturaleza como un todo armónico y perfecto e intentaron representarlos resaltando su belleza.

 

            Los artistas del Renacimiento pensaban que el mundo está sometido a reglas y combinaciones que le dan belleza y proporción. El artista debía estudiar la naturaleza para poder imitarla. Pero para reproducir lo real, la naturaleza, los artistas del Renacimiento debían inventar un sistema, unas reglas, que les permitieran plasmar el mundo en sus obras. Para eso, escribieron tratados que explicaban cómo conseguir esa belleza ideal y universal.

 

RASGOS GENERALES DEL RENACIMIENTO

 

            Los artistas del Renacimiento se preocupan por la búsqueda de la proporción, en escultura, y por el domino del espacio, en arquitectura y en pintura.

 

  1. En escultura se opta por la definición de las proporciones armoniosas del cuerpo humano, a menudo se representa desnudo, como en el David de Donatello.
  2. En arquitectura se tiende a la introducción de elementos simples, proporcionados y ordenados, basados en los elementos clásicos grecorromanos: arco de medio punto, columnas, frontones, cornisas, cúpulas.
  3. En pintura, el problema más complejo consistía en representar en una superficie plana, de dos dimensiones (altura y anchura), la tercera dimensión (profundidad). La búsqueda de la profundidad constituye un elemento clave del arte renacentista.

Para representar el espacio real, se utiliza la perspectiva, un método geométrico que reduce progresivamente los objetos a medida que se alejan del ojo del espectador.

De este modo, el artista produce la ilusión de lejanía y profundidad espacial.

 

EL RENACIMIENTO EN ITALIA

 

            El Renacimiento surgió en Florencia, al calor de la prosperidad económica y de la existencia de grandes mecenas. Se expandió por todas las ciudades italianas: Venecia, Milán, Mantua, Urbino... y sobre todo Roma.

 

            Si el Renacimiento se caracteriza por la búsqueda de las fuentes clásicas, es lógico que sea en Italia donde se inicie este proceso, pues contaba con innumerables restos arqueológicos y una tradición cultural relacionada con su pasado: el Imperio Romano.

 

            Dentro del Renacimiento se distinguen dos períodos: el Quattrocento (siglo XV) y el Cinquecento (siglo XIV).

 

El arte del Quattrocento en Italia

            Durante el siglo XV, Florencia es la capital del Renacimiento. En torno a la familia Médicis, se alcanzó un nuevo ideal artístico basado en el optimismo y la confianza en la razón. En esta época se levantaron los grandes palacios de las familias florentinas.

 

            En arquitectura, el primer arquitecto propiamente renacentista fue Filipo Brunelleschi, que realizó la cúpula de la catedral de Florencia, rompiendo con las formas góticas de cubierta. La búsqueda de elementos clásicos le llevaron al empleo del arco de medio punto, las columnas corintias y la planta basilical.

 

            El palacio Pitti, obra de Brunelleschi, posee una estructura horizontal; en él desaparecen los elementos defensivos (almenas, torreones...) y aparece la división en pisos y el almohadillado.

 

            Otro gran arquitecto fue Alberti; sus obras se basan en el arte romano y recurre al arco de medio punto y a las formas abovedadas. Parte del concepto de belleza como armonía matemática, como se puede observar en la Iglesia de San Andrés, en Mantua.

 

            En escultura, las nuevas tendencias condujeron al naturalismo en las figuras, con un estudio del cuerpo humano y de las expresiones mediante gestos de las manos o rasgos de la cara. Los modelos clásicos fueron copiados como ejemplos de perfección.

 

            El primer gran escultor fue Ghiberti, que realizó las puertas del baptisterio de Florencia. Estos relieves en bronce representan el gran logro del Quattrocento, tanto por el estudio de las figuras como por la búsqueda de la perspectiva y la profundidad dentro del paisaje en el que se desarrollan las escenas.

 

            El gran escultor del Quattrocento es Donatello; Realizó una serie de esculturas en las que exalta la figura humana; se interesó en la búsqueda de las proporciones y el estudio profundo de la anatomía y de las expresiones; ejemplo son su David, San Jorge o el profeta Habacuc. En su obra Gattamelata recobra el modelo romano de escultura ecuestre.

 

            El siglo XV en pintura se caracteriza por la ruptura con el gótico, incorpora el estudio del movimiento, el uso de la luz natural, la búsqueda de las proporciones y, sobre todo, de la profundidad mediante la perspectiva lineal –principal logro del Quattrocento-. A los temas religiosos se incorporaron los históricos, los alegóricos y los mitológicos.

 

            La primera figura es Fra Angélico, autor de los frescos del convento de San Marcos y de las Anunciaciones, en las que perviven rasgos góticos, pero incorpora la arquitectura renacentista y el paisaje a las escenas. Masaccio intentó dar volumen a sus figuras y crear sensaciones de profundidad por medio de sus marcos arquitectónicos; obras suyas son la Trinidad y los frescos de la capilla Brancacci.

 

            La figura cumbre de la escuela florentina es Sandro Botticelli. Este pintor de temperamento nerviosos trató temas mitológicos y religiosos. Sus obras cuidan el movimiento y la disposición de las figuras, que se relacionan entre sí. Su dominio del dibujo le permite dar volumen a las figuras sin tomar en consideración el color. Obras suyas son La alegoría de la primavera, El nacimiento de Venus o La calumnia.

 

El arte del Cinquecento italiano

 

            En el siglo XVI se produjo el apogeo del Renacimiento; coincidieron una serie de grandes genios que provocaron una verdadera revolución en el arte. Roma desplaza a Florencia como capital artística, los papas Julio II y León X se convierten en grandes mecenas, y la construcción de la basílica de San Pedro del Vaticano atrae a maestros de todas las áreas que compiten por un espacio en la obra cumbre de la cristiandad.

 

            Bramante estableció las características de la arquitectura del Cinquecento con el uso de plantas circulares o de cruz griega y el empleo de columnas como elemento decorativo de los edificios. Obra suya es el templete de San Pietro in Montorio. Pero su gran proyecto es el inicio de San Pedro del Vaticano (1514), para lo cual diseñó una basílica de cruz griega coronada con una grandiosa cúpula. Su proyecto fue continuado por Rafael en 1514.

 

            A partir del año 1546 se reanudaron las obras bajo la dirección de Miguel Ángel, que cambió el proyecto inicial y construyó la impresionante cúpula, que se levanta sobre un tambor decorado con dobles columnas. Posteriormente intervinieron otros arquitectos que finalizaron las obras.

 

            Otros arquitectos son Vignola, autor de la iglesia del Gesù y Palladio que trabajó principalmente en Florencia y es autor de la Villa Rotonda en Vicenza.

 

            En escultura, el genio indiscutible es Miguel Ángel, a quien ya hemos visto como arquitecto. En Florencia realizó una de sus obras más conocidas, el David, profundo estudio de la anatomía y de los músculos, pero sobre todo de las expresiones internas. En su Piedad del Vaticano se nos muestra como un perfecto conocedor de la talla y de los sentimientos humanos. Su obra cumbre es el Moisés.

 

            En pintura, el siglo XVI representa el abandono de las experimentaciones del Quattrocento.

 

            El primer gran genio es Leonardo da Vinci, hombre polifacético que profundizó en todas las facetas del saber. Su interés científico le llevó al estudio de la naturaleza y del cuerpo humano, como se puede observar en sus diseños y dibujos. En su Santa Cena o en la Virgen de las Rocas se nos muestra como maestro en el estudio de la composición, el movimiento de las figuras y el conocimiento de la perspectiva espacial. Pero su obra más conocida es la Gioconda o Mona Lisa, retrato en el que destaca el realismo del personaje, el difuminado o sfumato de la figura y el gesto de la cara que nos induce a un misterio sin desvelar en el cuadro.

 

            Otro gran artista es Rafael Sanzio. Este joven pintor recibió las primeras lecciones de pintura en Umbría, pasó luego a Florencia y definitivamente a Roma. En su etapa de Florencia la influencia de Leonardo es palpable, con sus formas suaves y sus paisajes misteriosos, como podemos observar en la Dama del Unicornio. En Roma su pintura alcanzó la madurez, pero ésta se vio influida por la pintura de Miguel Ángel, como se puede observar en la decoración de las estancias del Vaticano, entre las que destaca la Escuela de Atenas.

 

            Miguel Ángel, al que descubrimos como arquitecto y escultor, también destacó en las facetas pictóricas. Como buen conocedor de los volúmenes y del trazo, en sus obras sobresale el dibujo más que el color, y da mayor importancia al estudio de la anatomía y del movimiento que a la luz y al paisaje. Realizó los frescos de la bóveda de la Capilla Sixtina, en la que representó escenas bíblicas, mostrando su conocimiento del cuerpo humano (desnudos) y del movimiento de las figuras. Posteriormente efectuó para la misma sala El Juicio Final; aquí su temperamento inquieto y desbordado da paso a un torbellino de figuras y músculos que se mueven frenéticamente.

 

La escuela Veneciana

 

            La república de Venecia, durante el siglo XVI, conoció una época de esplendor gracias a su control del comercio mediterráneo. Sus excelentes relaciones con naciones de Oriente Próximo introdujeron el elemento exótico en la vida veneciana, así como un gusto por el lujo propio de las cortes orientales. Y todo ello se reflejó en el arte. En pintura coincide un conjunto de artistas que poseen rasgos característicos y esto nos permite hablar de la escuela veneciana.

 

            El primer pintor es Giorgione, perfecto conocedor del color y de la luz, plasmó estos dos elementos en sus obras. Sus formas suaves y aterciopeladas, son características de sus pinturas. La obra más conocida es La tempestad.

 

            La figura más importante es Tiziano. En sus cuadros logró plasmar las características de esta escuela pictórica. Se convirtió en un artista de gran fama, por lo que fue protegido de Carlos V y de Felipe II. De este período es uno de sus retratos más famosos, Carlos V en la batalla de Mühlberg.

 

            Muestra la majestuosidad y el poder del emperador tras derrotar a los príncipes protestantes en la batalla de Mühlberg. Es un retrato ecuestre al aire libre, por lo cual introduce el paisaje como elemento definidor del poder del emperador. Este modelo será muy copiado en el período barroco.

 

            El último pintor de esta escuela y que acerca la pintura veneciana al barroco es Tintoretto. Fue uno de los pintores más capacitados para el dibujo; en sus obras tiende a representar los movimientos violentos o escorzos, los acusados contrastes lumínicos que preludian el tenebrismo, la presentación de diversas escenas que no guardan relación con el tema principal y el uso de las perspectivas arquitectónicas forzadas. Obra suya es el lavatorio de los pies.

 

 

EL RENACIMIENTO EN ESPAÑA

 

            En la Península Ibérica, debido a su situación geográfica y a los intereses estratégicos y comerciales de la corona de Aragón –que dominaba Nápoles y Sicilia-, las formas artísticas italianas encontraron gran difusión.

 

            Durante el siglo XV se mantuvieron las formas góticas, pero se introdujeron los modelos renacentistas, tanto por la llegada de pensadores y artistas italianos como por los constantes viajes que realizaron los artistas españoles a Italia. El arte de este reinado, aún dentro del estilo gótico, incorporó los nuevos gustos renacentistas, como el arco de medio punto en la arquitectura, el estudio de las proporciones en la escultura y la búsqueda de un mayor realismo en la pintura.

 

            En arquitectura, el estilo que nos introduce en el Renacimiento es el plateresco. Se caracteriza por la excesiva ornamentación de las fachadas de los edificios, con motivos naturalistas y heráldicos que recuerdan el trabajo de los plateros. La fachada de la Universidad de Salamanca es la obra más representativa.

 

            En el reinado de Carlos V se imponen definitivamente las formas renacentistas, aunque se incorporan elementos propios que nos permiten considerar un estilo hispano clásico o purista. Las obras más representativas son la fachada de la Universidad de Alcalá de Henares de Rodrigo Gil de Hontañón, y el palacio de Carlos V en Granada, obra de Pedro Machuca.

 

            En escultura surge un nuevo grupo de artistas que están influidos por las formas italianas Entre ellos destaca Alonso de Berruguete, discípulo de Miguel Ángel, cuya obra refleja un perfecto estudio de la anatomía y un dominio del movimiento y de la expresión. Trabajó temas religiosos, que realizó en madera policromada para dar mayor realismo a la representación. Destaca su San Jerónimo o su San Sebastián.

 

            En pintura las formas góticas se mantienen durante más tiempo. Sin embargo, ya en las obras de Pedro Berruguete se incorporan ciertos elementos que nos hacen prever el Renacimiento. En su Auto de Fe introduce varias escenas, el paisaje arquitectónico y la búsqueda de la perspectiva lineal. Otro artista más renacentista es Juan de Juanes; en su Santa Cena se percibe claramente la influencia de Leonardo da Vinci.

 

            En el reinado de Felipe II, el esplendor político quedará plasmado en una serie de obras y artistas, símbolo del Renacimiento hispánico. La obra más representativa de este período es el monasterio de San Lorenzo de El Escorial. Este edificio, símbolo del reinado de Felipe II, comenzó a construirlo Juan Bautista de Toledo en 1563; las obras fueron culminadas en 1581 por Juan de Herrera, que da nombre a este estilo arquitectónico: “herreriano”. El conjunto arquitectónico debía cumplir una serie de funciones: basílica, monasterio, palacio oficial, residencia privada de los reyes y panteón de los monarcas españoles.

 

            Un artista difícil de encuadrar es Doménico Theotocópoulos, más conocido como El Greco. Nacido en Creta, comenzó un periplo por Venecia, Florencia y Roma hasta llegar a España. Tras realizar dos cuadros para El Escorial decide trasladarse a Toledo, donde elaborará la mayor parte de su obra pictórica.

 

            Se ocupó de temas religiosos, debido a que la mayor parte de los encargos recibidos procedían de la Iglesia. Su pintura se caracteriza por el uso de colores fríos, los movimientos forzados, la utilización de luces místicas (que emanan de los principales personajes) y el alargamiento de las figuras para buscar una mayor espiritualización.

 

            Sus principales obras son: El expolio, El Entierro del Conde de Orgaz y el retrato de El caballero de la mano en el pecho.

 

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El Renacimiento resumen

1.- EL RENACIMIENTO

 

EUROPA Y LOS TIEMPOS MODERNOS

 

            Entrando ya en el siglo XIV, surge en Europa, específicamente en Italia, un proceso que se caracteriza por una vuelta de los valores culturales y artísticos que enriquecieron la vida en la Grecia antigua y en el apogeo del imperio romano: el Renacimiento

            Después de una lenta evolución en las transformaciones medievales, se llegó al momento culmine de su desarrollo, en que la formación de ciudades se había fortalecido, formándose verdaderas repúblicas soberanas, como Venecia, que se regía por monarcas con poderes cada vez mayores.  En dichas ciudades se  comprendió muy rápidamente las ventajas que representaban sus características geográficas, comerciales y principalmente culturales que las hacían superiores a los demás reinos aledaños.

            Este hecho, agregado a la península italiana estaba convertida en el paso obligado para todos aquellos que desean comunicarse entre Europa y Asia, explica que fueran ciudades italianas las que alcanzaran el mayor progreso de la época.

 

Italia: lugar de origen del renacimiento

 

            Italia ocupa un lugar preponderante en el renacer de la cultura grecolatina, debido básicamente a que en el siglo XIV perduraban aún las raíces del antiguo y glorioso Imperio Romano.  Su vecindad con el Imperio Bizantino, en donde se guardaban los restos mas preciados de la cultura y el arte griegos, permitían la fácil introducción de estos conocimientos con la llegada a la península de intelectuales formados bajo el alero de la cultura griega.

            Los reinos latinos se habían convertido, así, en los grandes centros comerciales y culturales de la época, lo cual les permitía mantener relaciones sociales, económicas y  artísticas con gran parte del orbe civilizado europeo y asiático.  Destacan entre los reinos algunos que estaban organizados tanto política como administrativamente; este es el caso de:

Roma: Convertida en un Estado Pontificado, estaba gobernada por la regia autoridad del Papa, guía espiritual de todos los estados de occidente cristianizados.  En un primer momento, el poderío alcanzado por Roma se debió a Cesar Borgia, quién sometió a quienes detentaban el poder  (barones).

Venecia: Destaca por ser la precursora del arte de la diplomacia, la disciplina de las relaciones internacionales.  Era gobernada por un dux, cuyo cargo era electivo y vitalicio pero no hereditario, formándose una institución que tenía la más alta autoridad de la república: el Consejo de los Diez.  Este vigilaba que ninguna persona que no perteneciera a los privilegiados, interviniera en el gobierno.

Florencia: Situada entre Grecia y Alemania, fue la ciudad que alcanzó mayor desarrollo, gracias a la importancia que tuvieron en ella el arte y el comercio.  Se enriqueció rápidamente con las industrias artesanales de lana y de tela, además del surgimiento de los bancos, que funcionaban en forma muy similarar la de nuestros días, otorgando empréstitos con intereses y recibiendo depósitos, ahorros, etc.

 

En el siglo XV tomó el poder la familia de los Médicis.  En ella se distinguió a Lorenzo de  Médicis, el magnífico, el cual se hizo cargo del gobierno de la ciudad por el deseo de sus conciudadanos, creando a su lado una corte de poetas, escritores y artistas.  Era un hombre de un fino sentido artístico, y fue un verdadero mecenas del arte y la cultura. Fundó la Academia, escuela donde se practicaba la visión moderna de las ideas de Platón. (Neoplatonismo).

 

Nuevos conceptos de la época: Humanismo

 

Unida al desarrollo económico y cultural de los reinos Italianos, aparece una nueva visión filosófica de la vida, llamada humanismo, y que tiene al hombre como centro de todos los fenómenos intelectuales, artísticos, científicos y literarios.

La época moderna es, en el periodo renacentista, esencialmente antropocéntrica; es decir, se considera al hombre como centro del universo.  Se entendía, por lo tanto, el rol protagónico que tenía el hombre como se r creado por Dios para habitar la tierra y para llevar a cabo todas aquellas obras que realzan la belleza y la vida.

Surge, así, una serie de precursores entre los que destacan: Francisco Petrarca  (1304-1374), escritor que decidió estudiar a los griegos y romanos revisando viejos pergaminos, a fin de escribir obras guiadas por los antiguos conceptos de la belleza natural.  Brillan también el poeta dante Aleghieri (1265-1321), autor de la obra divina comedia y  Juan Boccaccio (1313-1375), autor de El Decamerón.

 

Todos ellos dan los primeros pasos en el movimiento humanista, que encuentra gran estímulo en la invención de la imprenta en 1440. por el alemán Juan Gutemberg, idea que pudo realizarse gracias a la creación del papel por parte de los chinos y al grabado de planchas metálicas.  La aparición de la imprenta permite multiplicar con gran rapidez las obras de los distintos autores, lo que difunde el conocimiento por el mundo civilizado.

El lugar en el cual se reúnen y preparan los intelectuales humanistas es la Academia Platónica., donde se estudian y realizan escritos de gran nivel cognitivo, situada en la cuidad de Florencia.  Allí se distingue con gran nitidez la figura del cientista político Nicolás Maquiavelo, autor de El Príncipe, obra que esboza su idea del papel de los monarcas, y de cómo éstos deben gobernar los Estados.

 

El Humanismo en el resto de Europa

 

            El humanismo se desarrolla también en Inglaterra, Alemania y Francia, en donde surgen los grandes exponentes de esta filosofía: Tomás Moro, Juan Collet, Erasmo de Rótterdam, en Inglaterra; Guillermo Budé y  Juan Bodin, en Francia, y Juan Reuchen, en Alemania.

            Cabe destacar a Erasmo de Rótterdam, quien vivió entre los años 1469 y 1536, y se transformó en el principal exponente del humanismo, debido básicamente a su fértil labor literaria y al profundo conocimiento que tenía de las lenguas y autores antiguos.  Se convirtió en un defensor académico de los valores morales y éticos, realizando una fuerte crítica a la sociedad y en especial a los sacerdotes que no se preocupaban de su labor evangélica.  Este erudito, de raigambre holandesa, desarrollo gran parte de su vida y de su obra en Inglaterra..

 

El arte del Renacimiento

 

El arte renacentista también experimentó una serie de innovaciones en lo que a la pintura, escultura y arquitectura se refiere.  Es quizás este ámbito lo que mejor refleja el gran esplendor del Renacimiento.  Se  apreció la revalorización de la naturaleza como forma de visualizar el arte, buscándosela perfección de las líneas, la belleza del hombre, la majestuosidad de las expresiones y en definitiva la aproximación a la realidad.

Sobresale Florencia, en donde  aparece la familia Malatesta, mecenas de varios artistas, entre ellos Leone Battista Alberti.  Se forma en esta ciudad la Escuela Florentina, Centro artístico que es dirigido por Giotto, Heredero de los bizantinos.

El tema religioso es sumamente trabajado, esculpiéndose obras como David, Maria Magdalena, Francisco de Asís, entre otras..

En la escultura, destaca Ghiberti, que esculpe en las puertas de la catedral de Florencia El Sacrificio de Isaac; inspirado en la vida de  Jesús.

En la arquitectura se distingue Felipe Brunelleschi, eterno rival de Ghiberti; quien construye la cúpula de la misma catedral, formando una serie de discípulos que siguen sus enseñanzas.  En la pintura el artista mas destacado es Sandro Boticelli, quien es acogido por la familia Médicis, la cual le brida su protección, y le encomienda una serie de obras, entre ellas La Madona del Magnificat.  Destacan además sus obras La primavera, Nacimiento de Venus y Palas.

En el siglo XVI se distingue el mayor desarrollo artístico en Italia, representado en la figura de tres creadores artísticos extraordinarios: Rafael Sanzio, Miguel Ángel y Leonardo Da Vinci.

  • Rafael Sanzio, nacido en 1483 en Urbino; Tuvo una corta vida, a pesar de lo cual llevó a cabo una cantidad apreciable de obras.  Recibe la influencia de Perugino que marca su estilo posterior, y que lo convirtió en un polifacético pintor de bellísima vírgenes, también llamadas madonas.  Su talento artístico lo llevó a pintar en la misma Roma, contratado por el Papa Julio Segundo, para realizar algunos frescos en el Vaticano.  Destacan entre  sus principales obras: La madona de Sisto, La Escuela de Atenas, Misa de Bolsena, La Virgen del jilguero y su hermosa Transfiguración.

 

  • Miguel Ángel nació en Capresa el año 1475,  su nombre completo era Michelangelo Buonarotti.  Sobresalió desde muy joven por su talento artístico y sus creaciones de gran diversidad.  Se caracteriza por reflejar la expresión interna más sublime del ser humano, logrando captar las pasiones más tormentosas de sus personajes.  Se dedica tanto a la escultura como a la pintura., conociéndose sus obras universalmente; tal es el caso de David, La piedad, y principalmente, los frescos de la capilla Sixtina, obra esta última donde pinta las escenas más fantásticas del Antiguo Testamento.
  • Leonardo Da Vinci nació en Vinci, Toscana, el año 1452; trabajó desde adolescente en el taller de Andrea Venocchio, quien le enseñó los primeros pasos en el ate.  Si se trata de definir a Da Vinci, se le podía calificar como el genio más brillante de la época, ya que fue inventor, escultor, pintor, arquitecto, biólogo, físico, etcétera.  Leonardo Da Vinci personifica al hombre que aspira a saber más del hombre, valorizándolo a través de l estudio y del conocimiento.  Se pueden identificar entre sus obras La Gioconda, La última cena, La Virgen de las rocas, la Adoración de los magos.

 

El arte en el resto de Europa

 

            El renacimiento también se hace presente en los demás estados europeos, encontrándose destacados cultores del arte, en sus diversas formas, naciones como Holanda, Francia, Alemania y España.

            En el año 1500 crean la escuela flamenca de los hermanos Juan y Humberto Van Eyck, destacados expositores del realismo borgoñés.  Destacan también Juan Memling, autor de los Desposorios místicos de Santa Catalina, en donde expone una sensibilidad y una melancolía finamente descrita; Hugo Van Der Goes, pintor de Tríptiocos Portinari, que recurre a visiones extremadamente opuestas en sus obras, pasando por las formas virginales para llegar a la violencia de las guerras.

Francia alcanza una gran evolución arquitectónica, en que destaca la construcción de Louvre, por Lescot.  Alemania tiene su principal representante en Durero, que pinta temas bíblicos como El Apocalipsis, expresando el terror al caos que pareciera sobrevenir sobre las naciones; destacan entre  sus  obras El Caballero y La melancolía y san Jerónimo.

            Finalmente, España demuestragran desarrollo en la literatura con escritores de la talla de Juan Manríquez, creador de Coplas a la muerte de mi padre; Garcilaso de  la Vega, Juan Boscán y el señero Alonso de Ercilla autor de La Araucana.

Cabe destacar que en los demás países europeos se vivió este renacer y la difusión de la literatura, encontrándose exponentes de gran factura como Baltasar de Castiglione, con su obra El Cortesano, y el poeta Torcuato Tasso, con Jerusalén libertada, en Italia, Miguel de Montaigne y Francois Rebalais, creador de Crónicas Gargantúa, en Francia.

 

Las ciencias en el Renacimiento

 

Con la difusión de los conocimientos se transforma la mentalidad de los renacentistas, que, rompiendo las antiguan concepciones sobre el hombre y el mundo, se atreve a emitir nuevas ideas al respecto.  Se distingue la actitud de un científico que revoluciona a la sociedad moderna al plantear una teoría novedosa sobre el universo: Nicolás Copérnico.

En su obra Sobre la revolución de los cuerpos celestes expone una teoría heliocéntrica, que supone al sol como centro del universo.  Copérnico revela lo siguiente:

  • El sol esta al centro del universo y no modifica su posición.
  • Los planetas y también la tierra, por ser uno de ellos, giran alrededor del sol.
  • La tierra gira en 24 horas alrededor de un eje.
  • La luna se traslada en una órbita circular alrededor de la tierra.

Al formular estas ideas, Copérnico contradijo completamente la teoría egocéntrica de  Ptolomeo,  según la cual la tierra  era el centro del universo y todos los planetas giraba a su alrededor, lo que obligó a los hombres a replanteárselas bases de  sus conceptos.

 

  • 2.- LOS GRANDES DESCUBRIMIENTOS GEOGRÁFICOS.

 

LA EXPEDICIÓN EUROPEA Y LA ERA DE LOS DESCUBRIMIENTOS:

 

            A partir del siglo XV comienza una serie de movimientos expansivos desde Europa hasta el resto del mundo, consecuencia de la mentalidad renacentista que había establecido nuevos rumbos al desarrollo de las sociedades.  De esta forma, los estados europeos comienzan a disputarse todos los territorios situados fuera del Viejo Continente, aprovechando los avances sociales, políticos y, por Europa

            Es así como comienza una intensa lucha por la dominación, en primer momento, de las rutas de comunicación y, luego, de los territorios descubiertos.

fundamentalmente, los científicos, que habían creado los instrumentos necesarios para la exploración de las regiones no influidas

 

Evolución de la mentalidad europea.

 

Las bases del dominio europeo fueron preparadas en su origen por las rivalidades entre el mundo cristiano y el mundo musulmán.  Sin embargo, el verdadero factor transformador de las acciones fue la aparición del capitalismo inicial.

La evolución en estos dos aspectos de la sociedad tuvo su expresión más concreta en los rasgos

económicos, que perviven al nacimiento de un espíritu individualista y racionalista denominado burguesía.

            El deseo de lucro, el espíritu de empresa y la alta productividad en los negocios y en el comercio originaron un proceso de acumulación de capital, con una circulación monetaria en crecimiento y, por ende, un aumento en la demanda de bienes.

 

            Estos hechos, que se pueden sintetizar en el valor del hombre por sus bienes, permiten entender la importancia que tuvieron algunas familias como los Médicis en Italia y los Fugger en Alemania, mecenas no sólo de artistas, sino también de príncipes y monarcas que acudían a ellos en busca de apoyo financiero, militar y político.  La Iglesia, entretanto, perdía influencia, provocándose un ulteriormente un cisma en su organización, lo que permitió a algunos reyes en directa polémica con los papas.

 

            El Estado, por su parte, empieza a cumplir un papel dentro de esta naciente economía capitalista: del fortalecimiento de grupos económicos, encabezado por comerciantes enriquecidos que recibían una serie de privilegios como contrapartida  al apoyo que prestaban a los monarcas.  Nacen los grandes monopolios, que por vía de prestamos o tributos permitían, a subes, mantener los ejércitos y el amplio aparato estatal existente.

            La empresa capitalista pasa a ser la célula  fundamental de los Estados europeos,  cambiando su forma original pro una mas despersonalizada y abstracta, formándose la sociedad comercial con razón jurídica, con un patrimonio propio y separado del de los socios que la forman.  Se introduce la contabilidad en las empresas, lo que permite administrarlas ordenadamente; se elimina, además, la traba que crean las asociaciones gremiales existentes  desde el Medioevo, que no permitían la libre competencia y su consecuencia, el enriquecimiento de los comerciantes.

            Es fundamental considerar el crecimiento poblacional producido en el siglo XV, que trae como secuela un aumento en la demanda de vienes necesarios para la subsistencia de las personas y que hace urgente la obligación de recurrir a nuevos mercados para  satisfacer dichos requerimientos.

            Todos estos factores, al relacionarse, conforman el cuadro que provoca, finalmente, el fenómeno expansivo de los europeos y que desemboca en una cadena de descubrimientos geográficos y en el intento de posesionarse de nuevos territorios.

 

Los adelantos de la navegación.

 

Entre las causas más determinantes del proceso expansivo europeo, está, como ya hemos establecido,  el capitalismo incipiente.  No obstante esto, la sistemática evolución de la técnica de las ciencias que actuaron como medio para llevar a cabo este objetivo.

 El conocimiento que van a lograr los europeos con el estudio de la geografía y de la astronomía, por su parte, y el desarrollo en la construcción de barcos y la experiencia de navegantes adquirida en el tiempo, por otra, crean las bases necesarias para la exploración de nuevos territorios.

Hasta entonces, lo que respecta al estudio de la geografía y la astronomía, todo el conocimientos se basa en el trabajo de Ptolomeo, un egipcio que había vivido gran parte de su vida en Grecia  y quien había escrito una Geografía descriptiva y una obra de astronomía, El Almagesto, que constituían la descripción más exacta del mundo.  También se consideraba a la  obra Imago Mundi, escrita en 1410 por el cardenal Pierre D’Silly como fuente de información sobre la forma de la tierra y el mar.

Surgen ahora los portulanos o cartas marinas, que representaban con bastante exactitud las líneas costeras, distinguiéndose las bahías y requerios, pudiéndose establecer una serie de rutas marinas.  También se fabrican los astrolabios,  tablas de cálculo de los gradientes del Sol, que permitían fijar las distancias entre un punto y otro.  Por último, se utilizó la brújula o aguja imantada para señalar los puntos cardinales y sus 32 puntos intermedios. Este instrumento tuvo su origen en el oriente chino.

Mientras tanto, las mejorías alcanzadas en la fabricación de las naves marítimas implican el necesario paso de las galeras y barcos de remos a boques a vela con aparejo en cruz y finalmente a carabelas con mástiles de varias velas.  Esta evolución de los navíos marinos se debe principalmente a la obligación de contar con transportes de mayor calado, más rápidos, más resistentes y con mayor espacio de carga.

 

La etapa de descubrimientos: España y Portugal.

 

España y Portugal son Estados que sobresalen en las  empresas descubridoras de nuevos territorios.  La razón de ser ambos los iniciadores de este movimiento, se explica por nivel de perfeccionamiento en la navegación de flotas marinas de ambas naciones y por el mantenimiento de puertos en excelente estado.

 

  • Portugal: La figura más destacada de la ola expansiva portuguesa fue el Príncipe Enrique de Portugal, llamado El Navegante.  Se distinguió en la toma del puerto de Ceuta, el año 1445, que era uno de los principales puertos moros.  Fue amigo de marinos estudiosos de la geografía  y de la cartografía, formando incluso un centro de estudios náuticos.

Veamos una corta cronología  portuguesa de los principales hechos marítimos:

  • 1442: Es alcanzado el cabo Bojador, obstáculo insalvable en la época para comunicar Europa con África.
  • 1448: Por orden de Enrique el navegante se crea la primera factoría europea en Arquim. África. 
  • 1455: El italiano Cadamosto realiza una serie de viajes entre las islas del Atlántico y África occidental.
    • 1486: Bartolomé Días descubre el Cabo de Buena Esperanza.

 

    • 1498: Vasco da Gama llega a la costa oeste de la India.
    • 1511: Alburquerque toma las islas Molucas
    • Portugal llega a China, estableciendo una colonia en Macao.

 

  • España: Evidentemente este es el estado que mas descuella en la empresa descubridora, en un proceso que hace nítida la figura del descubridor de un continente nuevo.

Cristóbal Colón era un descendiente modesto de una familia genovesa, nacido en 1451.  Desde su niñez, se siente atraído por el mar, que comienza a recorrer primeramente como agente comercial.  Siendo muy joven viaja a Lisboa, donde se pone en contacto con los últimos adelantos geográficos y marítimos de la épica

La historiografía universal ha encontrado en la idea de Colón de descubrir las indias (inspirado en el cosmógrafo Toscanelli) uno de los más grandes problemas, ya que no ha existido hasta la actualidad una opinión unánime sobre cual era el verdadero objeto del navegante.

No obstante, el hecho es que Colón realizaba expediciones marinas a fin de explorar las rutas a ciertas tierras donde se encontrarían inmensas riquezas, por lo que se hace presente ante la corte del rey Juan de Portugal con el objeto de presentarle sus proyectos.  Empero es rechazado, lo que lo obliga a recurrir a los monarcas españoles Isabel la Católica y Fernando de Aragón, a quienes ofrece la realización del proyectado viaje,  asegurándoles cuantiosas ganancias.

Debió esperar cinco años para recibir respuesta, la que fue negativa.  Sin embargo, Juan Pérez, prior del convento de la Rábida, lugar donde colón había alojado durante esos cinco años, logró convencer a Isabel la Católica de la importancia del proyecto, quién decidió revisar su anterior resolución.  Colón recibió entonces la autorización para llevar a cabo su viaje, por intermedio de las Capitulaciones de Santa Fe, que estipulan su nombramiento como gobernador, virrey y gran almirante de las tierras que descubriese.  Comienza así uno de los hechos más importantes para la historia de la humanidad: El descubrimiento de América.  El día 3 de agosto de 1492 partieron desde el Puerto de Palos tres barcos: La Santa María, la Niña y la. Pinta

 

             En la primera viajaba Colón; los otros barcos estaban piloteados por los   hermanos Pinzón.

              La travesía fue dura, de gran riesgo y angustiante; los marinos levantaban voces de protesta  y estaban decididos a amotinarse; pero cuando cumplían setenta días de viaje, se  avistó tierra.

 

Habían llegado a una isla, Guanahani, la cual fue bautizada como san Salvador, el 12 de Octubre de 1492.

             En este viaje se descubren además Cuba, la isla Isabel (Long Island), la isla Española (Santo Domingo).  Finalmente Colón decide regresar con sólo dos barcos, ya que la Santa María había encallado en el viaje a Cuba.

            Colón Alcanzó a realizar otros tres viajes a América, que tuvieron una duración mayor, debido a la exploración que hizo de los territorios descubiertos.

  • 2° Viaje (1493-1496.  Recorre las islas de las Antillas, regresando a Haití.
  • 3° Viaje (1498.  Descubre la isla de Trinidad en Sudamérica.
  • 4° Viaje (1502-1504.  Exploró los territorios de América Central (la actual Honduras)

 

Repartición del Nuevo Mundo

 

            Al conocerse en Europa  el resultado del primer viaje de Colón y sus descubrimientos de nuevos territorios, Comienza una disputa entre España y Portugal por esas regiones.  Los Reyes Católicos, adelantándose a sus rivales, acuden al Papa Alejando IV, quien promulga una bula de donación, en que se concede a los reyes españoles la posesión de tales tierras, lo que les permite declarar:

 

“Por donación de la Santa Sede Apostólica

y otros justos y legítimos títulos, somos

señores de las Indias Occidentales, islas y

Tierra firme del mar océano, descubiertas

y por descubrir, y están incorporadas en

nuestra real Corona de Castilla.”

 

 

            Obtienen del Papa, así, todos los territorios ubicados a 100 leguas al oeste de las islas azores y cabo Verde.

            Portugal no acepta esta disposición, iniciando una serie de polémicas.  Debió interceder el Papa Alejandro IV, por medio de la bula Intercaetera del año 1493, en que fija una línea de demarcación a 100 leguas al oeste de las islas Azores, correspondiendo a España los territorios al oeste de la línea.  Portugal continuó sus alegatos, lo que trajo como resultado final la firma del tratado de Tordesillas, que trasladó la línea demarcada de 100 a 370 leguas al oeste de las islas Azores.

            El último tratado cierra oficialmente las polémicas territoriales y permite iniciar un movimiento de transmutación de todos los valores europeos al territorio americano, llevando como contrapartida una serie de recursos económicos, entre los que destacan especies como el maíz, la papa y el tabaco, y minerales como la plata y, especialmente, el oro, provocando la evolución y desarrollo del capitalismo.

 

  • 3.- REFORMA Y CONTRARREFORMA

 

REFORMA

Se llama reforma al movimiento religioso que permitió realizar algunos cambios a la Iglesia Católica.

A partir del siglo XVI, los problemas y falencias que había presentado la estructura religiosa durante largo tiempo, tales como el abandono de los templos, los tributos de los campesinos y ,especialmente, la importancia de las indulgencias o perdón de los pecados a cambio de donativos y limosnas, provocó en definitiva una crisis profunda, posibilitando el surgimiento del padre agustino Martín Lutero, que levantó su voz de denuncia.

Lutero se reveló contra Roma, ya que consideraba que la iglesia se había desviado del cristianismo auténtico, esto es el Evangelio.  Publicó la nonagésima quinta tesis, en que expuso sus críticas a la iglesia, clavándola en la puerta de la universidad de Winttenberg, en Alemania.  Establecía una doctrina fundamentada en que la salvación eterna depende de la fe en el Cristo Redentor y rechaza la doctrina  católica de tradición como fuente de la revelación divina.

Lutero jamás dudó del dogma fundamental del cristianismo, el misterio de la trinidad, pero rechazó la existencia del purgatorio y, por ende, la necesidad de las indulgencias.

Formó así una nueva secta religiosa, que se conoció como un protestantismo luterano, provocando el gran cisma que dividió a la iglesia.

Mientras tanto, en Alemania, el luteranismo encontraba oposición en el rey Carlos V, quien reunió a la Dieta de Worms, la que decidió desterrar de Alemania a Lutero.  El año 1530 Carlos V intentó un acuerdo con Lutero, por que convocó a la dieta de Augsburgo, o asamblea de parlamentarios, si llegar a resultado positivo.  Sólo en 1555 se permitió el culto del luteranismo en aquellos territorios que así lo estimasen.

  Aparecerían, además,  dos personajes que, con las ideas de Lutero,  polarizan aún más sus posiciones religiosas: Ulrico Zwinglio y Juan Calvino.  Zwinglio, sacerdote suizo, radicaliza las ideas luteranas, convirtiéndolas en una forma de lucha por la solución de los problemas de  la sociedad.  Calvino (1509-1564) tuvo una concepción extremadamente rígida de la predestinación, considerando que Dios eligió a un cierto número  de personas para vivir junto a Cristo en el lugar eterno.  Admite como únicos sacramentos el bautismo y la comunión, calificando la adoración de la hostia como un acto de idolatría.

La prerrogativa de las iglesias luteranas y calvinistas conduce a la formación de diversos movimientos cismáticos en Europa.  Se lleva a cabo así la separación de la iglesia de Inglaterra,  debido básicamente al intento de anulación del  matrimonio de  Enrique VIII y Catalina de Aragón, en 1527.   Al no recibir respuesta favorable a su petición, el monarca hace pública, en 1533, el Acta de Supremacía, por la que él se convertía en la cabeza de la iglesia nacional, que pasa a llamarse Iglesia Anglicana. 

 

CONTRAREFORMA

 

Se produce entonces una respuesta, la contrarreforma, frente al proceso divisionario que estaba viviendo la iglesia cristiana, a consecuencia del surgimiento del protestantismo y también de la necesidad de reformar aquellas organizaciones eclesiásticas que presentaban problemas de distinta naturaleza.

Brotan a la vida religiosa una serie de congregaciones cuyo propósito era la restauración de la disciplina en el espíritu cristiano.  Destaca en primer lugar la Compañía de Jesús, fundada por Iñigo López de Loyola (Ignacio de Loyola), cuyos miembros se sienten llamados a convertirse en soldados de Jesucristo, a fin de poner orden y responsabilidad en la iglesia, además de ser instrumentos por medio de los cuales Dios convierte a los infieles del Nuevo Mundo.

 

Los Jesuitas o misioneros de la Compañía de Jesús, alcanzaron gran poder económico y social, debido a su amplia preparación académica.

Otro hecho importante del proceso de reforma de la Iglesia cristiana fue el Concilio de Trento.  En este concilio ecuménico se intentó defender la integridad del credo católico, reformar las costumbres del clero y de los fieles y asegurar la armonía entre los pueblos cristianos. 0 Con este fin se reunieron los más altos dignatarios de la iglesia durante un periodo de 18 años (1545-1563), redefiniendo las doctrinas teológicas y la reorganización de la jerarquía eclesiástica..

 

  • 4.- ABSOLUTISMO E ILUSTRACIÓN

 

EL ANTIGUO RÉGIMEN.

 

Con el término de la Edad Media se puso fin a gran parte de la forma de vida de ese entonces.  Surgieron así nuevas tendencias filosóficas (el humanismo), cambios religiosos (aparición del protestantismo) y también transformaciones políticas (manifestación del absolutismo).

Con la desaparición  de los señores feudales se inicia la unión de los territorios y de las personas bajo la tutela del poder central y único, el monarca, que se constituye en la cabeza del gobierno de los Estados.  Éste es el caso de Francia, Inglaterra y España, principalmente.

El monarca o rey une en su persona  la suma de los poderes del Estado, esto es, las funciones legislativas, ejecutivas y judiciales.  Se suponía que su poder provenía directamente de Dios (poder divino), por lo que no debían dar cuenta a nadie de su actuación.  Los reyes se asesoraban fundamentalmente de juristas y consejeros, que muchas veces eran sacerdotes, como los casos de Rechelieu y Mazarino en Francia..

Sin embargo, siguió existiendo la división de la sociedad en tres grupos: clero, nobleza, burguesía o estado llano.

 

  • Primer estamento: El clero.  Se dividió en alto y bajo clero.

El alto clero estaba formado por  Cardenales, Arzobispos y Obispos, que gozaban de toda clase de privilegios, como el de no pagar impuestos, y vivían muy cerca de la corte del Rey.

El bajo clero lo formaban los curas de provincia, que debían vivir de las limosnas, pero dado es estado de pobreza del pueblo, sus ingresos eran muy escasos.

 

  • Segundo estamento: La nobleza.  A mediados del siglo XII, los antiguos propietarios libres, de origen anglosajón, de Inglaterra, recobraron su independencia por parte de los normandos y se fundieron con sus vasallos, que comenzaba a conocer el derecho a la libertad, y conformaron una nueva clase llamada gentry.  Este estrato tendría acceso a mejores viviendas y a amables casa s solariegas.

El hijo mayor (mayorazgo) era heredero único, mientras sus hermanos, los segundones, debían ganarse la vida y casarse sin perjuicio de su clase.  Representantes de la gentry intervenían en el reparto de los impuestos, participaban en la administración de justicia, que seguía siendo consuetudinaria, es decir, de acuerdo a la costumbre y no por las leyes escritas.  La gentry organizaba también las milicias, formadas por gente libre de cualquier clase social.

En Francia y España, la nobleza se dividió en alta y baja.  La primera estaba formada por los príncipes, condes, duques y marqueses con suficiente dinero para llevar la vida fastuosa de la corte del rey.  Gozaban de grandes privilegios y eran propietarios de grandes predios.

 

La baja nobleza vivía en sus castillos de provincia, ya que sus medios no le permitían vivían en la capital.  Gozaban también del privilegio de no pagar impuestos.  Ambos grupos se dedicaban al servicio del rey en la corte, en la justicia y en el ejército.

  • Tercer estamento: Estaba formado por los no privilegiados, a los que pertenecían la burguesía, los artesanos y los campesinos.

La burguesía estaba formada por grandes comerciantes, empresarios comerciantes y banqueros, que alegaban cargos públicos alegando que constituían la clase dirigente, tanto más cuanto que sus miembros superaban a la nobleza en su preparación para el gobierno del estado y, en efecto, algunos de ellos, como Turgot, llegaron a ser ministros de estado.

El burgués vivía en hermosas propiedades rodeado de toda clase de comodidades.  Era amante del lujo y de las artes, como la música y la pintura.  No gozaba de privilegios y debía pagar impuestos.

 

Artesanos y campesinos formaban también este tercer estamento.  Estaban dispuestos a secundar a la burguesía, sobretodo en lo que refería al pago de impuestos por parte de todas las clases sociales.  La libertad y los derechos políticos, en cambio, no les interesaban mayormente.

La situación del campesino inglés fue siempre mejor que las demás de las naciones de Europa.  Pero el aumento de la población empujó al hombre a la ciudad, en donde se estaba desarrollando la industria, que daría origen al proletariado urbano.  El campesino se transformaba en trabajador de una industria o un taller, sin limitación de horario y por un bajo salario, lo que mas tarde provocaría graves conflictos entre la clase capitalista y el proletariado.

 

El imperio español.

 

            Destaca España en la segunda mitad del siglo XV, que se unifica en un gran imperio con el matrimonio de Isabel de Castilla y Fernando de Aragón, conocidos como los Reyes católicos.  A la muerte de Isabel, la corona pasó a su hija, Juana la Loca, quién en corto plazo, la deja en manos de su hijo Carlos I.

            Sería Carlos I el monarca que iba a consolidar el gran imperio.  Recibió de herencia, demás Austria, los países bajos, parte de Francia, Milán y Sicilia, en Italia, y por último, Alemania.  En Alemania hereda también el título de Emperador, Bajo el nombre de Carlos V.  Se agregan finalmente a su territorio todas las posesiones americanas y asiáticas, llegando a formar un gran dominio territorial, que llevaría a decir que el suyo es el imperio donde jamás se pone el sol.

            En los últimos años de su reinado, Carlos V se vio acosado por los triunfos últimos años de su reinado, Carlos V se vio acosado por los triunfos de los protestantes, situación que lo llevó a renunciar al trono.  Repartió su reino entre su hermano, quién heredó Austria y los estados Alemanes, y su hijo Felipe II, que  recibió España, los Países Bajos y las posesiones italianas y americanas.

            Felipe II reinó a partir de 1555, convirtiéndose en la cabeza de la defensa del cristianismo, debido fundamentalmente a su estricto control de los súbditos del reino.  Instaura la Inquisición, el tribunal de la fe, que juzgaba a aquellos que incurriesen en herejías contra la Iglesia.

 

Forma de gobierno predominante: El Absolutismo.

 

            En Europa se seguía desarrollando aquella organización política basado en el poder total e integral de los monarcas, el absolutismo.  La fuente matriz de este poder era Dios; por lo tanto, el rey era considerado como su representante, su ministro, e incluso, como su lugarteniente.

            Un monarca alcanzaría la forma mas perfeccionada del rey absoluto.  Luis XIV de Francia, conocido por su famosa afirmación de  “El Estado soy yo”.

 

 

 

            Es en esta concepción en que el rey confirmaba su íntima relación con Dios, escogido por el derecho divino para representarlo y gobernar a su pueblo.  En dicha relación no había espacio para que intervinieran otros actores, y en especial el pueblo, al cual no debía rendir cuentas de sus acciones, aunque fueran negativas para el bienestar social.  Esto lo podemos observar en Ricardo II de Shakespeare “Los ladrones no son juzgados si no están presentes para escuchar, aunque se vea en ellos culpa evidente, y entonces la imagen de la majestad de Dios, ser capitán, ser representante elegido, ungido, coronado, cultivado tantos años, va a ser juzgado por voces de vasallos e inferiores, sin que él mismo esté presente”.

 

            Luis XIV, que gobernó entre los años 1643 y 1715, quería echar las bases de un gran imperio francés, dominando a los demás Estados europeos.  Recibió un fuerte apoyo de dos de sus principales ministros: Colbert, encargado de la cartera de Hacienda, y Louvois, en el ministerio de Guerra.   Ambos se preocuparon de restaurar las finanzas y el cuerpo militar de Francia, a fin de crear un país poderoso y consolidar su hegemonía en el ámbito europeo.  Luis XIV aspiraba a establecer los antiguos límites del territorio francés y con este objeto ordenó la invasión de España,  recuperando el Franco estado Español y Flandes.

 

            Veamos una breve reseña de la política hegemónica francesa durante el gobierno absoluto de Luis XIV.

 

  • 1661: Francia emprende una campaña para posesionarse de Lorena y Borgoña.
  • 1662: Se firma el Tratado de Montmartre, en el que se estipula que Luis XIV es nombrado heredero por parte del duque Carlos Iv de Lorena..
  • 1667: Declaración de guerra a España e invasión de los territorios flamencos por los franceses.
  • 1668: Formación de la primera alianza europea (Holanda, Inglaterra, Suecia) en contra de Francia.
  • 1668: Firma de paz de Aquisgrán, entre  Francia y España.
  • 1672: Se inicia la guerra entre Francia y holanda, que involucra a varios estados Europeos  durante sus siete años de duración.
  • 1713: Se firma el Tratado de Utrecht, que ocupa la paz entre Europa y el equilibrio continental.

 

Periodo de la Ilustración

 

En el siglo XVII emerge una nueva tendencia filosófica, se caracteriza por su idea central de la razón por sobre cualquier otra preestablecida, tanto en lo religioso como en lo político.  Es la ilustración, cuyo objetivo es lograr el conocimiento de la naturaleza y conseguir el bienestar de la sociedad.

 

Comenzó en Inglaterra con Isaac Newton y Locke, pasando luego a Francia, donde se difundió a todo el continente.  La ilustración propiciaba una serie de ideas nuevas, que intentaba plantear  en las sociedades europeas.  En el ámbito político, perseguía el cambio de la monarquía absoluta a monarquía constitucional.; en ámbito social, reclama por las desigualdades y por la existencia de privilegios para unos pocos; en el ámbito económico, exigía libertad de comercio y libertad económica, eliminando las aduanas interiores; en lo religioso se esperaba concretar la coexistencia de cultos diversos, pidiéndose una total tolerancia.

 

A raíz de todas estas ideas ilustradas aparece una pléyade de científicos, matemáticos, filósofos, literatos y teóricos políticos.  Estos últimos tuvieron un destacado rol en el desarrollo de la sociedad de esa época.

 

Se distingue, en primer lugar,  Carlos de Mosntesquieu, presidente del Parlamento de Burdeos y autor de numerosas obras. En sus cartas Persas presenta una refinada sátira de las costumbres e instituciones de Francia durante el reinado de Luis XV.  Con posterioridad publica su obra El espíritu de las Leyes, en donde analiza las formas de gobierno, estableciendo como la mejor la del gobierno constitucional, en que el estado separa su poder en tres campos específicos:

Ejecutivo: Identificado en la persona del monarca.

Legislativo: Identificado en una asamblea.

Judicial: Formado por jueces y tribunales de justicia

También destacan Juan Jacobo Rousseau, autor de varias obras de carácter pedagógico, como Viena, Eloísa y Emilio que analizan las principales virtudes humanas, planteando un retorno a la naturaleza.  Sin embargo, su obra principal será el contrato social, en la cual reafirma la idea de que es el pueblo quien debe elegir directamente a sus autoridades, estableciendo que la soberanía proviene de la voluntad general delos ciudadanos y no de la divinidad.

Por último, se distingue Francisco Arouet, mejor conocido como Voltaire, quien difundió ideas sobre la necesidad de observar la tolerancia religiosa, política y filosófica, aceptando la posibilidad de coexistencia de las diversas doctrinas humanas.  Escribe varias obras, entre las que sobresale su Diccionario Filosófico,  donde critica irónicamente el autoritarismo de los monarcas.

Lentamente se introdujo, tanto en Francia como en Inglaterra, la costumbre de encuentros intelectuales en clubes y salones para exponer distintas visiones de la vida.  Se reunían escritores, filósofos, poetas, artistas y políticos, quienes se dedicaban a conversar y cambiar ideas sobre todos aquellos temas que les preocupasen.  Fueron estas tertulias el ambiente propicio para criticar a la monarquía absoluta y plantear la necesidad de reformar la sociedad, eliminando todos los privilegios existentes.  En ellas se tomaron iniciativas para crear folletos, gacetas, pasquines y, principalmente, una obra maestra, La Enciclopedia, un compendio de las ciencias, profesiones y conceptos más importantes, bajo la dirección del erudito Diderot.

 

Surgimiento del Despotismo Ilustrado

 

Algunos monarcas, al advertir el avance de las ideas del realismo, se hallaron en la necesidad de aplicar reformas más favorables para el pueblo.  Sin embargo, no quisieron aminorar su propia autoridad o delegar a otros su propio poder.  Este es el caso de Carlos III en España y de Luis XV en Francia, que gobernaron bajo este sistema, conocido como Despotismo Ilustrado, que se resume en una afirmación: “Todo para el pueblo, pero sin el pueblo”.

            La s condiciones sociales y políticas fueron obligando a los reyes a subordinar algunos intereses particulares en función de controlar posibles motines e incluso revoluciones.  Se consideraba como condición sine qua non la aplicación de reformas a las políticas de gobierno para así apaciguar las inquietudes sociales del pueblo cada vez más descontento.  Como la situación se mantenía, comenzaron a estallar grandes movimientos populares.  Es el caso de la Revolución Francesa y de la Independencia de Estados Unidos.

 

Desarrollo de la ciencia y la cultura en los Siglos XVII y XVIII.

 

            A partir del siglo XVII comienza una rápida transformación de cánones existentes hasta el Antiguo Régimen. Con el aporte de grandes prohombres en las ciencias, artes y la filosofía, se produce una serie de innovaciones en la sociedad y se accede a una cosmovisión del mundo distinta a la existente hasta la época.

 

Las corrientes artísticas: Barroco y Neoclasicismo.

 

La nueva sociedad aristocrático-burguesa abandonó el arte sencillo de la Edad Media, influenciada por nuevos estilos, que comenzaron a surgir  como resultado de la evolución que vivía Europa. Distinguiéndose así el Barroco y el Neoclasicismo.

  • Barroco: Tuvo origen en España e Italia y se extendió por Europa, imprimiendo su sello a todas las manifestaciones de la vida; es decir, a las costumbres, al lenguaje, a las letras, a las artes y a la música.

 

Hasta entonces e había identificado la belleza con la armonía; en cambio el barroco quiso dar expresión a la fuerza y al movimiento.  La arquitectura tendió a lo grandioso y monumental y para ello abandonó la sinceridad y la austeridad clásicas y  recurrió a las formas circulares y ovaladas y a las figuras complicadas.  Empleó de preferencia la cúpula, las columnas en espiral y el frontón redondo  interrumpido sobre de puertas y ventanas.  Combinó la arquitectura con la escultura y adornó las paredes y columnas de los edificios con estatuas, mientras cubrían con frescos los interiores.

 

Las principales obras del barroco fueron realizadas por encargo de la iglesia y de los príncipes.  Entre los edificios religiosos ocuparon un primer lugar las iglesias de la Compañía de Jesús; ejemplo de la iglesia barroca fue  la de Jesús en Roma, que es el principal templo de los Jesuitas.

 

En Italia, el principal representante del barroco fue Lorenzo Bernini, a quien Roma debe en gran parte su aspecto actual.  Su obra maestra es la Plaza de san Pedro, la entrada de dicho templo.  También construyó el altar papal en el centro de la Catedral de San Pedro.  Bernini fue también un gran escultor, como lo revela la estatua Transverberación de Santa Teresa.

 

En España, su principal representante fue Alberto Churringuera, que se caracteriza por hacer todo lo ornamental  empleando profusión de adornos como lo demuestra la catedral de Nuestra Señora del Pilar de Zaragoza.

 

Francia, si bien aceptó elementos auténticamente barroco, no se separó de la tradición del Renacimiento, conservando siempre una cierta austeridad y una sobria dignidad.  Tales son las características del Palacio de Versalles, majestuosa residencia de Luis XV.

 

  • Neoclasicismo: Nació en Francia como una reacción contra el barroco y el rococó.  En la literatura tiene como base la corrección de la forma, el uso de un lenguaje pulido, una claridad y universalidad unidas íntimamente a la cultura cortesana y social, que la hace atractiva a los demás países.   Su influencia en continente afianzo, a su vez, la autoridad y prestigio de Francia y la de su Rey.

 

En todos los ápices buscan la sencillez del neoclasicismo y la pureza del lenguaje.  El arte se apartó de la gracia picante del rococó para ser reemplazada por la seriedad del neoclasicismo.  Se opinaba que con ello se manifestaba un mejoramiento moral y que frente a la “inmoralidad” del arte cortesano había resucitado el rigor moral del antiguo helenismo, cuyo símbolo arquitectónico creía verse en la columna dórica.

 

Los señores elevaban severos palacios con grandes salones y parque; en los jardines, se copia el modelo inglés, que sustituye la fantasía y la libertad por la regularidad geométrica de los ángulos y círculos; es en este lugar donde la familia pasaba sus horas de ocio.

 

En la música nace en Italia la ópera, pero el alemán Andel quien ejerce el máximo influjo; en él se unen por largo tiempo el gusto y el estilo.

 

 

 

Evolución de las ciencias.

 

            El racionalismo y una serie de descubrimientos científicos motivan cambios fundamentales en la visión y proyección de la sociedad en el mundo, replanteando las antiguas teorías.  Surge de esta forma un grupo de científicos que trabajan en pro del desarrollo humano.

 

  • Juan Kepler: Científico alemán que aceptó las ideas de Copérnico.  A principios del siglo XVII, en su obra Nueva Astronomía, establece una serie de leyes en que plantea que el Sol ocupa uno de los focos en la órbita de los planetas.  Esta órbita, según Kepler, es elíptica y no circular; además señala que los movimientos de los planetas están en directa relación con la distancia al Sol.

 

  • Galileo Galilei: Científico de la misma época de Kepler, que utilizando el telescopio observó la luna y la describió, descubriendo además los grandes satélites de Júpiter, las manchas solares y las fases de Venus.  Sus observaciones coincidieron con las que había realizado Copérnico en los siglos precedentes.

 

  • Isaac Newton: Gran estudioso de las matemáticas, de la física y de la química.  Le preocupó saber cual era la fuerza que hacía que los planetas girarán en forma elíptica, deduciendo el principio de la fuerza de gravedad al observar la caída de una manzana desde un árbol, que aplicó al movimiento orbita de los planetas alrededor del sol.  Formuló así su famosa Ley de Gravitación Universal, que dice: “La materia atrae a la materia en razón directa de las masas y en razón inversa del cuadro de las distancias”, lo que permitía establecer la atracción solar hacia los planetas.

 

  • René Descartes: Matemático y filósofo que planteó un método algebraico trasladado a la geometría, que permitió establecer que las cifras pueden encontrar su expresión esquemática en un diseño geométrico.  Este método permite entender con mayor facilidad los cálculos algebraicos, conociéndose como geometría analítica.

 

  • Robert Boyle: Químico que comprobó la necesidad vital del aire para los organismos vivos, logrando establecer los componentes de este elemento y del agua y demostró que son sustancias homogéneas que no pueden ser disgregadas.

 

  • Joseph Priestley: Químico inglés que estableció que  el agua puede ser saturada por el ácido carbónico, encontrando nuevos gases, como el ácido clorhídrico y el óxido de nitrógeno y su importancia en el proceso de combustión.

 

  • Antoine Lavoisier: Famoso químico francés que estableció que las relaciones entre el oxígeno y el hidrógeno, experimentando con la composición del agua.

 

  • William Harvey: Médico ingles que en su obra un estudio anatómico sobre el movimiento del corazón y de la sangre en los seres vivos, estableció que la sangre fluye continuamente y en gran cantidad por las palpitaciones del corazón, que la impulsa desde las venas cavas hasta las arterias, reponiendo ininterrumpidamente la sangre en el corazón.

 

 

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El Renacimiento resumen

EL RENACIMIENTO

 

ARTICULACIÓN, FORMULACIÓN Y CRISIS DEL NUEVO MODELO CLÁSICO

 

Aproximación al concepto de Renacimiento

 

  • La evolución cultural que lentamente se va produciendo a lo largo de la Baja Edad Media (recordemos dos lugares : Italia – los Pisano, Giotto- y Flandes – los Van Eyck- desemboca en un momento de enorme creatividad, el Renacimiento. Este fenómeno se produce en Italia a partir del s.XV y que trajo consigo un cambio en el pensamiento de la época (el humanismo).
  • Tradicionalmente ( el historiador J. Burckhardt a mediados del XIX –uno de los creadores de la historia del arte como disciplina, desde un enfoque positivista ) se planteaba como un cambio brusco .
  • Hoy, en cambio ( Panosfsky “Renacimiento y renacimientos en el arte occidental”) se piensa que el cambio no fue tan brusco ) “ el Renacimiento se mantuvo unido a la E.M. por mil lazos ... la herencia clásica no llego a perderse ... hubo movimientos renovadores que culminaron en la gran renovación en la época de los Médicis.”

Þ Texto de Nieto Alcaide (pg 285) donde defiende la ruptura que supuso el renacimiento respecto del Trecento italiano y de la pintura flamenca por “la recuperación y consideración del arte de la Antigüedad como modelo a seguir ; mientras tanto Panofsky (pg. 285) defiende que el Renacimiento no fue ni tan único ni tan radical el cambio como creyeron los humanistas...”no existe línea divisoria entre la cultura medieval y la renacentista”

Þ Texto de Argan (pg. 314): Destaca la transformación en la concepción, en los modos y en la función del arte que a comienzos del XV tiene lugar en Florencia (Brunelleschi, Donatello y Masaccio): frente al artista medieval, el del renacimiento es el responsable de la ejecución (técnicas, contenidos..)... En definitiva, hay una nueva orientación ideológica y cultural de su trabajo ...El arte no es ya una actividad manual o mecánica... es un arte liberal

Þ Texto de Argan (pg. 315): El renacimiento, su interés por la perspectiva y las proporciones. Los descubrimientos arqueológicos y la reconstrucción filológica de las fuentes antiguas no son la causa del renacimiento sino más bien la consecuencia de la renovación artística iniciada en Florencia durante el XV. El recuerdo del arte clásico había pervivido durante la E.Media (Hnos. Pisano, Giotto )

 

  • Cronológicamente podemos hablar del: 1.-Quattrocento (etapa de experimentación en la mayoría de los ámbitos artísticos. Siglo XV. Su foco principal estará sobre todo en Florencia bajo el mecenazgo de los Medicis – sobre todo de Lorenzo el Magnífico- y Milán – mecenazgo de los Sforza- destacando en arquitectura Brunelleschi y más tarde Alberti, Ghiberti y Donatello en escultura y Masaccio, Botticelli, Ucello etc.), 2.- Cinquecento (periodo de madurez, del clasicismo, del renacimiento pleno durante las dos primeras décadas del s,XVI. En este periodo se producen cambios importantes que alteran el universo general que definió el arte del Quattrocento : recuperación política del papado ( Julio II, León X, Clemente VII) cuyo mecenazgo  convierten a Roma en el centro del Renacimiento y en la capital artística del mundo; la intervención militar de países extranjeros (Francia y España) cuya presencia política y militar favoreció la difusión por Europa de los hallazgos artísticos del Renacimiento italiano. Es el momento de los grandes creadores como Leonardo (pintor, inventor, estudioso de la anatomía, ingeniero, escultor, arquitecto), Miguel Ángel (escultor, pintor, arquitecto), Rafael (pintor, arquitecto), Bramante (arquitecto), los grandes maestros venecianos de la pintura (Giorgione, Tiziano, auténticos precursores de la pintura moderna por cualidades vibrantemente cromáticas y por su atención a los efectos atmosféricos) 3.- Manierismo (etapa final del Renacimiento. Se iniciaría a partir de 1520 apreciándose en las obras de Rafael, Miguel Ángel y Pontormo una manera personal, un cierto distanciamiento de los modelos clásicos (tensión frente a equilibrio, agobio espacial frente a amplitud, luz tremolante-que tiembla- y vívida-vigorosa- frente a la homogénea, cromatismo intenso frente al suave, expresividad frente al idealismo, sorpresa y zozobra frente al orden)Pertenecería al manierismo gran parte de la obra de Miguel Angel, el escultor B.Cellini, los pintores venecianos Veronés y Tintoreto, el Greco o el Monasterio de S.Lorenzo del Escorial. El manierismo es un periodo de gran complejidad y riqueza artística y no una fase terminal y decadente del clasicismo renacentista, así, Durero, El Greco o El Escorial no habrían podido existir sin Italia, pero son inconcebibles al sur de los Alpes.

 

  • El nuevo modelo cultural : el Humanismo :supone una nueva concepción del mundo guiada por el interés por el hombre (antropomorfismo frente al teocentrismo medieval) y una interpretación de la Historia en la que se exaltan los valores y criterios de la Antigüedad clásicaÞ restauración de los temas, los principios y las características formales de la Antigüedad clásica. Ya Petrarca en el s.XIV oponía a las “tinieblas del presente”, la claridad antigua . Frente a las llamadas “7 artes liberales” de la universidades medievales (el trivium-gramatica, retórica y dialéctica- y quadrivium-aritmética, geometría, música y astronomía-), el latín, la gramática, la retórica, la poesía, la ética, la historia y el análisis filológico de los textos antiguos se convirtieron en los nuevos instrumentos del saber, cuyo fin era la plena posesión de las capacidades humanas.
  • Sin embargo, no se limitaron a copiar modelos clásicos. Lograron crear un nuevo sistema plástico resultado de las investigaciones de escultores y pintores en torno al problemas de la visión perspectiva del espacio y de la proporción

Durante unas décadas no se ve contradicción entre los modelos clásicos y los del “nuevo Hombre cristiano” Þ(aportaciones/claves del Renacimiento)

  • en pintura : revivir un arte verosímil, naturalista... inventar la perspectiva, en escultura: vuelta a los cánones clásicos, al ideal de belleza, a las proporciones, ala medida humana como referencia
  • en arquitectura : a recuperar las técnicas y los elementos clásicos y a la preocupación por la métrica, por las formas perfectas, por la planta central
  • en la iconografía : se incorpora la mitología
  • en las concepciones estéticas : el sentido de la belleza renacentista recupera la idea del canon clásico de proporcionalidad, el naturalismo idealizado, el sentido de armonía y equilibrio, la indagación en las leyes de la naturaleza (perspectiva lineal, y luego, la aérea)
  • Cambio en la consideración del artista : el arte ya no es sólo fruto de la habilidad del artesano, es una actividad noble, intelectual (reflexión estudio, experimentación, creación )
  • Nuevo contexto social : frente a los nuevos estados unificados (Francia , Inglaterra y España) Italia se organiza en torno a pequeñas repúblicas (Milán , Florencia, Siena , Pisa, Urbino, Venecia, etc.) cuya actividad económica pujante favorece el desarrollo de las artes y el interés por la cultura que se convierte para los mecenas que la apoyan en un vehículo de expresión de su poder e influencia .

 

A lo largo del Renacimiento, este modelo cultural sufrirá una evolución en estrecha relación con el contexto histórico italiano y europeo (conflictos religiosos /protestantismo, lucha por la hegemonía en Europa, etc)  y por la propia evolución en la búsqueda de soluciones artísticas

 

Características generales del Renacimiento (resumen)

1.- AntropocentrismoÞdesarrollo de la libertad de pensamientoÞ

-libertad religiosa (Reforma protestante)

-separación entre lo laico y lo religioso

-culto a la vida, amor a la naturaleza

 

2.- El Renacimiento está unido al mecenazgo de Papas (Julio II, León X, etc.), Reyes (Carlos V en España, Francisco I en Francia) y Banqueros (los Medicis, en Florencia, los Sforza , en Milán, etc.)

3.- Se empieza a desarrollar el culto a la personalidad (nacen las biografías). El artista firma sus obras.

4.- El artista tiene una formación teórica. El arte es ciencia. El pensamiento precede a la ejecución. “El arte es cosa mental”, decía Leonardo.

5.-Se produce una emancipación del gremio. Será la competencia y no el reglamento lo que establezca la calidad del trabajo

6.- Se eleva la cotización del artista. El artista se siente creador. Las Repúblicas y Monarquías los pretenderán.

7.- Visión dinámica del universo (consecuencia de los cambios económicos, científicos y geográficos).

8.- Sistema artístico basado en el mundo clásico, en el que la belleza se basa en la medida, el número y la proporción.

9.- En Italia aparece antes que en el resto de Europa, en parte por el apogeo de sus ciudades además de por la pervivencia clásica durante la Edad Media ( los hnos. Pisano, Giotto)

10.- A pesar de buscar su inspiración en Grecia y Roma, de la recuperación “dell´antico”, el Renacimiento no es una copia de la antigüedad, tiene originalidad propia.

 

ARQUITECTURA

EL NUEVO CONCEPTO DE ESPACIO RELIGIOSO: DE BRUNELLESCHI A VIGÑOLA. EL PALACIO URBANO Y LA VILLA RENACENTISTAS

(Cúpula de la catedral de Florencia, S. Lorenzo, S.Andrés de Mantua, S.Pietro in Montorio, S.Pedro del Vaticano e Il Gesu de Roma)

 

ARQUITECTURA RELIGIOSA : LAS SOLUCIONES CENTRALES

 

El tratado de Vitrubio “los 10 libros de arquitectura” será la biblia de los arquitectos humanistas, tuvo una influencia extraordinaria por ser el único tratado de la antigüedad clásica que había perdurado. Las formas idealmente descritas por Vitrubio derivan de las formas geométricas tratadas por Platón en su “Timeo”. En su 3ºlibro dedicado al proyecto de templos, sacó la conclusión que la simetría y la proporción eran básicos para el proyecto de un templo. Tales sistemas de proporciones ideales pueden encontrarse en el cuerpo humano (un pie es 1/6 de la altura; la cara, se divide el tercios; el hombre se inscribe en un círculo trazado desde su ombligo y en un cuadrado – la altura es igual a los brazos extendidos)

El círculo – y el cuadrado-era la figura especialmente apreciada (planos de la ciudad ideal de Sforzinda, de Palmanuova, S. Pietro in Montorio...) que simbolizaba la perfección del Ser Supremo.

Además, los arquitectos del Renacimiento configuraban el espacio mediante el uso de unidades modulares basadas en relaciones de proporcionalidad entre números enteros. Para ellos , el ideal de belleza consistía en la cuidadosa organización de las partes reguladas por relaciones de proporcionalidad.

La cúpula, paso a ser la manifestación externa más característica de esos proyectos de planta central

  • Cúpula de la catedral de Florencia (1418-1420)

La prosperidad económica, la estabilidad político oligárquica y la ambición de los comerciantes y de los banqueros favorecen el desarrollo de las artes y hacen florecer grandes talleres de obra, como el utilizado para la construcción de Santa Mª del Fiore

Arnolfo di Cambio inicia la construcción en la 2ª mitad del s.XIII; más tarde Giotto que había proyectado el campanile, le releva en la dirección del taller de obra

En 1418 se falla en concurso adjudicarle la construcción de la cúpula (a partir del tambor con 8 óculos) que comenzó en 1420:

  • Cúpula de perfil apuntado nervada sobre tambor octogonal de 8 paños
  • Es una cúpula  de doble cáscara: apuntada al exterior y semicircular al interior
  • La construye a base de anillos concéntricos formados por ladrillos engarzados y listones (se inspiró en el método de amurallar romano)
  • Nervios de mármol blanco
  • Remata con una linterna circular(iluminación del crucero), que contrasta con el color rojo de la cúpula y con la bicromía verde y blanca de las planchas de mármol)

 

S. Pietro in Montorio en Roma (1500-1502)

 

  • Realizada por Bramante, uno de los mayores arquitectos del R.
  • Encargo de los RR.CC : construir un pequeño “martyrium” donde se supone que fue crucificado S.Pedro.
  • Destacan sus proporciones : altura desde suelo hasta base de la cúpula es igual a su anchura /proporción ancho-alto de la columnata es igual de la del tambor
  • Peristilo de columnas dóricas reutilizadas
  • Friso decorado con elementos del ritual de la misa y con símbolos papales
  • Modelo greco (peristilo) romano (tholos romano)
  • El ideal clásico se recrea y modela al servicio de la Iglesia

 

S.Pedro del Vaticano

 

La elección de Julio II en 1503 trajo consigo la introducción de un enérgico humanismo en la corte pontificia . Se preocupó además por convertir Roma en la cabeza de la cristiandad y devolverle parte de la grandeza que tuviera en la antigüedad .

Roma estaba sembrada de ruinas y sus basílicas, en ruinas.

Supone la aproximación máxima entre clasicismo ( la cruz y la cúpula, el cosmos regido por Dios)

Julio II decidió reconstruir las posesiones papales .

  • En 1504 encargó a Bramante la reestructuración de los palacios vaticanos, así como la construcción del gran templo de S. Pedro : el encargo debía incorporar los ideales de la nueva arquitectura y proclamar el poder de un cristianismo revigorizado, superador de los logros de la antigüedad pagana. La inició en 1505
  • Concibió un basto “martyrium” sobre la tumba de san Pedro
  • Planta de cruz griega, con una gigantesca cúpula sostenida por 4 grandes pilares en el cruceroÞ cierta idea modular ( euritmia, repetición de las partes, idea vitrubiana)
  • En los ángulos de la cruz, 4 capillas secundarias, cruciformes, a su vez rematadas por cuatro torres cuadradas
  • La luz de la cúpula debía tener 41,5 m. (similar a la del Panteón) pero alzarse mucha más altura
  • Combinaba la claridad lógica de formas de la cruz griega con las bóvedas de cañón y cúpulas, los círculos y los cuadrados...
  • A su muerte en 1514, sólo se habían terminado los pilares
  • Para financiar su construcción el papa publicó una indulgencia (1506) : redención de penas por limosnasÞLutero, 1517 Tesis de Wittemberg
  • La muerte del papa paralizará las obras
  • Con la elección de Alejandro Farnesio como Pablo III (1547) se reanudaron las obras ( Rafael y Sangallo a penas llegaron a realizar cambios) con los nuevos planos proyectados por Miguel Ángel :
  • Regruesó pilares y paredes creando un perímetro compacto y sólido
  • Aunque respetó la planta de cruz griega, alteró uno de los brazos dándole más énfasis y un cierto sentido longitudinal al crear una gran columnata frontal a modo de pórtico
  • Bajo su dirección se construyeron los muros de la fachada occidental organizándolos con unas inmensas pilastras corintias
  • La cúpula se construyó entre 1585-1590 , una vez fallecido, por Giacomo della Porta y Domenico FontanaÞdiferencias con Sta Mª de las Flores :nervios y relleno forman una masa (la otra es “más gótica”)la cúpula penetra mediante las columnas dobles (la otra flota más), robusto tambor con columnas (octogonal y con óculos)
  • Se terminará en época barroca : afirmándose el sentido longitudinal y completándose con la creación de una gran plaza
  •  

ARQUITECTURA RELIGIOSA : LAS SOLUCIONES LONGITUDINALES

A pesar de que la planta central es la que mejor refleja los planteamientos teórico del Renacimiento, se seguirá manteniendo la planta basilical por necesidades de la liturgia y también porque la basílica en la antigüedad fue en asiento de la justicia que los hombres administraban por delegación de los dioses .  Esta lucha entre el ideal y la práctica queda perfectamente reflejada en las dramáticas oscilaciones pendulares que sufrieron los sucesivos proyectos para la nueva basílica de S. Pedro del Vaticano

Frente a la mística vertical del gótico que dominaba al hombre , el arte del XV logra llevar el sentido del templo griego al campo de los espacios internosÞ la escala humana, es decir es el hombre el que dicta las leyes del edificio mediante una reflexión matemática (observación y medición de los edificios antiguos, estudio de la obra de Vitrubio )

 

S. Lorenzo de Florencia (1418-1446)

El primer edificio donde puso en práctica el sistema de proporciones matemáticas fue en el Hospital de los Inocentes (1419-24) ( mecenas, Juan de Medicis y el gremio de la seda) Þ columnas proporcionadas : intercolumnios=altura Þ se forman cubos visuales)

 

- Iglesia particular de la familia Médicis encargada a Brunelleschi en 1421 (forma un conjunto con la sacristía vieja, la Biblioteca laurenciana y las capillas mediceas de M.Ángel)

Brunelleschi tuvo una formación polifacética (escultor, humanista, arquitecto...

Se le considera el inventor de la perspectiva lineal/cónica/monofocal , es decir del esquema matemático para representar con precisión los objetos tridimensionales sobre la superficie bidimensional del lienzo.

Tuvo que reconstruir la  vieja iglesiaÞ le condicionó su proyecto que consistía en crear un volumen organizado en cubos de espacio : grandes cubos para coro, crucero y brazos del crucero; 4 cubos alineados formarían la nave central y otros más pequeños en las laterales definidas por las columnas y pilastras corintias de piedra oscura

En el Sto. Spirito, si pudo desarrollarlo plenamente : desarrollo a partir de la crujía central cúbica del crucero cubierta por una cúpula sobre pechinas

Þ en lugar de la experiencia mística trascendente medieval, lo que aquí tenemos es una exaltación de la ramana al servicio de la Iglesia .

S.Andrés de Mantua (ficha de Alberti)

Construida para Ludovico Gonzaga, duque de Mantua .Aunque prefería la planta central basada en cuadrados y círculos, se sometió a los deseos de los clérigos desarrollando una planta tradicional de cruz latina cuidadosamente modulada y proporcionada

  • amplia nave con cañón, 6 capillas a cada lado cuadradas (tres casi inaccesibles) y rectangulares con cañón (que actúan como contrarresto), cúpula sobre el crucero (construida en el XVIII por Juvara), ábside semicircular
  • muros (macizos pilares laterales) recorridos por pilastras que terminan en un entablamento sobre el que descansa una bóveda de cañón con una artesonado que recuerda a las termas romanas más que a la ligereza del Sto Spirito de Brunelleschi
  • fachada según modelo de arco de triunfo con frontón de templo grecorromano y entrada retranqueada (igual de ancha que alta -hasta el tímpano)

Fachada de Sta Mª Novela

            - realizada por Alberti entre 1450-1461 para una iglesia gótica : proporciones (el módulo empleado es el cuadrado), solución al paso del cuerpo inferior y superior. Inspirada en S.Miniato al Monte . Modelo de fachada (los contrafuertes con volutas que unen el templete con el frontón triangular )

 Il Gesu de Roma)

Encargada por la Cia. de Jesús ( fundada por S.Ignacio de Loyola, defensora a ultranza de las ideas de la )Þpensada para la predicación, acústica Þ esquema longitudinal cubierta con bóveda de cañón , capillas laterales y nave única, crucero alineado y cúpula sobre el crucero

  • Modelo muy imitado (jesuítico, contrarreformista)
  • Proyectada por Vignola en 1568, se finalizará en época barroca (s.XVII)
  • Se inspiró en la planta de S.Andrés de Mantua
  • La fachada  inspirada en Sta Mª Novella, obras de Alberti (2ª mitad s. XV) fue construida por Giacomo della Porta (exagera las volutas; combina los tímpanos curvos y triangulares; emplea pilastras pareadas sin correspondencia con la espacialidad interior; tres puertas sin correspondencia con una sóla nave)Þ rasgos manieristas que anticipan el barroco : la fachada queda separada del interior adquiriendo el papel de llamar la atención sobre la presencia de un edificio religioso

 

EL PALACIO URBANO .

(Palacio Medici-Ricardi de Florencia. Villa Capra de Palladio)

A lo largo de la historia de los palacios se repite la necesidad de proclamar la

dignidad, el poderío y el gusto del propietario.

      Además, los palacios habían perdido la función defensiva que tenían en la E. Media

      Características :

  • Contrasta la simplicidad del exterior con la brillantez decorativa interior (según el código de los cortesanos del R., el exterior no debía rebelar la intimidad de sus habitantes
  • Estructura de fachada : parte baja (almacenes, sirvientes, cuadras), 1º piso o piano nobile (para recepciones y fiestas; amplios salones, elevados techos, comedores inmensos. El acceso tenía lugar por una escalera, que cobra gran importancia) y 2º piso (dormitorios)
  • En Florencia y Roma, tenían patios interiores rodeados por galerías de columnas y en algunos casos, había en la parte posterior un jardín vallado
  • Predominio de la anchura sobre la altura
Palacio Medici-Ricardi de Florencia (1444-1460)

Contexto : En la próspera Florencia mercantil surge una nueva tipología residencial urbana patrocinada por los príncipes mercaderes, que vendría a sustituir las angostas casas del XIV por amplias residencias de inspiración clásica.

        En 1444 Cosme de Médicis le encargó a Brunelleschi una maqueta para una gran mansión familiar que no aceptó por muy novedosa (Brunelleschi se cabreó mucho). Entonces Cosme se la encargó a Michelozzo, arquitecto más conservador . El nuevo proyecto aunaba la sobriedad propia de las residencias florentinas medievales y las características clásicas de sentido de gravedad, proporción y gusto por el detalle romano

Arquitecto : Michelozzo

Aspecto belicoso: almohadillado tosco (almohadillado florentino)en el piso inferiorÞguiño a la tradición local ,ventanas enrejadas (luchas en la Florencia del XV)

En el piano nobile cambia el aparejoÞel aparejo pierde su rusticidad (novedad) y es liso en el 2º piso /arquerías dobles enmarcadas por una sola (sin correspondencia con el piso inferior) y medallones en el espacio comprendido entre ambas arqueríasÞnovedad

Acentuación horizontal (impostas corridas)

Fuerte vuelo de las cornisasÞnovedad (adaptada de los modelos de la antigua Roma)

Fachada lisa, sin acentuación de la ventana principal y sin diferenciar el cuerpo central de los dos laterales

Patio central como núcleo aglutinador de las habitaciones que abren a el a través de una arquería perimetral . El patio estaba ornamentado con estatuas antiguas y esculturas de la época como el David de Donatello

Alberti , en el Palacio Rucellai (contemporáneo de Michelozzo) y Sangallo el Joven en el Palacio Farnesio (1/3 del XVI) desarrollarán el palacio hacia su máximo esplendor

    
LA VILLA RENACENTISTA

Contexto : A comienzos de XVI entre los nobles venecianos era frecuente emplear los fondos conseguidos a través del comercio en la compra a bajo precio de terrenos. Palladio recibió numerosos encargos (realizó más de 40 villas campestres) de quintas y granjas de labor en esas tierras  e ideó una variedad de tipologías caracterizadas por la sencillez de la planta, la proporción compositiva y la funcionalidad.

 

                Villa Capra de Palladio

Arquitecto : Andrea Palladio (1508-1580). Trabaja en la región de Venecia (autor de S. Giorgio Magiore en Venecia, El Teatro Olímpico de Vicenza y muchas villas ). También escribió un tratado de arquitectura (Los 4 libros de la arquitectura)

En casi todas sus villas campestres adaptó al cuerpo central de la casa las formas del templo antiguo rematado por un frontón.

Su villa más famosa no fue una casa de labor, sino más bien una villa de esparcimiento de carácter más suburbano para Paolo Almerico, un prelado de la corte papal retirado, en las afueras de Vicenza. Llamada Villa Capra o Villa Rotonda, pues está concebida como una rotonda central rematada por una cúpula, en torno a la cual, con una disposición absolutamente simétrica, se organizan los cuatro pórticos hexástilos idénticos, de estilo jónico, principal ornamento del edificio.

El uso de la cúpula en un edificio privado fue una novedad introducida por Palladio, pues hasta entonces , la cúpula, símbolo de la divinidad y del cielo, se había reservado para las iglesias.

Según el propio Palladio, la casa no es estrictamente una villa, sino un “belbedere”, es decir un elegante pabellón proyectado para deleitar a sus habitantes con las vistas sobre la campiña circundante: desde el gran salón circular arrancan 4 pasillos axiales , que se extienden hasta los pórticos, de modo que desde cualquier punto se la casa cuadrada se puede gozar del idílico paisaje

Importancia e significado : Por su simetría y por arrogante modo en que se eleva sobre el paisaje, la Villa Capra es un compendio del orgullo del espíritu renacentista y de su ideal de imposición de un orden racional e inteligible sobre la naturaleza. En el centro de todo (literalmente, en este caso en el foco de la rotonda) está el hombre, como “medida y medidor de todas las cosas”. Casi literalmente, Palladio tradujo a las formas arquitectónicas la “Oración a la dignidad del hombre” de Pico de la Mirandola, ya que el hombre ha sido puesto realmente “en el centro de la creación para que en adelante pueda observar más fácilmente todo lo que hay en el mundo que el rodea”

 

LA ESCULTURA RENACENTISTA

 

                                                                       La imitación de las obras de la Antigüedad Clásica, se había iniciado a comienzos del s.XIII   transformando el espíritu gótico ( esto se manifiesta en la obra de los hermanos Pisano). El naturalismo gótico y sobre todo la inspiración directa de las obras clásicas son las bases de donde arrancan los escultores renacentistas

 

           CARACTERÍSTICAS

 1.-La expresión es figurativa , naturalista e idealizada, con interés por la belleza  formal, basada en la proporción y la armonía

  • se busca la semejanza
  • cultura más racionalista (interés por representar la realidad )
  • abandono de la rigidez ( al independizarse del marco arquitectónico y lograr autonomía )

 

2. – Temas : fuerte interés por el hombre y la naturaleza

  • tanto por la forma como por la expresión
  • importancia del retrato (ecuestres, heroicos, de cuerpo entero...)
  • función religiosa, política o cívica, exaltando al Estado o al individuo, como símbolo de una clase social o ideológica concreta.

      El  hombre   forma parte de la naturaleza y es la medida de todas las cosas.Mientras que en la E.Media el hombre tenía un valor simbólico, en el Renacimiento interesa como individuo, como conjunto de huesos y músculos. Donatello ( 1386 - 1455 ) , el escultor más importante del Quatrocento   fue quien osó por primera vez desde los tiempos del Imperio Romano representar un cuerpo desnudo ( El David )

 

 3. - Profundización y perfeccionamiento de los conocimientos y medios técnicos

-  hay una preocupación por mejorar y explorar nuevas técnicas

-  materiales : mármol , piedra   bronce , terracota

-  nuevos métodos para proyectar las obras : a) La perspectiva , que en lo referente a la escultura   permitía llegar hasta el fondo de la búsqueda de la semejanza , no solo al captar las proporciones y las posturas naturales sino que permitía colocar diversas figuras manteniendo entre ellas la misma relación que existe en la realidad b) El schiacciato ( aplastado), procedimiento para el bajorrelieve que consiste en resaltar más las figuras del primer plano que las del segundo .

  • proliferan los tratados sobre las proporciones, basados en las teorías de Policleto, pero interpretados con cierta flexibilidad (se tendió al canon 9-10 ; el Manierismo,  alteró el sistema de proporciones)
  • el movimiento se manifiesta a través del contrapposto y la tensión del movimiento en potencia, hasta llegar al Manierismo que añadirá posiciones inestables y movimiento en caída, expresados en su preferencia por la helicoidal.

 

                Todas las características mencionadas , permitieron a los escultores del Quatrocento plantearse un tipo de escultura que había sido muy floreciente en el mundo romano   la estatua ecuestre ( naturalismo ® estudio y representación del caballo   de la armadura del caballero, retrato®  interés por el hombre y su carácter tendencia a la monumentalidad , a lo grandioso ...)

 

4.- Tendencia al monumentalismo,  a las realizaciones de gran empeño desde el punto de vista dimensional y conceptual . Será Miguel Angel ( 1475 -1564 ) quien alcance la plenitud de la escultura renacentista . Sus obras caracterizadas por una anatomía poderosa incluso exagerada , por una monumentalidad sin igual   por una prodigiosa capacidad técnica por su interés por el cuerpo humano , sintetizan la evolución de la escultura del Cinquecento

 

 5.- Utilización de esquemas compositivos geométricamente simples

 - al principio son estables ,  como la pirámide ( La Pietá , de Miguel Angel )

 - al final  los cuerpos se contorsionan   los esquemas se hacen más complejos ( La Pietá Rondanini , de Miguel Angel )

 

 6. - Autonomía respecto a las otras artes

 - Durante mucho la arquitectura había servido de marco a las otras artes . En el Renacimiento se renuncia a este papel, porque en el fondo el edificio se concibe como un teorema , como un resultado intelectual donde los adornos no añaden nada , antes bien molestan . Cuando hay escultura o pintura en un edificio se la aísla en nichos para que se vea que es un añadido   . Ante este  arrinconamiento los escultores buscarán metas más ambiciosas

 

 7.-EVOLUCIÓN

a) Las primeras manifestaciones aparecen en la Florencia del Quatroccento, con Ghiberti y Donatello, maestro de la representación de la figura humana, su expresión y anatomía, así como iniciador en el relieve narrativo, del “schiacciato”

b) El Cinquecento supuso la culminación de las experiencias del siglo anterior. El clasicismo escultórico está representado por la figura de Miguel Ángel, personalidad única y revolucionaria, y cuya obra, en mármol, se define por el dominio de la composición, las figuras grandiosas y arquetípicas, de expresión dramática y dinamismo en tensión.

c) La escultura manierista rompe con el ideal clásico, imponiendo la forma “serpentinata” (figura o línea que se carateriza por el movimiento giratorio de caderas, hombros y brazos que se contrabalancean .

 

ESCULTORES DEL QUATTROCENTO ITALIANO ( s.XV)

 

Florencia es la cuna de la escultura del Renacimiento

¨ PUERTAS DEL PARAÍSO DEL BAPTISTERIO DE FLORENCIA

Lorenzo GUIBERTI ( 1378 – 1455)

         -20 bajorrelieves de la segunda puerta del Baptisterio de Florencia

En 1401 concurso para las 2ª puertas del Baptisterio de S.Giovani . Tema “el sacrificio de Isaac”. Condicionamiento: las figuras deben de adaptarse al marco lobulado utilizado por Pisano. Gana Ghiberti (perfección anatómica, vestidos a la antigua) a Brunelleschi (todavía no ha creado la perspectiva).

         - (5) bajorrelieves de la tercera puerta  (1425-1452) llamada por Miguel Angel   la puerta del Paraíso : la narración se sitúa en el espacio claramente perspectivo; marco rectangular ; espacios arquitectónicos góticos-todavía- y  anticuarios; vestuario antiguo; desarrollo de la profundidad en el relieve mediante el “schiacciato”

 

¨ DAVID Y CONDOTIERO GATTAMELA

 

 DONATELLO ( 1386 - 1466 ) . Es el más importante escultor del quatrocento .Discípulo de Ghiberti y Brunelleschi. Fue el escultor que con mayor personalidad se apartó de la tradición y recorrió el camino el camino que le marcaban los modelos de la estatuaria clásica. Aunque nunca llegara a realizar esculturas de carácter mitológico, supo utilizar la decoración y los motivos romanos para dotar de un carácter antiguo a las obras y proporcionar a estos elementos un significado claramente cristiano (S.Juan Bautista, S. Jorge). Supo también imprimir un nuevo realismo individualizante –tomado de la retratística romana- a las imágenes religiosas . Donatello fue un artista que integró en la cultura cristiana la escultura clásica. En sus primeras obras muestra su interés por lo anatómico ( S. Jorge , el Rey David   el Zuccone   ). A partir de su estancia en Roma ( 1430~1432 ) realiza sus mejores obras

  • los relieves de la Cantoría de la Catedral de Florencia
  • El David (1435-1445) en bronce   primer desnudo de bulto redondo del Renacimiento y el primer desnudo –estatua- en bronce desde la Antiguedad. A las características de los modelos antiguos adjuntó un moderno sentido del realismo ( por el tamaño caso natural, por que se ocupa de una persona más que del rey de Israel )y del dramatismo . Parece más un joven pastor que un rey de Israel . Su desnudez nos habla de su pureza cristiana, de su virtud ... Su infantil anatomía, junto a la gran espada de Goliath, da cuenta de la providencia divina que hizo posible su victoria sobre el gigante de ornado casco sobre el que apoya el pie izdo. . Su emoción, más de meditación melancólica que de exultante triunfalismo, se muestra a través de su rostro inclinado y ensimismado, su postura ligeramente inestable y el sentido diagonal de la espada. .

Quizás fue un encargo de Cosme el Viejo, un Médicis, que controló la política de Florencia a  mediados del s.XV. Procede del patio del P.Medicis . Quizás simbolizó  de forma alegórica ( héroe victoriosos del A.Testamento=símbolo cívico de la lucha de la ciudad contra la opresión de la tiranía, como el otro David –el de M.Angel-) las ambiciones dinásticas de los Medicis bajo el régimen republicano de Florencia

Donatello fue un artista que integró en la cultura cristiana la escultura clásica : la desnudez nos habla de su pureza cristiana y de su virtud e inocencia , en términos más humanísticos que tradicionales.

 

  • El Condottiero Gattamelata (1445-1453) en Padua: en homenaje a un condottiero (caudillo militar que defendía con las armas a las distintas repúblicas )  en bronce que inicia la serie de estatuas ecuestres del Renacimiento, aunque no es un mero monumento arqueologicista (vestimenta romana), su movimiento creado por el bastón de mando y la espada y por el ritmo repetido de las curvas del caballo, era el de la realidad ; el retrato mostraba a un ser vivo y verdadero, con sus defectos y las huellas de su biografía, que manifestaban en todo momento su heroísmo vital. Recupera el modelo clásico de estatua equestre (se inspiró en la estatua ecuestre de Marco Aurelio), situada en el espacio público de una plaza.

       

 (OTROS ESCULTORES : Jacopo Della Quercia , Verrocchio , Pollaiuolo, Luca Della Robbia etc.

         ¨     CONDOTIERO COLLEONE DE VERROCHIO

Verrocchio, pintor y escultor ; por su importante taller pasaron futuros artistas como Leonardo; realiza en 1481 una estatua para la República de Venecia que quiso ser la réplica a la que hiciera Donatello en Padua. Esta resulta teatral y dinámica (posición en escorzo del condottiero) y atrevida (posición levantada de la pata del caballo )Frecordar la técnica de la cera perdida

 

ESCULTORES DEL CINQUECENTO

 

Los escultores del s.XVI , y en especial Miguel Angel buscarán más que captar la realidad de modo naturalista , expresar una Idea en el sentido neoplatónico.

 

¨  Principales obras de Miguel Ángel: PIEDADES DEL VATICANO Y RONDANINI. EL DAVID. EL MOISES

MIGUEL ANCEL BUONARROTI ( 1475 - 1564 )

 

Es uno de los artistas más grandes del Renacimiento . Dominó las distintas ramas de las Bellas Artes y su figura domina todo el panorama artístico de la Roma del s.XVI.

En la escultura Miguel Angel sintetiza todos los ensayos del Quatrocento , dotando a sus obras de un equilibrio estable entre la masa y el movimiento que acabará rompiéndose en beneficio de éste.

 

Nace en 1475 , se formó en pintura en el taller de Ghirlandaio , se educa en el célebre Jardín de los Médicis ( Lorenzo el Magnífico ) donde pudo estudiar la estatuaria clasica y adquirir los conocimientos, técnicas y recursos de trabajo de los escultores de la Antigüedad , estudia en la Capilla Brancacci la obra de Masaccio, conoce en Bolonia las esculturas de Jacopo della Quercia que admirará lo mismo que la obra de Donatello.

 

En su producción escultórica se pueden distinguir 3 etapas

1.- Periodo juvenil ( 1491 - 1505 )  Corresponde a su etapa clasicista de búsqueda de la Belleza Ideal , con influencias de Donatello y Jacopo della Quercia -

  • La Pietà ( Vaticano )Encargo del embajador de Carlos VIII de Francia en Roma . Concebida para una visión frontal, el momento terrible se plasma con un recogimiento y un silencio tan elocuentes, que son lo opuesto a cómo se plasman las restantes piedades contemporáneas y anteriores. Junto a esta profundidad de los movimientos del alma, hay todo un alarde en la colocación de los volúmenes y en el tratamiento de las superficies, fundamentalmente en el contraste del cuerpo desnudo de Cristo, límpido, de silueta y anatomías perfectas, con la Virgen, que sólo muestra sus manos y rostro, cubierta de cabeza a los pies por una vestimenta de complicadísimos pliegues cuyo efecto de volumen, luz y tactilidad resultan espectaculares . Es una obra de severidad clásica de la que siempre estuvo satisfecho .
  • material :mármol blanco
  • superficie: acabado exquisito (limas, piedra pómez, etc.)
  • composición : piramidalÞestabilidad y reposo
  • luz : homogénea, suave claroscuro
  • expresión : figurativa, naturalista pero idealizada . Belleza serena y majestuosa. Dramatismo, pero sin grandes ademanes (gesto de la mano extendida de la mujer)
  • Encuadre : clasicismo renacentista : formas acabadas, composiciones equilibradas y su innegable grandiosidad . Periodo juvenil : idealización de las formas y utilización del trepano (que más tarde abandonará)
  • Tema : origen nórdico (gótico) Þ pero aquí es de un patetismo ennoblecido, de sentimiento intenso, pero sereno y despojado de horror
  • Ideal neoplatónico : la belleza física es la manifestación de un espíritu noble Þ Cristo, aunque muerto es apolíneo ; la Virgen, aunque es su madre, es tan joven como él (símbolo de su pureza perpetua, de su eterna virginidad )
  • Comparación con otras “Pietàs” ( de Palestrina , de la C. de Florencia, Rondanini) : progresivo abandono del dramatismo, esquemas compositivos más libres y complejos, los cuerpos se contorsionan, aumenta la tensión ...

- La Virgen con el Niño ( Brujas ) (1498-1501), concebida como una matrona romana sedente .

- El David ( Florencia)(1501-1504) : Figura de 5m. “el Gigante” supone además del triunfo suyo en Florencia la recuperación del canon clásico y de la idea de estatua colosal, fusionándose en ella la noción de belleza , fruto de un cuerpo bello, y de un movimiento anímico que se refleja en el rostro - .Crea como Policleto un nuevo canon que fascinó sus contemporáneos. Concepción heroica del ser humano, fusión de un cuerpo bello, producto de una anatomía perfecta y de un movimiento anímico interior que se refleja en el rostro, en un proceso de dentro hacia afuera .Aunque estaba pensada para la Catedral, se colocó delante del Palazzo Vechio Es una estatua con un significado político y religioso (símbolo de la justicia, de la razón frente a la fuerza, etc.)

 

2.- Periodo de madurez ( 1506 - 1534 ) . En este periodo Miguel Angel liquida el ideal estético del Renacimiento apareciendo los primeros rasgos manieristas (inmerso en un drama moral –conflictos de su época- experimenta un sentimiento de culpa por su excesivo amor a la belleza y se decanta hacia la búsqueda de una espiritualidad sublime, figuras monumentales...

En 1506 , el encuentro con el Grupo de Laoconte , hallado en las Termas de Tito , le influirá en su estilo

El periodo de madurez se abre con una obra en la que cifró todas sus ilusiones , se dedicó 40 años a ella , y que no llegó a realizar por completo el monumento sepulcral de Julio II   Lo concibe como una gran masa exenta rectangular con una cámara ovalada en su interior para el sarcófago papal ; cuya parte superior con santos y virtudes debía estar sostenida por figuras de prisioneros y esclavos . Lo que se pretendía era hacer un mausoleo que superase a los más famosos de la Antigüedad  .Muerto Julio II , sus herederos reactivaron la empresa y MA hizo un nuevo proyecto (1513), pero esta vez como sepulcro adosado y sin cella, multiplico las estatuas y convirtió a la Virgen con el Niño en el tema predominante. Hubo 4 proyectos más .De esta obra solo ejecutó algunos Esclavos y el Moisés (1515) ( único fruto acabado del segundo proyecto de la tumba de Julio II, sedente, anatomía y gesto expresan la terribilità, rasgo característico de la estatuaria heroica de Miguel Ángel

Entre 1520 Y 1534 , por encargo del papa Medicis, León X, realiza los dos monumentos funerarios de Juliano y Lorenzo de Médicis , en la sacristía de S. Lorenzo de Florencia . Concibe los sepulcros en forma piramidal : un nicho en la pared , en la que se sitúa la estatua sedente de Giuliano y Lorenzo , y a sus pies , sobre la tumba y en actitudes inestables , las representaciones alegóricas del Día y la Noche en el de Giuliano , y del Crepúsculo y la Aurora en e1 de Lorenzo( novedades : los finados son estatuas sedentes  a la romana; no son retratos sino actitudes : Giuliano –vida activa- Lorenzo –vida contemplativa ; idea : el transcurrir de la vida humana : la noción de templo se plasma en las cuatro alegorías situadas a los pies de los sarcófagos)

3 -  Periodo de vejez ( 1548 - 1564 )   En estos años Miguel Angel consuma la ruptura con el clasicismo del Renacimiento Sus postulados estéticos se desligan de la concepción de armonía y belleza y se hace cada vez más expresivo

Este cambio refleja bien la crisis religiosa por la que pasó el artista en sus últimos años y también es una muestra de la distancia que mediaba entre el mundo agitado de la Europa de la segunda mitad del s.XVI y aquel mundo   ordenado y en calma   de principios de siglo cuando floreció el lenguaje clásico del Renacimiento .

 

          Corno ejemplo , estarían las Pietas de Florencia y Rondanini donde su manierismo se refleja en el no acabado del mármol, en su alejamiento de cualquir detalle realista y en su deliberada despreocupación por la belleza de las figuras

 

OTROS ESCULTORES MANIERISTAS

 

JUAN DE BOLONIA ( 1529 - 1608 ) . Predominio de la forma serpentinata  y de la ascensión helicoidal de las formas y multiplicidad de puntos de vista ( Fuente de Neptuno en Bolonia ; Rapto de las Sabinas en Florencia)

 

¨  EL PERSEO

BENVENUTTO CELLINI ( 1500 - 1571 ) . Tensión , desgarramiento , exageración de la musculatura ( Perseo con la cabeza de Medusa )

 

PINTURA RENACENTISTA

 

La pintura es la manife

stación artística más multiforme del periodo.

Parte de las experiencias del Trecento, pero aportará grandes modificaciones que sientan las bases de la pintura hasta el s.XIX.

 

1.- CARACTERÍSTICAS Y  DIFERENCIAS ENTRE LA PINTURA ITALIANA Y LA FLAMENCA.

  •         En Italia, arte y ciencia son casi inseparables. Algunos, como Luca Pacioli, buscarán en el número el misterio del arte. En su libro " De divina proporcione " establece un tratado basado  en la armonía numérica. En él formula el principio de la sección  dorada , que dice que " para que un espacio dividido en partes desiguales resulte agradable deberá haber entre la parte más pequeña y la mayor la misma relación que entre la mayor y el todo. " El número dorado es 1, 618, lo cual quiere decir que el rectángulo más placentero es aquel que tiene 1 de alto por 1,618 de ancho. 

    

        En Flandes, en cambio,  el espacio tridimensional se logra sin teorías, sin geometría, por imitación .

 

  •  En Italia el arte gótico será sinónimo de " bárbaro ". Se abandona el arte esencialmente lineal, resurgiendo la tradición clásica del bulto redondo  que procura obtener figuras tridimensionales y , al propio tiempo, situarlas en un espacio posible  . La relación de tamaño entre figura y ambiente tiende a situarse en los justos términos de la naturaleza  .     

 

        En la Europa nórdica y germánica perdurará la tradición gótica, más lineal y expresionista.

 

  •       En Italia  los problemas pictóricos se han complicado.  Los artistas buscan los efectos más diversos : la perspectiva, el paisaje, la luz las proporciones. Unos se preocuparán de " imitar la realidad ", otros vincularán la pintura a la poesía y no faltan quienes trataron de convertir a la pintura en una ciencia. 

 

       En   Flandes, en cambio,   la composición es " aditiva ", rivalizando a veces el escenario con el hombre. En un juicio algo despectivo dice Miguel Angel al respecto :

" La pintura flamenca agradará al deboto más que cualquier pintura de Italia...En Flandes se pinta con miras a lograr una exactitud externa ... pintan el verde césped de los campos, las sombras de los árboles, ríos y puentes, a lo cual llaman paisaje ... y todo esto se hace sin razón, ni arte, sin simetría ni proporción, sin sustancia ni vigor ".

 

 2.- ESQUEMAS COMPOSITIVOS.

 

      Hay una predilección por las formas geométricas elementales (triángulo, círculo, pentágono) lo que les hace preferir esquemas compositivos :

  •  Equilibrados ( simetría, equilibrio entre masas y vacíos, perspectiva,     escorzos, sfumato - definir los contornos de las figuras no por el dibujo sino mediante gradaciones de luz y sombras - ).
  •   Piramidales ( típico de las Madonnas )
  •   En círculo
  •   Ovales

En el Quattrocento y Cinquecento se prefiere la simetría y compensación de grupos, pero en el Manierismo se inclinará por composiciones inestables y asimétricas

 

3.- SISTEMAS DE REPRESENTACIÓN

Una de las principales aportaciones propuestas por esta pintura se refiere a la construcción racional del espacio, mediante unas leyes objetivas que se basan en la teoría de la “perspectiva lineal”. Se crea así, de forma artificial, un espacio pictórico tridimensional, en el que se sitúan los objetos de forma rigurosa, según un orden marcado por la proporción, como si el cuadro fuese una “ventana abierta”. Pese a que responde a una visión monocular y condiciones de inmovilidad perfecta, con un punto de vista fijo, su validez no será cuestionada hasta la aparición del cubismo.

      Mediante la perspectiva lineal  , cuya invención se atribuye a Brunelleschi , se consiguió representar sobre un espacio bidimensional (la superficie del lienzo , de la tabla o del muro ) la apariencia de un espacio tridimensional .

      También se formulará la “la perspectiva aérea”,basada en la difuminación de contornos y colores como efecto de la distancia,  en la que las zonas más alejadas parecen disolverse en un tono atmosférico general, aparece a finales del s. XV ( Leonardo la utilizó magistralmente) constituyendo el principal medio de representación de la posterior pintura paisajística.

     La perspectiva cromática se sirve del efecto psicológico  de proximidad o lejanía, producido, por ejemplo, por el rojo “ cercano “ (color cálido) o el azul “ lejano “ (color frío).

         Pronto los artistas no se conformaron ya con los espacios de caja sencillos, paralelos al cuadro, en los que el punto de fuga se encuentra en el eje medio . Se construyen formaciones estereométricas más complicadas; surgen recintos oblícuos con un punto de fuga excéntrico; se buscan puntos de vista desusados como la forzada perspectiva inferior o el escorzo extremo y finalmente, la perspectiva sirve también para despertar, en pinturas de techos, la ilusión en el que mira, a través de una abertura, directamente al cielo (el ejemplo más temprano es el de Mantegna, en la  Cámara de los esposos, del palacio ducal de Mantua, concluido en 1474).

 

4. - TEMAS

 

        La temática religiosa sigue predominando en el arte renacentista. Figuras de Santos, episodios de la Biblia, etc. pero sobre todo la Virgen con el Niño ( Rafael), la Sacra Conversazione (Piero della Francesca ), que tiene como objeto el diálogo contemplativo entre la Virgen y los santos apareciendo la Virgen más secularizada .

    

        La temática mitológica se cultiva en frescos de palacios y decoraciones de muebles, y en ciertas ocasiones para mecenas muy específicos, se pintan grandes composiciones mitológicas o alegóricas, e incluso episodios de historia contemporánea.

 

       El retrato es otro de los géneros que prácticamente inventó el Renacimiento. En la Edad Media, el retrato no era la expresión de la individualidad sino de su condición social. En el Renacimiento, el hombre se considera el motor de la historia, de la cultura. Los primeros retratos, aunque expresan características físicas y psicológicas, son limitados técnicamente : figuras de perfil sobre fondos reales, ya no lisos. Más tarde, el retrato adquiere una pose más natural de tres cuartos, observado de frente y un poco desplazado lateralmente e incluso suprimiendo los fondos ( Retratos de papas de Rafael y Ticiano y el enigmático retrato de la Mona Lisa de Leonardo).

 

        La naturaleza muerta (frutos, animales de caza, objetos para beber - copas, vasijas, jarras -) empieza a cobrar importancia en los cuadros, aunque será durante el Barroco cuando constituya un género pictórico autónomo .

 

       El paisaje tenderá a convertirse no ya en un fondo, sino en el tema principal e incluso autónomo de la pintura. En el paisaje se dan dos modalidades. el paisaje natural - escenas agrestes y de fantasía - y el paisaje de ambientes arquitectónicos y urbanos  que adquiere gran importancia en la pintura veneciana. Sin embargo, en el Renacimiento nunca se excluirá la figura humana del cuadro, ya que el interés por el hombre es demasiado vivo para que se prescinda de él. Los pintores del Quatroccento no buscaban en sus cuadros ninguna parte concreta de un paisaje , sino más bien  un paisaje ideal ( Giovani Bellini ), o a un paisaje que refleje el estado de ánimo de los personajes (Leonardo da Vinci, Giorgione, Ticiano).

 

5. - TÉCNICAS

      Presentan gran variedad :_

      La tradición italiana gótica de la gran pintura mural se continúa (fresco) y todos los grandes maestros del siglo XV y algunos del s.XVI la cultivan con singular maestría consiguiendo efectos de extraordinaria monumentalidad y magnífica adecuación de la pintura al marco espacial.

 

     En la "pintura de caballete " se sigue utilizando especialmente la tabla como soporte y la técnica del temple con los colores disueltos en agua con huevo o cola.

 

     En la segunda mitad del s. XV y por influencia flamenca, se introduce el uso del óleo (pigmentos orgánicos e inorgánicos + aceite de linaza como aglutinante+ trementina como disolvente) especialmente en Venecia, ciudad en la que se desarrollará una importantísima escuela pictórica en el s.XVI.

 

6. - CLIENTES

 

      La pintura ya no se limita al ámbito eclesiástico y representativo oficial. Poco a poco se va convirtiendo en objeto de deleite artístico individual, pasando a las colecciones de clientes privados que pertenecen a la aristocracia o a la alta burguesía. Con especial predilección se pedían estos cuadros (mitológicos, alegorías, historia antigua, temas de la cultura humanística)  para adornar el cuarto de estudio, o para otras habitaciones más íntimas.

 

7. -  LA PINTURA DEL RENACIMIENTO TEMPRANO (s. XV)

 

      En líneas generales, la primera mitad del siglo XV se complace más en las formas monumentales, los estudios de perspectiva, la sobriedad expresiva y la incorporación de elementos clásicos en la decoración ( Masaccio, Ucello, Piero della Francesca, Andrea del Castagno). Junto a ellos pueden señalarse algunos artistas que mantienen algo de la tradición del gótico internacional, con complacencia en las líneas refinadas, la gracia decorativa y la alegría del color, usando con frecuencia el pan de oro, como en el gótico ( Fra Angelico, Fra Filipo Lippi,  Pisanello, Gentile da  Fabriano ).

 

    En la segunda mitad del siglo XV se generaliza un gusto más complicado y rico, que prefiere el dinamismo a la monumentalidad, y lo complejo y narrativo a lo solemne, introduciéndose además múltiples elementos de lo cotidiano con extrema vivacidad y gracia a lo que no es ajeno el conocimiento de la pintura flamenca contemporánea. A este grupo pertenecen Gozolli, Ghirlandaio y Boticelli en Florencia, Perugino y Pinturichio en Umbría y los Bellini en Venecia.                    

                                                                                                                                                                         

PINTOR

     OBRAS

            CARACTERÍSTICAS-APORTACIONES

    MASACCIO

   ( 1401-1428 )

Fresco de la Trinidad, en Sta.Mª Novella

 

Fue el introductor. Enlaza con la tradición de GIOTTO.

Logra transmitir un sentido monumental a las figuras, una

caracterización casi individual a los personajes, un croma-

tismo  fuerte en la composición de los grupos y la organi-

zación del espacio del cuadro según las leyes de la perspectiva lineal

FRA ANGELICO                                                                                               

   ( 1387- 1455 )

 

Frescos conven

tode S.Marcos,

en Florencia

Compagina cierto estilo gótico ( amor a lo curvilíneo, colo-

rido preciosista, dorados ) con la creación de espacios basados en la perspectiva.

FRA FILIPPO LIPPI ( 1406-1469 )

    

Vírgenes.

Cercano a Fra Angélico . La Virgen la representa con gran

humanidad y en ambientes burgueses.

PAOLO UCELLO     

  ( 1397 - 1475 )

 

 

Interés apasionado por la perspectiva y por la narración. Violentos escorzos (Batalla de San Romano)

    MANTEGNA

     (1431-1506 )

Altar mayor de S. Zenón de Verona

Frescos de la capilla Brancaci

Trabaja en el N. de Italia. Su fuerte formación clásica se percibe tanto en la estatuaria de sus figuras como en la diversidad de ornamentos, esculturas y elementos arquitectónicos que emplea en sus cuadros

     BOTTICELLI

       (1416-1492)

 

Sacra conversa-

zione.

Alegoría de la

Primavera.

Nacimiento de

Venus.

 

Eslabón entre Masaccio y el alto Renacimiento. Trabaja sobre todo en Urbino, donde Federico de Montefeltro reúne un selecto grupo de artistas y sabios en la Corte ducal.

 

                                                                                                                          

8.- LA PINTURA DEL ALTO RENACIMIENTO ( s. XVI )

 

      Supone la culminación del proceso renacentista y al mismo tiempo su crisis. La suprema perfección obtenida en los últimos años del s.XV, que es la expresión adecuada del optimismo humanista y a su visión de un mundo en orden, encuentra su forma perfecta en el equilibrio de Rafael y del joven Miguel Ángel. Es un mundo de belleza, equilibrio, grandiosidad y orden . Pero el mundo no era en modo alguno perfecto y pronto el panorama europeo comienza a presentar aspectos confusos y dramáticos, y a la par que los descubrimientos geográficos y científicos obligan a replantearse los conocimientos establecidos, la Reforma religiosa cuestionaba verdades hasta entonces aceptadas, y la economía europea se desajustaba de modo muy grave. La muerte de Rafael en 1520 y el saqueo de Roma en 1527 marcan el princio del fin de este periodo y el comienzo - salvo en Venecia que tardará tiempo en ver las consecuencias de la crisis - del Manierismo.

 

AUTORES

                  APORTACIONES-CARACTERÍSTICAS-OBRAS

 

LEONARDO

DA VINCI

 ( 1452 - 1519 )

 

 

Inicia el nuevo estilo . Figura y paisaje parecen fundidos en una misma tonalidad cromática: están vinculados por el “sfumato “, el difuso velo de vaho que junto al claroscuro ambientador confiere al cuadro profundidad perspectiva.

Obras : La Última Cena , La Gioconda, Santa Ana, la Virgen y el Niño.

 

RAFAEL

  ( 1483 - 152O)

 

 

 

Gran técnico de la pintura . Supo armonizar las delicadas formas de Leonardo con las terribles descargas espirituales de Miguel Ángel

Obras : Las Estancias del Vaticano : La Cámara de la Signatura(1509-1511) : La Disputa del Santo Sacramento y La Escuela de Atenas y La Cámara de Heliodoro (1512-1514 ) . Madonas. Virgen con el Niño y S.Juan.

 

MIGUEL ANGEL

(1475 - 1564 )

 

 

 

Pinta volúmenes netos y delimitados. Crea violentos escorzos . Sus poderosos cuerpos albergan espíritus sólidos, almas impetuosas, de manera que la fuerza física y moral se equilibran .

Obras :Frescos de la bóveda de la Capilla Sixtina (1508-1512), el Juicio Final en el testero de la Capìlla Sixtina (1535-1541)

                                                     ESCUELA VENECIANA

  • Culto al color
  • Importancia de los temas secundarios
  • Exaltación de la riqueza
  • Contemplación poética del paisaje
  • Precursores del s.XV : Giovani Bellini y Carpaccio

 

GIORGIONE

( 1478 - 151O)

 

 

Discípulo de G.Bellini. Aportó: la importancia del paisaje (naturaleza ), la tonalidad para expresar  el claroscuro y el tipo de Venus en reposo que será muy usado en la posteridad.

Obras : La Tempestad, El Concierto Campestre, La Venus Dormida

 

TIZIANO

(1487-1576)

 

 

Vida longeva y de éxitos ( amigo de nobles, príncipes y reyes ; protegido de Carlos V y Felipe II ) . Gran maestro de la pintura . Consigue armonizar colorido y forma aunque al final de su vida su técnica evoluciona hacia un estilo de manchas, casi impresionista . Tuvo una gran influencia sobre la posteridad ( Rubens - s.XVII-, Delacroix -s.XIX-)

Obra : a) Religiosa ( La Presentación de la Virgen, El Entierro de Cristo)

b)Mitológica ( El amor sacro y el amor profano, La Bacanal, El Triunfo de Baco, Dánae ) c) Retrato ( Carlos V en la batalla de Mülberg , La Flora .

 

TINTORETTO

  (1518-1594)

 

 

Debe a Miguel Angel su pasión por lo colosal, el movimiento, las poderosas anatomías . Realiza maravillosos escorzos y es el gran perspectivista de la escuela . Estudia ávidamente el problema de la luz . Aunque colorista, utiliza el blanco y el negro para perfilar las figuras acentuando su patetismo . Sus tenebrosidades, sus composiciones diagonales y el recurso de los espejos para ampliar el campo visual del cuadro anuncian el Barroco ( Cavarais, Remirando ). Pintó enormes lienzos . Influyó en El Greco .

Obras : La Crucifixión Venus y Vulcano, El Lavatorio de los pies

 

VERONÉS

  (1528-1588 )

 

 

El cantor de las glorias de Venecia : escenarios de caracteres paladianos, colorido rico predominando los tonos gris-plata Sus escenografías anticipan el Barroco.

Obras : Las Bodas de Caná y la Cena en casa de Leví

 

 

 

COMENTARIO DE OBRAS SELECTIVIDAD

 

 

1.-LA TRINIDAD (1425-1427), DE MASACCIO

Masaccio (1401-1428), abrió el camino de la pintura renacentista a pesar de su temprana muerte y su reducida obra. Como Brunelleschi y Donatello rechazó el viejo lenguaje gótico cortesano( fue capaz de romper con las elegancias del “Estilo Internacional” que causaba furor en Europa) para crear un nuevo estilo basado en la simplicidad, racionalidad y plasticidad. . En los frescos de la Capilla Brancaci (El tributo de la moneda) adopta un punto de vista desde el que observar las escenas, lo que se llamará más tarde “la ventana albertiana”.

En “La Trinidad” (fresco en Santa María Novella) . Se trata de una recreación ilusoria de un espacio arquitectónico característico del R., como un auténtico ejercicio de perspectiva . Utiliza

  • Técnica al fresco (muro revocado de cal húmeda y colores desleídos en agua de cal)
  • Elementos arquitectónicos ya renacentistas (columnas jónicas, pilastras corintias, bóveda de cañón de casetones)
  • El espectador contempla desde abajo la Trinidad en perspectiva monofocal : el fresco parece que fuera una capilla en la realidad (posiblemente la invención de la perspectiva-atribuida a Brunelleschi- tenga que ver con la mentalidad matemática indispensable para las actividades mercantiles). Los donantes (referencia al mecenazgo : diferente código moral para exhibir la riqueza. En el Medioevo, el pecado de la usura era una espada de Damocles que frenaba la creación de grandes patrimonios mercantiles. Para  solucionar sus pecado, debía dar a la iglesia parte de su fortuna (mecenazgo indirecto)
  • Composición triangular También destaca el eje de simetría (cruz y figura de Cristo)

 

2.-EL NACIMIENTO DE VENUS (c.1485),  de BOTTICELLI ( B.)

  • Contexto : la época de Lorenzo el Magnífico y del círculo neoplatónico (Marsilio Ficino y Pico della Mirandola )que irradia su influencia a los artistas
  • Botticelli se convierte en el intérprete de la idea de belleza ideal (la belleza no se concibe como copia de la realidad, sino más bien como imagen alegórica de la idea) a través de modelos religiosos que aparecen paganizados, mientras que los temas mitológicos se cristianizan
  • En su libro sobre el Renacimiento, los profesores Nieto y Chueca sitúan la pintura de Botticelli dentro de lo que llaman “crisis del sistema plástico del Quattrocento” (y no dentro de la corriente renacentista iniciada por Fra Angélico: delicada, curvilínea, de dibujo) Para ellos la pintura de B. supone una ruptura de esa corriente florentina en la que los valores plásticos de volúmenes rotundos y la perspectiva lineal son sus dos coordenadas. Frente a estos valores, B nos propone en su obra unos nuevos valores basados en una linealidad llena de gracia y elegancia, un dibujo rotundo y, sobre todo, un mundo lleno de dulzura, de sentimiento (dulce sonrisa, dulce melancolía, de tristeza contenida...). El delicado grafismo ha llevado a numerosos especialistas a hablar de una vuelta a la estética del gótico internacional, aunque el mundo pictórico de B. está mucho más cerca del manierismo “cinquecentista” que de las formas del gótico.
  • Pintura sensual, delicada, casi caligráfica , de fuerte inspiración literaria . Casi se desentiende del volumne y la perspectiva
  • Composición triangular (ligeramente desequilibrada por el viento de la izda y la leve inclinación del manto inchado por el viento)
  •   Tema : Dos escenas en una: A la izda, Céfiro abrazando a Cloris que se ha convertido en Flora, es el viento del oeste que con suave brisa y lluvia de flores empuja hacia Citera la concha sobre la que se posa desnuda Venus (el modelo es el de Venus púdica). La otra escena es una de la Horas, divinidades de las estaciones, en concreto la que representa a la Primavera, acogiendo en su manto a Venus.
  •  Venus es una de las 12 grandes divinidades del Olimpo. Según Hesíodo nació de la espuma del mar en el que habían caído los genitales de Urano, castrado por Cronos. Es la diosa del amor y de la belleza. Presenta múltiples representaciones : dormida, marina, popular, victoriosa, celeste. En este caso se trata de la Venus marina : desnuda, recién salida de las olas del mar, de pie sobre una concha o venera; amores , tritones y otras criaturas marinas pueden asistir a su nacimiento; es traída a la playa por  Céfiro y Flora que agitan su larga cabellera, mientras una ninfa le tiende un velo con el cual cubrirse.
  • Algunas interpretaciones :
  • Correspondencia entre el nacimiento de Venus –diosa de la belleza- de las aguas del mar y el nacimiento del alma humana de las aguas del bautismo. Su desnudez es imagen de pureza y no de erotismo o de belleza física . La naturaleza se manifiesta a través de sus elementos : agua, aire y tierra.
  • Como alegoría moral y educativa según el neoplatónico Ficino : Venus sería la representación de la “Humanidad” que nace de la naturaleza, imagen de la unión entre espíritu y materia .Las dos figuras de la izquierda simbolizan la unión de la materia y del espíri­tu para insuflar la vida a Venus. Desde los tiempos de la Roma clásica nunca se había representado a esta diosa pagana des­nuda con tal tamaño. El desnudo femenino, considerado pe­caminoso en el arte medieval cristiano, es recuperado en el Renacimiento como símbolo de inmaterialidad. La Venus de Botticelli no representa el amor carnal o el placer sensual, sino que; con su postura y sus finas facciones, se acerca más al ideal de la inteligencia pura o suprema sabiduría. Final­mente, la Hora tapa con su manto a la diosa, en señal de que los misterios de Venus,. como los del conocimiento, están ocultos. Los personajes adoptan el «paso de danza» con el que parecen flotar sobre el paisaje, realzando su carácter etéreo. Esta temática está entroncada con las doctrinas neoplatónicas que responden a la sensibilidad de un reducido núcleo de in­telectuales florentinos agrupados en tomo a Lorenzo el Mag­nífico, y entre los que destacan Marsilio Ficino, Poliziano y Pico della Mirandola. Según ellos, el hombre debe buscar la unidad entre belleza, amor y verdad, que se encamará en la figura de Venus como suprema conjunción de amor sensual y amor ideal. En la época de Lorenzo “el Magnífico” el pensamiento humanista madurará de tal modo que la exaltación de la belleza y la dignidad de los hombres y mujeres entierra definitivamente la cosmovisión medieval.

 

 

3.-LA VIRGEN DE LAS ROCAS (1483-1486),  de LEONARDO DA VINCI

Leonardo da Vinci (1452-1519), ingeniero, pensador y artista, es el ejemplo de hombre universal del Rena­cimiento. Su pintura consi­gue dominar la profundidad de un modo natural, sin los ejercicios forzados del Quattocento . Por medio de la composición triangular busca el auténtico equilibrio formal. A través de lo que se llamó sfumato, consigue captar el ambiente, envolviendo todo el espacio en una especie de neblina y abandonando la definición pictórica de los contornos.

Es el primer artista que no aboga por una vuelta a los modelos clásicos de la Antigüedad, partiendo de ella, rompe la tradición del Quattrocento florentino e inaugura el camino del arte del Cinquecento. Transformó la concepción de la pintura de actividad artesanal a ocupación noble (por la necesidad de conocimientos matemáticos y de otras ramas del saber). Fue autor de un incompleto Tratado de pintura

En la obra de Leonardo, Madonna de las Rocas:

Realizada por encargo de la cofradía de la Inmaculada Concepción de Milán, la tabla no llegó a instalarse por no haber llegado a un acuerdo con el precio. Incautada por Ludovico Sforza, el moro, duque de Milan, pasó a manos de los franceses tras la conquista de Milán.

  • La composición triangular del grupo central contribuye a la exaltación del mensaje, lleno de belleza ideal. El equilibrio conseguido se complementa con la distribución de luces y colores, las actitudes serenas y la atmósfera que lo envuelve todo, en un paisaje soñado.
  • Tema : En primer plano la Virgen , el ángel y los niños Juan Bautista y Jesucristo en una naturaleza detallista . Al fondo un paisaje rocoso, brumoso, una caverna ...
  • Sfumato que envuelve a toda la escena, atmósfera coloreada y envolvente : nueva visión de la belleza y de la naturaleza Þ ya no basta la geometría ni la perspectivaÞperspectiva aérea (manchas, formas no terminadas)
  • Virtuosismo : escorzo de la mano de la Virgen
  • Interrelación psicológica de los personajes
  • Ejemplo de armonía renacentista : composición triangular, uso del color
  • Significado : es algo hermético. La caverna fascina a Leonardo como científico, pero también como filósofo y poeta . Su interior es la parte íntima de la naturaleza y, por ello , el lugar secreto de la Madre Tierra, cuya expresión cristiana es la Virgen, Madre de Cristo y, por tanto –como una nueva Eva- madre de una nueva humanidad redimida por Jesús (que también nace en una cueva) cuya luminosa venida al mundo le trae la salvación. Gracias a esta luz, el hombre puede ahondar y desvelar el misterio de la naturaleza

La Gioconda (1503-1506) : prototipo de retrato: tipología de una persona ante un paisaje de medio cuerpo /grandeza y serenidad irradian no de su rango social ni de sus vestidos, sino de su profundidaz anímica (indagación del carácter)/ la naturaleza aparece en continuo "“movimiento"”(brumas, ríos, juegos de luces...)/expresividad de las manos/modelado con la luz y la sombra

 

 

4.-LA CAPILLA SIXTINA de MIGUEL ÁNGEL

La longevidad y el genio de este gran artista, su evolución personal y los cam­bios históricos a los que asiste, le convier­ten en uno de los máximos exponentes del clasicismo renacentista y, al mismo tiempo, en el iniciador de su disolución formal que llevará al manierismo.

Formado en Florencia en el taller de Ghirlandaio, pronto lo abandona para dedicarse al aprendizaje de la escultura en el taller de un discípulo de Donatello. A partir de este momento, su verdadera vocación y pasión son el arte escultórico. Bajo la protección de Lorenzo de Médicis entra en contacto con el núcleo neoplató­nico, cuyas ideas comparte. Influido por las prédicas apocalípticas de Savonarola, vive intensamente su religiosidad, si bien, sin caer en los excesos de Botticelli. Estudioso de la escultura clásica, inicia una serie de obras en las que ya se destaca un gran dominio técnico.

En 1503 sube al pontificado Julio II, que llama a Miguel Angel y le encarga la realización de su sepultura, que a cau­sa de diversos avatares e intrigas debe posponer.

En 1508 empieza a pintar la bóveda de la Capilla Sixtina (1508-1512),(capilla donde se celebra el cónclave)obra que em­prende y ejecuta en solitario durante cuatro años, cubriendo una superficie de más de mil metros cuadrados y 300 figuras

  • En este ingente trabajo pictórico desarrolla un inmenso programa iconográfico en el que compendia toda la historia de la salvación, desde la creación del mundo y del hombre hasta los prolegómenos de la venida de Cristo . Para ello, crea toda una composición arquitectónica simulada que divide la bóveda en diferentes secciones.
  • Divide la bóveda en tres zonas correspondiendo a una triple jerarquía: a)la inferior de los lunetos y las pechinas es la humanidad anterior a la iluminación b) la segunda zona es la de los profetas y sibilas y ignudi- adolescentes desnudos con guirnaldas y escudos-dotados ambos de facultades sobrenaturales c)la tercera zona contiene la revelación gradual de lo divino
  • Las figuras parecen querer liberarse de su marco espacial. La agita­ción de los personajes bíblicos se produ­ce en un espacio donde la construcción racional mediante la perspectiva, la simetría y la proporción ha desaparecido. La ausencia de un espacio prospéctico, como de una atmósfera envolvente, es sustituida por la plenitud anatómica de unos cuerpos de colores fuertemente contrastados, que nos remiten no tanto a la belleza de las formas como a la de los conceptos. La primera fase de la historia de la humanidad queda resumida y condensada en toda su fuerza dramática. La acción de “Dios creando el mundo”, la “Creación de Adán” , el “Pecado Original”, el “Diluvio”, los “Profetas” que anuncian la llegada del Enviado, las “Sibilas” que prefiguran el mundo pagano, el tiempo histórico en el que la venida se hace historia real. Las figuras aisladas no ofrecen una secuencia narrativa al estilo renacentista, sino que más bien recuerdan el gótico, de la mis­ma forma que la arquitectura simulada parece exaltar las arquitecturas de la An­tigüedad. Con todo ello, Miguel Ángel recrea una realidad trascendente.

 

  •  Escorzos violentos y actitudes rebuscadas que proporcionan un considerable volumen a las representaciones
  •  Fuerza anatómica destaca en los desnudos, llenos de energía y masa corpórea, inspirados en la escultura grecorromana
  •  Los esquemas compositivos clásicos (simetría, perspectiva, proporción) se interpretan con absoluta libertad

Significado : Síntesis de la teología hebrea y cristiana : el mensaje de la venida de Cristo  se proclama con toda universalidad . También, se exalta la idea del hombre a imagen y semejanza de Dios, lo que lo convierte en un ser de una energía y una fuerza espiritual enormes.

Juicio Final (1535-1541) en la Capilla Sixtina:

  • Tema: Segunda venida de Cristo que marca el final de los tiempos, la resurrección de los muertos y el Juicio Final
  • Nuevo esquema de composición : dos planos superpuestos : el celestial y el terrestre. Todo irradia a partir de Dios-Zeus  : agitación , movimiento circular, desaparición del espacio (profundidad), las figuras destacan por su primer plano, la luz es frontal e intensa, gran poder de la anatomía y del desnudo, el dramatismo anticipa el barroco
  • Mensaje más cercano al espíritu contrarreformista : Juicio Final, resurrección de los muertos, ascensión de los bienaventurados al cielo y castigo para los condenados que atraviesan con la barca de Caronte.
  • Prescinde de los efectos escenográficos de las arquitecturas para condensar la tensión en el contrapunto entre espacio y figura
  • Horizonte bajo, escena aérea dramática del juicio final
  • Quizás exalta la terrible potencia del juicio divino y con él, la autoridad del papa tras el saqueo de Roma en 1527

 

5.-LA MADONA DE GRANDUCA (del Gran Duque), de RAFAEL

Tema: Madonna (Virgen con el Niño), idealización neoplatónica del amor materno. Tema favorito. Máxima humanización de las imágenes de culto. Ideal clásico: proporción, equilibrio, simetría, profundidad y belleza idealizada

Composición triangular (formas estables y cerradas del clasicismo)

  • Refleja la influencia de Leonardo en la gradación suave de luces y en ligera torsión de los cuerpos
  • Sus Madonnas se distinguen por su expresión humana y su naturalidad
  • Colores cálidos y fríos

 

6.-LA ESCUELA DE ATENAS (1508-1511), de RAFAEL

Rafael representa la expresión más clásica, serena y completa del Alto Renacimiento (asimiló la herencia artística de Piero della Francesca, de los neoplatónicos de la Academia florentina, los postulados de Leonardo y la energía de M.Angel).

Su facilidad para representar la belleza y su fecundidad para crear prototipos le dio una gran fama en vida. El Neoclasicismo lo apreció mucho no así el Romanticismo. A finales del siglo XIX volverá a ser reivindicada su obra.

Contexto: En 1508 por sugerencia de Bramante y a petición de Julio II llega Rafael a Roma (M.Angel había comenzado los frescos de la Capilla Sixtina). El Papa le encomienda la decoración de varias stanze (estancias o cámaras) que forman parte de la parte superior del palacio erigido en el s.XIII y donde ahora Julio II coloca sus habitaciones privadas. Son cuatro estancias : la del incendio del Borgo, la de la Signatura, la de Heliodoro y la de Constantino. Ya habían sido pintadas en el Quattrocento pero Julio II decide repintarlas. Estudiaremos la más importante : la de la Signatura, denominada así por estar dedicada a sede de las audiencias del tribunal “de signatura gratiae” (de los decretos de gracia).

  • Programa iconográfico : Según Gombrich ha de leerse de arriba hacia abajo, siendo las paredes “ampliaciones de las ideas expresadas en el techo”: escudo pontificio (EP), rodeado por ángeles (A) y 4 tondos que representan las 4 facultades (la Teología – ciencia de las cosas divinas -la Filosofía – el conocimiento de las causas -, la Justicia – entendida como virtud y como derecho- y la Poesía) y 4 escenas que desarrollan estas facultades.

Debajo de la TeologíaÞ El Triunfo de la Eucaristía o Triunfo de la Iglesia

Debajo de la FilosofíaÞ La escuela de Atenas

Debajo de la JusticiaÞ Las virtudes cardinales Prudencia, Fortaleza y Templanza ( La Justicia está en el tondo) y las virtudes teologales (Fe, Esperanza y Caridad)

Debajo de la PoesíaÞ El Parnaso (exaltación de la idea de lo bello)

Significado :La interpretación más convincente sería la de la exaltación de la idea de lo “verdadero” (la verdad revelada en la disputa del sacramento; la verdad racional en la Escuela de Atenas; del “bien” en la pared de las Virtudes y de los “bello” en la Poesía y el Parnaso). Es decir, una especie de visualización de las tres grandes ramas del pensamiento : la gnoseología, la ética y la estética, en perfecta armonía bajo la égida del espíritu divino. El conocimiento y la virtud como expresión de lo divino

La Estancia de la Signatura podemos considerarla como la gran síntesis pictórica del neoplatonismo (las cosas de esta tierra no son más que encarnaciones de ideas o principios generales ... entendían el universo como una jerarquía de principios que emanaban y descendían desde lo alto ). También podemos entenderla como una síntesis entre los valores impulsados por el pensamiento medieval  y el moderno al integrarse aquellos valores en los  valores universales ( en el Renacimiento no se abandonan los valores religiosos, como se había dicho)

  • Composición inspirada en edificios romanos y bramantescos
  • Estructurado en torno a un punto de fuga central
  • Pintura al fresco
  • Personajes : Platón con el Timeo bajo el brazo y la mano hacia el cielo (idealismo) expresando el valor de las ideas; Aristóteles , con su Etica, señalando el suelo (realismo), expresa el valor de la experiencia . Otros personajes Miguel Angel , como Heráclito (pensativo y escribiendo sobre un bloque de piedra), Bramante, como Arquímedes o Euclides (dibujando con un compás). Quizás colocó a los artistas entre los doctos para reivindicar las artes visuales como artes “liberales” y no “mecánicas”

 

7.-LA TEMPESTAD de GIORGIONE (1476/78-1510)

Escribe Vasari en sus “Vidas” refiriéndose a Giorgione  “ ... yo nunca las he entendido (sus figuras), por más que he preguntado, he hallado quien las entienda “Þ autor complejo, enigmático.... Poca documentación sobre su vida y obra . Se formó en el taller de Giovanni Bellini, creador de la escuela veneciana que con Tiziano alcanza su máxima expresión.

La diferencia esencial entre la escuela toscano-romana del Renacimiento y la veneciana está en que la primera concede un papel esencial al dibujo, en la perspectiva, que se convierte en estructurador; el color venía a dar brillantez a lo previamente dibujado. Por su parte, los venecianos no es que desprecien el dibujo y la perspectiva, lo que ocurre es que para ellos es el color el que las determina. Leonardo estaría en la base de esta técnica veneciana (Leonardo estuvo en Venecia a la caída de Milán)

Interpretaciones (es una de las obras que más interpretaciones ha tenido) :

a)Ejemplo de “pintura –pintura”, del “no tema” “La desaparición de la historia (tema)tuvo una importancia

esencial en el desarrollo del gusto moderno por que se hizo más evidente ... el aspecto subjetivo del contenido,

 el modo de sentir del artista... Pues si no existe una historia, el valor lírico es más evidente (Venturi “Cómo

entender la pintura”)Þnovedades : la disolución del tema y la irrupción de la naturaleza como protagonista

b)1530 : gitana, soldado y tempestad

c)1569 : gitana y pastor

d) s.XIX : como un retrato familiar

e) como una ilustración de la Metamorfosis de Ovidio (Deucalión y Pirra después del diluvio)

f) como el hallazgo de Moisés

g)Interpretación actual (“La tempestad interpretada” de Salvatore Settis) : sería un recuerdo del castigo divino al pecado del hombre (Adán vestido de veneciano, condenado a trabajar), y de la mujer (parirás con dolor) y su descendencia (fratricida Caín, imagen del dolor que el hombre genera y sufre ) (tormentaÞsímbolo del padre de los dioses; las columnas rotas (emblema de la muerte) ...

 

8.-EL RETRATO ECUESTRE DE CARLOS V EN LA BATALLA DE MÚHLBERG (1548), de TICIANO (1490-1576)

Larga vida y producción enorme/máximo exponente de cinquecento veneciano/amplia nuevos cauces temáticos (mitológicos, retrato, iconografía cristiana)/prestigio como diplomático (pintor de Carlos V y Felipe II)/gran maestría y libertad en el uso del color/ ejercerá una poderosa influencia en la pintura española del siglo de oro/

 

  • Nuevo modelo de retrato apoteósico :los rasgos fisionómicos y el símbolo de victoria, expresado en la acción del jinete armado, con todos los atributos del mando y listo para entrar en combate con la pica conforman el retrato apoteósico
  • Protegido por el emperador Carlos V y por su hijo, Felipe II, Tiziano de convierte en retratista oficial de la Casa Real española .
  • Su maestría con el color y su capacidad para captar la personalidad de los personajes retratados le permitieron sentar las bases de un tipo de retrato cortesano de gran solemnidad, que será imitado por muchos artistas en Europa.
  • Tras una victoria sobre los protestantes (batalla de Mülberg, 1548), Carlos V encarga este retrato ecuestre al artista. Siguiendo una composición clásica, que remomora los modelos ecuestres romanos, Tiziano estudia al personaje en toda profundidad psicológica, como general del ejército vencedor. Trata la armadura con detallismo y la serenidad del paisaje se complementa con la luz rojiza del ambiente que presagia la batalla.

 

9.-EL LAVATORIO (1547) de TINTORETTO

  • Contexto manierismo: reacción anticlásica que ponía en cuestión los ideales de Belleza defendidos en el Alto Renacimiento (Cinquecento)
  • Domina el concepto del espacio diseñando composiciones atrevidas y actitudes que se pueden calificar de manieristas :
  • Disposición de las arquitecturas que exageran la profundidad
  • Distribución horizontal de los grupos para acentuar más la profundidad
  • Desplazamiento lateral de la figura de Cristo, sustituida por un perro y dos apóstoles que se quitan las botas (gusto por la anécdota)
  • Luces dramáticas
  • Obra claramente manierista

 

 

10.-EL DESCENDIMIENTO de PONTORMO

  • Contexto manierismo: reacción anticlásica
  • Ausencia de cualquier referencia espacial de tipo perspectivo
  • Predominio del formato vertical
  • Tratamiento voluminoso de las figuras
  • Expresionismo en los personajes
  • Movimiento
  • Obra manierista

 

REPASO RENACIMIENTO

 

1.- Comenta el cuadro del Greco (Laoconte), razonando el alargamiento de las figuras y el uso del color.

2.- Analizar las diferencias estilísticas entre el David de Donatello y el de Bernini

3.- Define las técnicas de modelado y talla en escultura.Comenta la frase de Miguel Ángel: “ Entiendo por escultura aquello que se hace a fuerza de quitar”.Dí como conclusión que procedimiento empleaba Miguel Ángel y comenta alguna de sus obras en este sentido.

4.- Explica la técnica de la escultura en bronce. Menciona esculturas del renacimiento realizadas con dicha técnica.

5.-Define el sistema de perspectiva artificial de la pintura italiana del renacimiento, mencionando

ejemplos

6.- Diferencias esenciales entre la pintura flamenca e italiana del s.XV en relación con la sociedad que las hizo posible.

7.- Comenta la obra de Rafael ( La escuela de Atenas ) analizando sus características formales y su significado.

8.- Comenta alguna obra de Miguel Ángel escultor, con mención expresa a la técnica de escultura y a las características formales.

9.- Describe la planta, sección y alzado de la lámina (S.Pietro in Montorio/ Villa Rotonda/Palacio Medici-Ricardi) definiendo su tipología y época a la que pertenece.

10.- Define los siguientes términos: pilar, arco toral, pechina, tambor, cúpula y linterna.

11.-Comenta el siguiente texto de Leonardo da Vinci: “ A la misma distancia, el objeto parecerá tanto más o menos distinto cuanto más o menos raro sea el aire interpuesto entre el aire y el objeto ... Hete aquí otra perspectiva que llamo aérea, pues por la variedad del aire podemos conocer las distancias de los distintos edificios”. Preciso el influjo de Leonardo en la pintura del renacimiento.

12.-Comenta las características formales de la obra de Tintoretto (La Última Cena  ), definiendo su estilo.

13.-Comenta la obra de Donatello ( David ) describiendo la técnica de escultura en bronce.

14.-Relaciona la obra del monasterio de San Lorenzo del Escorial con la Contrarreforma.

15.- Comenta la obra del Greco ( El entierro del Conde de Orgaz, Laoconte, San Mauricio y la legión tebana ) analizando las características formales y el estilo artístico.

16.- Comenta la obra de Ticiano ( Retrato de Carlos V en la batalla del Mülberg), analizando las características formales y su significado.

17.- Comenta el fundamento científico y la práctica pictórica de la perspectiva lineal y aérea utilizada en el Renacimiento.

18.-Analiza la obra reproducida (San Pietro in Montorio ) explicando el significado de la planta centralizada en el Renacimiento.

19.- Comenta la personalidad artística de Miguel Ángel como arquetipo de artista universal, que domina la arquitectura, la escultura y la pintura, poniendo al menos un ejemplo de las artes que cultiva.

20.- Comenta la obra ( El nacimiento de Venus) relacionándola con la época y con el estilo artístico al que pertenece.

 

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