El quattrocento italiano arquitectura brunelleschi y alberti resumen
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El quattrocento italiano arquitectura brunelleschi y alberti resumen
TEMA - EL QUATTROCENTO ITALIANO. ARQUITECTURA (BRUNELLESCHI Y ALBERTI), ESCULTURA (DONATELLO). PINTURA (MASACCIO, FRA ANGELICO, PIERO DELLA FRANCESCA Y BOTICELLI).
INTRODUCCIÓN
El Renacimiento es un estilo artístico que nace en Italia en el siglo XV y se extiende por buena parte de Europa en el siglo XVI. Mientras toda Europa estaba dominada por el Estilo Gótico Tardío, Italia desarrolló el Estilo Renacentista durante el siglo XV. Los italianos denominaron a esta etapa el Quattrocento.
Uno de los centros más importante del Quattrocento era Florencia, la rica República que dominaba buena parte de la Toscana. Florencia estaba gobernada por los Médicis, una familia de banqueros cuyos principales representantes (Cosme el Viejo y Lorenzo el Magnífico) eran personajes cultos y refinados que protegieron y fomentaron las artes y a algunos de los principales artistas del momento (Botticelli, Miguel Ángel, etc.).
El Renacimiento se vincula a un nuevo movimiento cultural que surge en Italia en el siglo XV: el Humanismo.
Las características del Humanismo son:
Admiración por la Antigüedad Clásica: el Renacimiento se inspira en la Antigüedad griega y romana, pero no la imita servilmente. Los artistas, como Brunelleschi, investigan las ruinas romanas y se inspiran en ellas para realizar sus propias obras, aunque éstas tienen una personalidad propia..
Síntesis entre el Paganismo y el Cristianismo. El Humanismo es Cristiano pero acepta los símbolos y la mitología pagana reinterpretados en un sentido cristiano. Así le ocurre, por ejemplo, a Botticelli
Antropocentrismo por oposición a teocentrismo medieval: el ser humano es el centro del universo, “la medida de todas las cosas”. De esta concepción deriva la antropometría, es decir, la aplicación de las medidas humanas perfectas a todo lo que crea el ser humano (la arquitectura, sobre todo):.
Recuperación del sentido de belleza clásico: armonía, proporción y equilibrio; naturalismo e idealismo. La diferencia frente a este ideal Clásico es que en el Renacimiento es inseparable la belleza física de la belleza y virtud moral y cívica. El David de Donatello está inspirado en las antiguas esculturas griegas, pero además encarna un héroe pleno de virtud moral.
Representación científica de la realidad: el arte no es una mera especulación estética sino que aspira a representar la realidad de una manera “científica”. Así ocurre, por ejemplo, con la perspectiva lineal. Representar la realidad mediante el dibujo es una manera de comprenderla fielmente de forma científica.
Características Generales de la Arquitectura del Quattrocento
La arquitectura del Quattrocento imita muchos elementos del Arte Clásico, tanto de una manera aislada (columnas con proporciones clásicas, oculi) como contextualizada (así ocurre con la reproducción de interiores similares a las basílicas paleocristianas como ocurre en San Lorenzo de Brunelleschi). A veces se reinterpretan los elementos clásicos y se crean elementos arquitectónicos nuevos (por ejemplo, los grutescos).
La belleza en la arquitectura se vincula a los conceptos de proporción, armonía y equilibrio como ocurría entre los antiguos griegos. Una de las proporciones más utilizada es la antropometría, es decir, la utilización de las proporciones humanas en los elementos arquitectónicos (planta, columna, etc.). Asimismo, como hacían los griegos es muy habitual utilizar el módulo como unidad de medida. Las proporciones del edificio se basan en fórmulas matemáticas y geométricas basadas en dicho módulo.
Junto la arquitectura religiosa se desarrolla la urbanística y la arquitectura civil. Los príncipes renacentistas diseñan planos urbanos ideales y utópicos basados en formas geométricas que pretenden representar la perfección. Estos diseños se quedan en el papel (Sforzinda de Filarete) y rara vez se llevan a la práctica (por ejemplo Palmanuova, Pienza, etc.).
La principal manifestación de la arquitectura civil es el palacio en las ciudades y la villa en el campo. La villa renacentista se inspira en la villa romana, pero es mucho más, pues se convierte en un lugar ideal creado por el ser humano y ubicado en medio de la naturaleza (lugar ideal creado por Dios).
Materiales: la arquitectura renacentista utiliza gran variedad de materiales (piedra, ladrillo, mármol) pero éstos se utilizan a la manera romana, es decir que los materiales pobres como el ladrillo se recubren de materiales ricos como las placas de mármol de colores. Uno de los materiales novedosos utilizados en los palacios es el de los sillares almohadillados, es decir, sillares con las esquinas redondeadas y suavizadas para crear un efecto decorativo determinado.
Planta: el ideal del templo renacentista propugnado por los teóricos es el edificio de planta centrada, pero los arquitectos no siempre lo pueden llevar a cabo y por eso se ven obligados a combinarlo con la planta longitudinal (así ocurre en Santa María de las Flores de Florencia). De hecho, en los edificios renacentistas se produce una gran variedad de plantas: plantas centradas (cruz griega, circular, octogonal, etc.), planta longitudinal de tipo basilical, planta “albertiana”, longitudinal con nave única ancha y flanqueada por capillas no comunicadas entre sí. Los edificios recuperan la idea paleocristiana y bizantina de construir el edificio en función de una gran cúpula. Por su parte, el palacio renacentista tiene una estructura sencilla: planta cuadrada en función de un patio cuadrado porticado.
Alzado: las iglesias tienden a renunciar a tribunas, triforios, etc. Sobre todo lo demás destaca el perfil de la cúpula que consta de tambor, bóveda y linterna. Las torres y fachadas pierden importancia frente al período Gótico. En cuanto a los palacios, éstos constan de tres pisos: planta baja para necesidades de servicio, planta noble, y habitaciones privadas.
Elementos formales:
Elementos sustentantes: el Renacimiento recupera las columnas con proporciones y órdenes clásicos tan típicas del Mundo Clásico Griego y Romano. Sin embargo, en el Quattrocento estas columnas adquieren la forma de logia, es decir, un pórtico formado por columnas exentas que sostienen airosos arcos de medio punto; también se utilizan pilares y pilastras que recrean formas de la Antigüedad Clásica como grutescos, acanaladuras, capiteles, etc.
Elementos sustentados: La arquitectura renacentista es adintelada y abovedada, y recupera los sistemas de cubrición propios de la arquitectura romana. De este modo, la arquitectura adintelada recupera los entablamentos clásicos. Los arcos de medio punto muy airosos sustituyen a los arcos ojivales. Las bóvedas más utilizadas son las de cañón con lunetos, la bóveda de arista, la cúpula con tambor y linterna, etc.
Decoración: en general se produce una gran simplificación decorativa con respecto al Gótico Flamígero que domina en el resto de Europa. A menudo se recurre a elementos decorativos tomados de la Antigüedad Clásica, pero éstos se manipulan con una gran libertad ornamental. Así se utiliza el almohadillado, el esgrafiado, las placas de mármol, el aparejo de imitación romana (opus reticulatum), la superposición de órdenes, los oculi, grutescos, guirnaldas, puti, medallones, casetones. Interiormente se utiliza la pintura al fresco, tradición italiana que viene del Trecento.
Valoración estética:
Interior: los ideales del templo renacentista son: la unidad espacial (o en su defecto la diafanidad), el espacio perspectivo, la proporcionalidad (antropometría en base al módulo), el equilibrio estético, la iluminación proporcionada y difusa. Dominan las líneas horizontales pero sin romper el equilibrio.
Exterior: como ocurría con los edificios romanos, se da un dominio de la masa sobre el vano pero sin romper el equilibrio. También se produce un escalonamiento de volúmenes en función de la cúpula como ocurría con los martiria paleocristianos o los edificios bizantinos.
Funcionalidad y simbolismo:
El templo renacentista tiene una evidente funcionalidad religiosa, sin embargo, es sobre todo un símbolo de la nueva idea del universo y de la posición que el hombre tiene en éste. El ser humano siente en el interior de un espacio único y diáfano la posibilidad de comprender el universo gracias a la ciencia. El ser humano es el centro de ese universo que está construido a su imagen y proporción (antropometría). No se niega la existencia de Dios, pues éste ha creado el mundo, pero se afirma que el hombre reina en él.
El Palacio Renacentista ya no es una fortaleza medieval sino que es una residencia urbana en la que la oligarquía burguesa muestra a través de unos grandes ventanales su riqueza, su cultura y gusto refinado al pueblo gobernado por ellos.
La villa representa la aspiración del hombre de vivir en comunión con la naturaleza. La villa rural pretende imitar las antiguas villas romanas, pero, en realidad cambia su significado pues representa el universo perfecto y racional creado por el ser humano inmerso en un universo perfecto y racional creado por Dios y en el que el hombre reina y es feliz.
Principales arquitectos:
Filippo Brunnelleschi (1377-1446): se inicia como escultor pero al perder el concurso de 1401, para realizar las puertas de bronce del Baptisterio de Florencia, se centra en la investigación arqueológica de la arquitectura romana. En 1418 se le encarga finalizar Santa María dei Fiore, el templo gótico de tres naves que Arnolfo di Cambio había empezado a construir en Florencia. Este templo no se había podido concluir hasta entonces pues la cabecera era un enorme espacio que había que cubrir con bóveda. Se hubieran necesitado miles de árboles para construir los andamios. Brunelleschi solucionó el problema y construyó una inmensa cúpula de planta octogonal con una luz de la misma anchura que el Panteón de Roma (42 m.). Esta cúpula tiene una estructura constructiva típica del Gótico con arcos apuntados y elementos, pero muy original y novedosa, pues en realidad se trata de dos casquetes superpuestos. Brunelleschi adquirió gran fama al inventar un sistema de construcción sin andamios ni cimbras, combinando los empujes contrarios de las dos cúpulas y anillos concéntricos que se autosostienen durante el proceso constructivo. También hay que destacar el empeño del arquitecto por realizar un edificio de planta centrada. En realidad era un proyecto utópico pues no se podía eliminar el templo longitudinal ya existente, pero el arquitecto intentó llevarlo a cabo de alguna manera. Santa María dei Fiore parece así un curioso híbrido, una ambigüa combinación de planta longitudinal y centrada. Se concluye en 1436.
Otro edificio de planta centrada de Brunelleschi fue la Capilla Pazzi de la Santa Croce de Florencia. Este pequeño edificio nos muestra la preferencia renacentista por el edificio de planta centrada, la limpieza decorativa y de líneas y la importancia de las proporciones armónicas. El interior, diáfano, proporcionado y unitario, es uno de los que mejor representa los ideales estéticos humanistas.
El interior de San Lorenzo (1440-45) es una iglesia de planta longitudinal y, por tanto, no tiene nada que ver con los edificios de planta centrada. A cambio representa los ideales de Brunelleschi del espacio perspectivo, es decir, la representación de la perspectiva lineal pictórica en un espacio tridimensional. También se caracteriza por la proporcionalidad basada en la antropometría y el módulo. El interior imita una planta de Basílica Romana o Paleocristiana de tres naves, con los arcos formeros cabalgando sobre columnas corintias a las que se ha añadido fragmentos de entablamento. El edificio tiene cubierta adintelada de madera decorada con casetones. También se han añadido oculi o ventanas circulares a imitación de las romanas. El módulo basado en el cuadrado está presente en planta y alzado y genera una sensación geométrica y equilibrada.
La principal contribución de Brunelleschi al urbanismo fue la loggia del Hospital de los Inocentes (1419-1444), un espacio exterior porticado que recuerda los foros romanos. En él volvemos a observar el gusto de Brunelleschi por las arcadas sobre columna exenta que también encontramos en San Lorenzo. En las enjutas de los arcos Luca della Robbia situó varios tondi de barro vidriado en el que representa niños que aluden a la función de hospicio de la construcción.
León Battista Alberti (1406-1472): fue mucho más fiel que Brunelleschi a los modelos clásicos, pues recogió sus teorías de los Diez Libros de la Arquitectura del arquitecto romano Vitrubio. El mismo Alberti teorizó sobre arquitectura en su obra De re aedificatoria. Alberti creó un tipo de iglesia de planta longitudinal con una sola nave muy ancha flanqueada por capillas sin comunicación entre sí (este tipo de planta recibe el nombre de Planta Albertiana y será el germen del Templo de Planta Jesuítica del siglo XVI). Alberti añadía a estos templos una característica fachada que imitaba los arcos de triunfo romanos. En esta línea tenemos San Andrés de Mantua y el Templo Malatestano de Rímini. Alberti utilizó las ideas del módulo y las fórmulas geométricas en la fachada de Santa María Novella de Florencia. Esta fachada se decoró con mármoles de colores siguiendo las técnicas típicas de Toscana y de tradición romana. El palacio típico de Alberti (Palacio Rucellai de Florencia) responde al modelo clásico de planta cuadrada y tres pisos, aunque la articulación del exterior combina elementos decorativos romanos (pilastras, superposición de órdenes, imitación de paramentos romanos) y las pilastras verticales equilibran las líneas horizontales de las cornisas.
Otros arquitectos del Quattrocento son Michelozzo Michelozzi que realizó el Palacio Medicis-Ricardi de Florencia y Giuliano da Sangallo que construyó Santa María delle Carceri y Villa Médicis.
ESCULTURA
Los escultores renacentistas quedaron repetidamente impresionados por el hallazgos arqueológicos de esculturas clásicas. De hecho, las esculturas de bulto redondo del Renacimiento imitan conscientemente las estatuas clásicas, aunque no se trata de un mero mimetismo. Respecto a los relieves, en el Renacimiento también se toman como modelo los relieves clásicos y sus técnicas para conseguir la sensación de profundidad. De este modo, mediante la gradación de la profundidad del relieve (bajorrelieve-altorrelieve) se consigue imitar la sensación de profundidad. Sin embargo, los relieves renacentistas también se van a ver beneficiados por los descubrimientos de los pintores en la representación de la perspectiva lineal. Un ejemplo de esto lo encontramos en los relieves que Donatello realizó para la Basílica de San Antonio de Padua.
Características Generales
Materiales y técnicas: las esculturas renacentistas están realizadas en piedra, mármol, terracota, bronce (técnica de la cera perdida). La insistencia en la utilización del mármol y el bronce recuerda la preferencia que tenía la escultura griega por estos materiales. Sin embargo, en el Renacimiento raramente se pinta la escultura (al contrario que los griegos), pues se creía que éstos tampoco las pintaban. Los escultores del Renacimiento recuperaron la técnica de la cera perdida para realizar esculturas en bronce de tamaño natural. Uno de los materiales más originales del Renacimiento Florentino es el barro vidriado que utiliza Luca della Robbia en sus madonnas. Como ya hemos dicho, los relieves recuperan la técnica de la gradación del relieve para obtener la sensación de profundidad.
Soporte: La escultura de bulto redondo se libera de la arquitectura con mucha frecuencia y se desarrolla la escultura exenta sobre pedestal. Casi desaparecen las portadas decoradas con estatuas, típicas del Románico o del Gótico Los relieves se sitúan en puertas de bronce, tondi, hornacinas, etc.
Tema: lo que más abunda son los temas religiosos, sin embargo, también se desarrollan los temas profanos. Así, se da un gran desarrollo del retrato (por ejemplo el retrato ecuestre de influencia romana), asimismo, se da una gran importancia al desnudo masculino a menudo muy sensual (como en la Grecia Clásica).
Elementos formales:
Escultura de bulto redondo: dado que la escultura de bulto redondo imita a las antiguas esculturas griegas y romanas, sus características formales son muy cercanas a éstas. Así, hay que hablar de una estricta proporcionalidad basada en el canon (9-10 cabezas), una ruptura de la frontalidad , tramiento naturalista de la anatomía, rostro, cabellos y ropajes, etc.. Una de las estructuras compositivas más habituales es el contraposto, también se da una representación naturalista del movimiento.
Relieve: en este caso los elementos formales combinan las características de los relieves de la Antigüedad Clásica, con los logros de la pintura: así se da una gradación del relieve (bajorrelieve, altorrelieve, bulto redondo) para conseguir la sensación de profundidad, también se utilizan de los principios de la perspectiva lineal (sensación reforzada por las arquitecturas). De todos modos, queda al arbitrio del escultor el llevar a cabo una perspectiva correcta o incorrecta dependiendo de si sus necesidades son más estéticas o narrativas. Las composiciones son equilibradas y estructuradas en base a un eje axial.
Valoración estética: la escultura renacentista tiene una clara tendencia al naturalismo y al realismo idealizado (en este sentido es continuadora del Gótico pero también del Arte Griego Clásico). Responde a principios de belleza ideal pero objetiva basada en la proporción y el equilibrio (igual que en el Arte Griego Clásico). Sin embargo, las esculturas renacentistas son a menudo auténticos retratos que no sólo buscan el parecido físico sino también la profundidad psicológica y el carácter del representado (algo más propio de la escultura romana).
Funcionalidad: por un lado, es evidente la función religiosa de muchas esculturas. Los retratos tienen la función de ensalzar una serie de virtudes cívicas que se le atribuyen al hombre renacentista: un personaje culto y ambicioso que reflexiona y actúa, que tiene determinación en la consecución de un objetivo, en definitiva, un buen gobernante, un gran militar, etc..
Ejemplos:
Hay que recordar que la Escultura del Quattrocento tiene como precedentes en los siglos XIII y XIV a algunos escultores como Nicola Pisano, que ya manifestaba un interés por recuperar los caracteres estéticos de la Antigüedad..
Lorenzo Ghiberti (1378-1455) inicia la escultura del Quattrocento al ganar el concurso de 1401 para realizar la puerta sur de bronce del Baptisterio de Florencia (el tribunal concede la victoria a Ghiberti y Brunelleschi ex-aequo, pero Brunelleschi se retira al reconocer la superioridad de Ghiberti). Esta victoria le permite obtener el encargo de realizar una obra más importante: las llamadas “Puertas del Paraíso” del Baptisterio de Florencia (1425). Se trata de unas puertas de bronce fundido en las que representa en paneles cuadrados los primeros libros del Antiguo Testamento (desde la creación de Adán hasta Salomón y la Reina de Saba). Estos relieves utilizan el recurso clásico de la gradación de la profundidad del relieve, combinado con la perspectiva lineal. Todo ello da una sensación de enorme profundidad. Ghiberti aún utiliza algunos convencionalismos medievales, cuando quiere que la narración quede más clara (como la perspectiva abatida, etc.), sin embargo, el tratamiento de las figuras humanas, su anatomía, volumetría y el movimiento es magistral. En cierto modo, esta obra recuerda las pinturas de Giotto, por el contraste entre el perfecto tratamiento de las figuras humanas y el la representación más descuidada del paisaje que hacía este pintor (esto nos indica el Humanismo que hay detrás de estas obras).
Donatello (1386-1466): Es el principal escultor del Quattrocento. Realizó estatuas de bulto redondo como el San Jorge de Ors San Michele (1415-17), el David de bronce (1430) y la estatua ecuestre del Condotiero Gattamelata de Padua (1447-53) (que recupera la idea del retrato ecuestre del Emperador Marco Aurelio). También realizó relieves como la Cantoría de Santa María dei Fiori (1433-39) (situada enfrente de la de Lucca della Robbia e inspirada en los sarcófagos romanos) y los de San Antonio de Padua, en los que utiliza los principios de la perspectiva lineal y la gradación del relieve. Su obra más reconocida es el David de bronce del Museo del Barguello (Florencia). Esta imagen del David recupera la idea de la escultura clásica griega o romana, en este caso para representar un hecho religioso (síntesis entre religión y paganismo). Sin embargo no es una mera imitación, ciertos aspectos como el erotismo que desprende la figura y su significación política (David es el símbolo de la propia Florencia, la pequeña República capaz de derrotar a los gigantes), le dan un sentido nuevo.
Luca della Robbia fue muy conocido por sus sensuales madonas de barro vidriado pero una de sus obras más conocidas es la Cantoría de Santa María de las Flores de Florencia. En ella representa en escenas muy abigarradas a los niños y niñas del coro mientras cantan y tocan instrumentos musicales. Las escenas combinan la gracia y el naturalismo junto a un alto grado de perfección técnica en la gradación del relieve para simular la profundidad y el cuidado tratamiento de la superficie del mármol.
Andrea Verrocchio realizó el Condottiero Colleone en Venecia o la Duda de Santo Tomás de Or San Michele en Florencia.
PINTURA
El Quattrocento es un período en el que se producen enormes avances en la pintura. Contemporáneamente a la pintura de los Primitivos Flamencos, los pintores italianos desarrollaron el arte de la pintura convirtiéndola en la reina de las artes.
Materiales y técnicas: como ocurría en el Trecento, los italianos prefieren la pintura al fresco, aunque también llevan a cabo la pintura al temple, y el óleo. Dado que, a veces los frescos son de gran tamaño es imprescindible utilizar la técnica del estarcido en la técnica del fresco. También, y dada la importancia que le dan a la representación científica del cuerpo humano y del espacio (la tridimensionalidad), es probable que utilizaran maniquíes y maquetas para añadir distancias y proporciones reales a las escenas que pintaban.
Soporte: la pintura al fresco se realiza sobre los muros de iglesias, palacios, etc, mientras que el temple se realiza sobre tabla (retablos, trípticos, etc.) y el óleo sobre caballete.
Temática: En la pintura del Renacimiento también se da un gran protagonismo a la figura humana (antropocentrismo). Incluso dentro de la temática religiosa hay que destacar la importancia de las representaciones humanas idealizadas, así a Cristo y a la Virgen María se les representa como seres bellos y virtuosos. También encontramos temas mitológicos reinterpretados de manera cristiana y temas alegóricos, especialmente en el caso de Botticelli. Es también evidente la importancia del Retrato, el tipo de retrato más genuino del Quattrocento es el busto de perfil (como podemos ver en el retrato doble que Piero della Francesca hizo a Federico de Montefeltro y su mujer). También se practican otros tipos de retratos. Otro elemento muy típico de la temática del Quattrocento es la frecuente confusión entre escenas religiosas y cortesanas, o la integración de retratos reales como si los personajes de la época fueran testigos de los acontecimientos religiosos. También se produce el retrato colectivo privado, e incluso perdura la costumbre de que el retratado aparezca como donante. El paisaje y el bodegón tiene poca importancia sobre todo si lo comparamos con la Pintura Flamenca contemporánea. Como fondo de las escenas suele aparecer la arquitectura clásica o la ciudad ideal y utópica que los artistas del Renacimiento imaginaban, pero que rara vez pudieron llevar a la práctica.
Elementos formales:
Dominio del dibujo sobre el color. La figura humana pintada adquiere caracteres “escultóricos”. El dibujo es muy preciso.
Los colores son apagados, especialmente en los frescos. Hay una utilización equilibrada y armoniosa de los colores. Se da una preferencia por los colores primarios utilizados de una manera equilibrada. De este modo, se generan composiciones basadas en la complementariedad cromática, es decir, en la contraposición de colores cálidos y fríos.
Uso de la geometría y de la proporción matemática para enfatizar la “corporeidad” de los objetos y como elemento compositivo.
Utilización de la perspectiva lineal o geométrica acentuada por la utilización de arquitecturas o de complejos escorzos. El pintor se suele situar a la altura de los ojos de los personajes de primer plano. Por ello, el punto de fuga se sitúa precisamente entre los ojos del personaje que ocupa el centro. En el caso de que este personaje sea Cristo el punto de fuga simboliza la eternidad, el fin de todas las cosas. A veces, el pintor se sitúa por debajo de la escena que está pintando, en este caso la escena queda realzada.
Composiciones muy equilibradas en función de un eje axial (búsqueda del equilibrio compositivo). Preferencia por el triángulo como figura geométrica compositiva.
La luz tiene como función acentuar la volumetría de los cuerpos (utilización evidente del claroscuro). Sin embargo, apenas hay preocupación por las calidades y los bodegones (al contrario de lo que ocurre entre los flamencos). La iluminación es difusa y cenital, raramente se utiliza una luz direccional.
Valoración estética: la pintura del Quattrocento pretende dar una visión “científica” y objetiva de la realidad. Es muy naturalista pero también idealizada, sobre todo al referirse a la figura humana. También es una pintura que rezuma ingenuidad. La obsesión por la composición, la perspectiva y la anatomía hace que algunas pinturas del Quattrocento parezcan estudios de perspectiva y anatomía, quizá poco flexibles y muy encorsetados. La tradición pictórica italiana tiende a prescindir de lo anecdótico para centrarse en lo principal (al contrario que la de los Primitivos Flamencos llena de detalles y elementos anecdóticos)..
Funcionalidad: Muchas pinturas del Quattrocento tienen una función religiosa, aunque la visión de la religión que se da en ellas es humana y secular. También hay que destacar el gusto por el retrato que tiene una función privada pero también pública y política (los retratos de personajes reconocibles en contextos religiosos o cívicos tienden a ensalzar las virtudes de dichos personajes, con fines de propaganda política).
Ejemplos:
Masaccio: Frescos de la Capilla Brancacci sobre la vida de San Pedro (Florencia), (en ellos destacamos la Expulsión de Adán y Eva, y El Tributo de la Moneda) (1426-27). El fresco más conocido de la Capilla Brancacci es el Tributo de la Moneda, en él se cuenta el acontecimiento en el que alguien pregunta a Cristo sobre si hay que pagar impuestos al César o no. Cristo aparece en el punto de fuga de la obra, rodeado de sus discípulos (elemento simbólico de la eternidad y divinidad de Cristo). Hay que destacar la potente volumetría de los discípulos que rodean a Cristo, lo cual contrasta con la aparente despreocupación del pintor por el paisaje y las arquitecturas. La Trinidad de Santa María Novella (1427) es otro fresco ilusionista que parece perforar la pared del templo y crea un espacio tridimensional simulado. La escena está realizada con cierta rigidez compositiva (un triángulo marcadamente axial en el que los colores fríos y cálidos se distribuyen de una manera absolutamente equilibrada). El punto de vista bajo del pintor tiende a ensalzar la escena del Calvario y a las figuras de los donantes arrodillados bajo ella. Las irreales arquitecturas enfatizan la profundidad de una escena, que, por lo demás se sitúa en primer plano.
Fra Angelico realizó la Anunciación del Museo del Prado. Esta pintura sobre tabla muestra elementos arcaizantes o medievales similares a los que Giotto realizaba en el Trecento como la desproporcionada habitación en que se encuentra la Virgen y el jardín en forma de tapiz que limita la acción al primer plano. Otro elemento muy “medieval” es la asociación simbólica entre la Anunciación y el Pecado Original (Adán y Eva). La Virgen, cuya historia aparece representada en el banco inferior de la tabla, aparece como hilo conductor entre el Pecado Original y la Redención de la Humanidad por el Nacimiento de Cristo.
Piero della Francesca trabajó para el Duque de Urbino Federico de Montefeltro y realizó el retrato de éste y de su esposa. Una de sus obras más importantes es la Flagelación de Cristo, una misteriosa tabla en la que tres personajes dialogan en primer plano mientras Cristo es flagelado en segundo plano en el interior de una logia. La corporeidad de las figuras es rotunda gracias a un sabio uso del claroscuro. El espacio y la profundidad están tratados de manera científica y casi se puede reconstruir tridimensionalmente (probablemente el pintor trabajó sobre una maqueta). Otro elemento importante es el uso de la proporción, así aparecen varios rectángulos áureos. Piero della Francesca utiliza la matemática y la simbología llenando su obra de significados ocultos.
Sandro Boticelli: pintó en Florencia a fines del siglo XV, manteniendo una buena relación con Lorenzo el Magnífico. Boticelli mezclaba con habilidad temas cristianos y paganos rozando la blasfemia (por lo que fue muy criticado por algunos clérigos). La Primavera (1480-81) es uno de esos casos en los que Botticelli alude al amor sacro y al amor profano utilizando ideas del Neoplatonismo.
En el Nacimiento de Venus (1485), Botticelli pintó a la amante de Lorenzo el Magnífico como la diosa que surge de las aguas impulsada por el viento y haciendo una clara alusión a las esculturas desnudas de la Antigüedad. Esta mujer fue pintada en otras ocasiones como la Virgen María, de ahí que se considerara escandaloso para la época.
Otros pintores del Quattrocento fueron el Perugino, Mantenga, Gozzoli, Fra Filippo Lippi, Girlandaghio, etc.
VOCABULARIO (25)
Mecenas
Antropometría
Oculo
Grutesco
Módulo
Sillar almohadillado
Planta albertiana/planta jesuítica
Tambor
Linterna
Logia
Luneto
Putti
Medallón
Espacio perspectivo
Terracota
Hornacina
Canon/Kanon
Estarcido
Colores primarios
Colores complementarios
Colores fríos
Colores cálidos
Escorzo
Gloria/Pintura de trompe l´oeil
Bodegón/Naturaleza muerta
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