Cubismo, Fauvismo, Expresionismo y Futurismo resumen
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Cubismo, Fauvismo, Expresionismo y Futurismo resumen
TEMA - LAS VANGUARDIAS HISTÓRICAS. FAUVISMO, CUBISMO, FUTURISMO, EXPRESIONISMO, LOS INICIOS DE LA ABSTRACCIÓN, DADA Y SURREALISMO. DALÍ. PICASSO.
INTRODUCCION
La primera mitad del siglo XX es conocida en la Historia del Arte como la Era de las Vanguardias Históricas. Se trata de un período que se abre con la primera exposición de Matisse de 1905, y se cierra en los años 30, debido al ascenso del Fascismo.
El término “Vanguardia” alude al carácter rupturista e innovador que adquiere el arte, los artistas de las vanguardias demuestran un gusto adelantado a su tiempo y normalmente incomprendido por el gran público.
La libertad creativa es total. En las artes plásticas se utilizan todo tipo de materiales y técnicas y se rompen los más elementales principios de perspectiva y composición. Finalmente el Arte Abstracto acaba con la forma en sí como tema artístico.
El Arte de las Vanguardias es un arte conceptual en el sentido de que no se disfruta sensorialmente, sino que precisa de reflexión intelectual, pero en este sentido también son conceptuales las obras de los primitivos flamencos, llenos de simbolismos y significados ocultos.
Las Vanguardias se dividen en dos tendencias: una racional y otra emotiva.
La tendencia racional es objetiva y optimista: está representada por el Cubismo, el Futurismo o el Neoplasticismo.
La tendencia emotiva o sentimental es subjetiva y pesimista y está representada por el Expresionismo, el Dadaísmo y el Surrealismo.
FAUVISMO
El nombre de Fauvismo "Fauves" (fieras) alude a la utilización agresiva de colores muy vivos. Los fauves aplican grandes planos de colores puros que cubren completamente los objetos.
Los fauves utilizaron el color de una manera arbitraria, en muchas ocasiones el color del cuadro no tiene ninguna relación con la realidad. Las sombras no las hacen con una técnica de claroscuro sino mediante la oposición de manchas de colores planos.
Las pinturas fauves no tienen preocupación por el detalle; el acabado y la técnica pasan a un segundo plano. Sólo lo esencial es importante.
Los temas fauves son irrelevantes: escenas cotidianas de género, la figura humana y el retrato. La constante de todos estos temas es la felicidad y la plenitud vital que transmiten.
Henri Matisse (1869-1954), principal representante del Fauvismo, concebía el cuadro no como un escenario ficticio en el que se encuentran objetos, sino como una superficie coloreada, en la que los colores cumplen el mismo papel que las notas en la música: las diferentes combinaciones de colores generan diferentes acordes que producen sensaciones anímicas en los espectadores. Es decir, que la pintura de los fauves no pretende representar fielmente la realidad externa, sino más bien expresar los sentimientos del artista. De este modo, los colores se utilizan de una manera arbitraria, y su diferente combinación expresa sentimientos.
El cuadro de Matisse Armonía en Rojo (1908) es una buena muestra de las características del Fauvismo ya mencionadas. Como ocurría en el Impresionismo, Matisse ha capturado un plano de la realidad no limitado en sus bordes por regla de composición alguna. Además, al igual que en los cuadros impresionistas, el tema es irrelevante. Lo que más llama la atención es que el autor reduce deliberadamente la sensación de profundidad en el interior de la habitación. Para ello utiliza el recurso de pintar la mesa de primer plano y la pared del fondo con el mismo color e incluso similares arabescos. No obstante, y a pesar de la extraña sensación que nos produce este recurso, podemos reconstruir intelectualmente la tercera dimensión gracias a procedimientos un tanto ingenuos como la perspectiva torcida de la silla de la izquierda o la mujer de la derecha que suponemos se interpone entre la pared y la mesa.
CUBISMO
El problema que se plantea este movimiento es el de la representación de la realidad tridimensional en un plano de dos dimensiones. El Cubismo parte de una crítica a la perspectiva tradicional, lineal o geométrica, a la cual considera falsa y arbitraria.
El Cubismo busca un acercamiento intelectual y no sensorial a la representación de la tercera dimensión, el pintor deja de ser un ilusionista de manera que en una obra cubista el espectador no ve el espacio y el volumen sino que lo intuye, lo reconstruye intelectualmente, gracias a su experiencia.
Los objetos se descomponen en múltiples puntos de vista y están geometrizados, reducidos a sus líneas esenciales, todo ello para mostrarlos con la máxima claridad.
El iniciador del Cubismo es Pablo Picasso y su obra más representativa es Las Señoritas de Avignon de 1907. La pintura representa el interior de un prostíbulo de la calle Aviñó de Barcelona. Es evidente que Picasso nos presenta el prostíbulo de una manera casi "expresionista", más que un lugar de placer parece un lugar amenazante, pues algunas prostitutas están convertidas en seres bestiales, para ello se ha valido de una serie de recursos plásticos que detallamos a continuación. En ella quedan patentes las influencias que recibió Picasso: la pintura románica inspiró el grueso silueteado negro de los rostros, las máscaras africanas compuestas de planos angulares sirvieron como modelo a las mujeres representadas. No obstante, lo esencial en el cuadro es el violento descoyuntamiento angular de las figuras y del espacio en sí que llega a fundirse con aquéllas. Las dos figuras centrales son más clásicas, las dos laterales son más bestiales, más cercanas a las máscaras africanas. La perspectiva torcida se aprecia en la mesa del primer plano, en tanto que la mujer de la derecha abajo muestra al mismo tiempo su rostro y espalda en un descoyuntamiento imposible. Es como si el cuadro ilustrara las palabras de Picasso: "yo pinto lo que pienso, no lo que veo". Esta obra destruyó todos los principios clásicos de la perspectiva, y de la representación realista del mundo, el Cubismo entró así en un proceso revolucionario sin retorno.
Entre 1909 y 1911 Picasso y Georges Braque trabajaron juntos en París intentando llevar al Cubismo a sus últimas consecuencias en un continuo proceso de experimentación. A esta etapa se le llama el Cubismo Analítico pues en ella las formas fueron sometidas a una profunda disección en todos los puntos de vista posibles. En 1912 iniciaron una nueva etapa artística denominada "Cubismo Sintético". En este nuevo período los mencionados autores pretenden que sus obras sean más claras y los objetos más fáciles de identificar. Para ello, el Cubismo Sintético se vale de dos recursos: por un lado, se renuncia a representar todas las perspectivas posibles y se eligen aquéllas más claras que transmiten mejor la esencia del objeto; por otro, se añaden objetos al cuadro, los más habituales son los papeles "colles" o collages, papeles recortados con la silueta del objeto representado, e incluso con palabras o frases alusivas al tema del cuadro.
Picasso evolucionó posteriormente hacia otros estilos como el Surrealismo o el Expresionismo (por ejemplo, en el Guernica de 1937).
Otro pintor cubista es Juan Gris.
FUTURISMO
El Futurismo se inicia con el Manifiesto de Marinetti de 1909 y se considera finalizado con la muerte de Umberto Boccioni en 1916, durante la I Guerra Mundial. Se trata, por tanto, de una de las Vanguardias más breves, además, sus principales representantes eran italianos, y sus obras se circunscribieron a Italia.
El Manifiesto de Marinetti expuso los principios fundamentales del Futurismo: destruir la cultura y el arte tradicional. La sociedad europea preindustrial estaba en proceso de desaparición por la Revolución industrial y política a principios del siglo XX, sin embargo, el arte y la cultura tradicional permanecían incólumes. Los futuristas intentaron dar el tiro de gracia a una cultura considerada como caduca. Así entendemos que en el citado manifiesto se propugne la destrucción de los museos o que "un automóvil de carreras es más bello que la Victoria de Samotracia". Evidentemente el Futurismo confiaba en que el desarrollo técnico e industrial eran en sí positivos, por eso exaltaba la máquina y la velocidad como valores supremos.
Umberto Boccioni (1882-1916) fue uno de los principales teóricos del Futurismo además de un artista. En el Manifiesto Técnico de la Escultura Futurista (1912) Boccioni habla de la "línea-fuerza", energía que se produce como consecuencia de la reacción de los objetos ante las luces y las sombras. La escultura de Boccioni juega con la relación entre volumen sólido y aire envolvente, dos elementos que juegan a intercambiar su espacio respectivo, ello favorece su integración dinámica. Un ejemplo de estas características lo tenemos Línea única de continuidad en el espacio que insiste en la representación de la fuerza y el movimiento.
EXPRESIONISMO
Mientras que otros movimientos de las Vanguardias Históricas duraron poco tiempo, los diferentes movimientos expresionistas se sucedieron, apareciendo y desapareciendo con nuevos representantes cada vez.
El término "Expresionismo" se empezó a utilizar por oposición al Impresionismo. El Impresionismo significaba la representación de lo externo, lo superficial; el Expresionismo en cambio la representación de lo emocional, de los sentimientos internos del artista.
Las obras expresionistas tienen en común que enfatizan el lado oscuro de la conciencia humana, y reflejan la angustia de la Humanidad ante lo inevitable de su destino trágico. Los temas comunes son la soledad, la muerte, la degradación humana, la hipocresía social, etc. Las manifestaciones artísticas expresionistas han tratado estos temas vinculando fondo y forma de manera estrecha: lo conceptualmente feo se pinta estéticamente feo.
Si bien se trata de un movimiento internacional, Alemania tiene un singular protagonismo en el mismo. La difícil historia de Alemania a principios del siglo XX (autoritarismo, militarismo, guerra, crisis económica) explica en parte esta situación.
Los movimientos expresionistas de principios del siglo XX tuvieron como precedentes inmediatos a dos pintores de fines del siglo XIX como Eduard Munch.
En sus obras, Munch hace que la naturaleza entera sirva de eco a la angustia humana. Así, en El Grito (1893) las largas pinceladas curvas hacen que el cielo, las montañas y el mar se integren en un todo con la figura de primer plano que lanza un desgarrador grito. El rostro cadavérico de dicha figura parece sugerir la enfermedad y la muerte como destinos últimos del ser humano. La soledad y la incomunicación de ésta se resalta por las dos figuras que se encuentran al fondo.
La primera corriente expresionista alemana se denominó El Puente. El Puente (Die Brücke) nació en Dresde en 1905, el mismo año en que los fauves exponían en París, de hecho, la influencia fauvista es evidente entre los componentes de El Puente. Sin embargo, existe un fuerte contraste entre Francia y Alemania, pues mientras los fauves franceses utilizan los colores chillones de una manera extrovertida y optimista, los expresionistas de El Puente obtienen resultados sombríos y pesimistas.
Ernst Kirchner (véase su obra El Pintor y la Modelo) es el principal representante de El Puente.
El segundo movimiento expresionista alemán se llama El Jinete Azul. El Jinete Azul (Der Blaue Reiter) nació en Munich en 1911. Los principales representantes de dicho movimiento son Vassily Kandinsky (1866-1944) y Franz Marc (1888-1916). El nombre del movimiento es sólo anecdótico pues proviene del gusto de estos dos autores por los caballos y el azul.
El Jinete Azul reacciona abiertamente contra El Puente. Como éste reniega de una realidad indeseable, pero lo hace de una manera distinta. Tanto Kandinsky como Franz Marc toman una actitud escapista, pero hacia el interior de su mente. La mejor manera de combatir una realidad que no gusta es buscar en el interior lo bello y bueno del ser humano.
Kandinsky tiene una gran influencia de los fauves, en la obra titulada La Calleja de Murnau (1909) la utilización de colores estridentes recuerda las obras fauvistas, sin embargo, la pintura de Kandinsky es algo más, la calle solitaria parece mostrar algo que inquieta al observador.
La derrota de Alemania en la I Guerra Mundial y la miseria de la Posguerra propiciarán el resurgimiento del Expresionismo tras el paréntesis bélico. Además, durante los años 20 este movimiento encontrará el apoyo del gobierno de la República de Weimar. Durante este período surgió el último movimiento expresionista alemán denominado Nueva Objetividad. Nueva Objetividad propone un arte realista, comprometido política y socialmente y por ello rehuye el carácter excesivamente personal de los movimientos expresionistas anteriores a la Guerra Mundial.
Los temas predominantes serán la denuncia de la miseria de la ciudad, la vulgaridad del paisaje industrial, el autoritarismo y el militarismo de la sociedad alemana, etc.
Las obras de Nueva Objetividad se caracterizan por una vuelta al dibujo minucioso, frente al dominio del color en El Puente y El Jinete Azul, a pesar de ello el nuevo movimiento utiliza ampliamente la caricatura como recurso de expresión de una crítica satírica y corrosiva. Incluso podemos apreciar la influencia del Dadaísmo por la mezcla de elementos absurdos en los retratos.
Entre los principales representantes de este movimiento están Georg Grosz y Otto Dix (1891-1969). Las ciudades representadas por Otto Dix son lugares asfixiantes y claustrofóbicos poblados por mutilados de guerra, maleantes,etc.
INICIOS DE LA ABSTRACCIÓN
La abstracción es una tendencia artística que considera que las figuras son un obstáculo para la verdadera percepción de la obra artística. Especialmente en lo que se refiere a la pintura, la abstracción considera al cuadro ante todo como una superficie cubierta de colores y no una ventana hacia un mundo virtual de tres dimensiones.
No todas las manifestaciones abstractas son iguales, de hecho, se llega a la Abstracción por caminos muy diferentes. Por eso distinguimos entre una Abstracción Lírica o Subjetiva y una Abstracción Geométrica que pretende ser Objetiva.
La Abstracción Lírica nace en 1910. Se dice que Kandinsky que, entonces militaba en el movimiento expresionista Der Blaue Reiter, al volver a su taller encontró un cuadro aparentemente abstracto que le produjo una honda impresión emocional. En realidad era una obra figurativa pintada por él y colocada al revés.
Vassily Kandinsky (1866-1944) es uno de los principales pintores abstractos, pero además es su principal teórico. Realiza a partir de 1910 una Abstracción Lírica de raíz intuitiva. Los cuadros de esta época lírica de Kandinsky están llenos de manchas cromáticas de contornos irregulares y líneas erráticas aplicadas aparentemente sin sentido. Sin embargo, estas composiciones armonizan de una manera misteriosa y tienen un extraño encanto. Kandinsky, en su obra De lo espiritual en el arte (1910) subrayaba el efecto emotivo del color. Este efecto queda aminorado frecuentemente por el arte figurativo que distrae al espectador de lo esencial, la solución es el arte abstracto. Kandinsky era un gran admirador de la música de principios del siglo XX (Stravinsky, Schoenberg, etc.) y puso a sus pinturas títulos de obras musicales.
Tras la 1ª Guerra Mundial Kandinsky visitó la URSS y allí conoció el Constructivismo, por ello evolucionó hacia la Abstracción Geométrica. En 1926 publicó Punto y Línea sobre el plano. En esta obra exponía sus ideas sobre la abstracción geométrica. Una constante de sus obras es la oposición de contrarios: los objetos angulosos como triángulos se pintan con colores cálidos como el rojo o el amarillo; los objetos curvos como círculos se pintan con colores fríos como el azul.
Otra de las manifestaciones más tempranas de la Abstracción Geométrica es el Neoplasticismo Holandés. Los autores neoplasticistas, especialmente Mondrian reducen conscientemente los elementos expresivos a la mínima expresión: lineas horizontales y verticales que cruzan en ángulo recto, los tres colores primarios (azul, rojo, amarillo) y los tres no-colores (blanco, negro y gris). El Neoplasticismo se aplicó a la pintura, escultura y arquitectura.
DADA
Dadaísmo significa provocación, destrucción, su misión es arrasar la cultura y el arte. Esta actitud destructiva es la consecuencia de una frustración. En su óptica el arte debería contribuir a renovar el mundo a preservar el progreso y la paz. A cambio de ello, Europa se sumió entre 1914-1918 en una guerra terrible, lo cual frustró las esperanzas de una renovación a través del arte.
El Dadaísmo nació en Zurich (Suiza), durante la Primera Guerra Mundial. Allí se habían refugiado muchos artistas que huían del conflicto bélico. En 1916 alquilaron un local y lo convirtieron en el Café Voltaire. Allí realizaban fiestas, conferencias, exposiciones, lecturas de poemas, etc.. En el café Voltaire crearon los primeros "happenings" de las Vanguardias: hechos, gestos o anécdotas provocativas que deben ser consideradas como manifestaciones de la actitud de los artistas y, en cierto sentido como obras de arte en sí. Dadá es incoherente e irracional, la libertad creativa está por encima de todo, incluso de la razón. El absurdo personal es una respuesta al absurdo social, el arte no debe tener ningún sentido pues el mundo no lo tiene como demuestra la terrible carnicería de la guerra.
Desde esta perspectiva el arte sólo puede ser destrucción, en palabras de los propios dadaístas es "la materialización del asco". De hecho, los dadaístas no crean obras de arte sino que transforman materiales de deshecho, como si el arte surgiera de la basura. Una de las principales materializaciones de esto son los "ready-made", objetos extraños e inútiles creados a partir de objetos cotidianos.
Uno de los métodos de creación en Dadá será el azar y el automatismo, los juegos linguísticos, etc. Así, por ejemplo, Tristán Tzara acostumbraba a introducir palabras en trozos de papel que después eran revueltos en una bolsa y extraídos para formar frases incoherentes, es el juego del "cadáver exquisito". Hans Arp realizaba cuadros basándose en la disposición casual de papeles desgarrados y tirados al suelo. Estas mismas técnicas serán posteriormente utilizadas por el Surrealismo.
Dadá no propone ninguna alternativa a la destrucción, la alternativa la ofreció el Surrealismo que tiene muchos puntos en común con el Dadaísmo.
Marcel Duchamp (1887-1967) inventó los Ready-Made, entre ellos podemos citar Gioconda L.H.O.O.Q. y La Fuente. Duchamp demuestra un sentido del humor ácido en sus obras, así en su particular visión de la Gioconda juega con las letras L.H.O.O.Q. que si se pronuncian seguidas surge una frase en francés: "ella tiene calor en el culo". La burla hacia la obra emblemática del Louvre no puede ser más clara. Con esto Marcel Duchamp quiere denunciar la idealización excesiva de las obras de arte.
SURREALISMO
El Surrealismo es un movimiento artístico del Período de Entreguerras, su nacimiento se produce en 1924, año en que Andre Breton publicó el Manifiesto Surrealista. En este Manifiesto Breton proponía un abandono del Dadaísmo. En cierto modo, el Surrealismo se puede considerar, un continuador del Dadaísmo pues se basaba como él en la irracionalidad. Sin embargo, el Surrealismo pretende ir más allá que el Dadaísmo y crear un arte más coherente. De hecho, el Surrealismo fue la Vanguardia Histórica más coherente. Dicha coherencia se basa en las investigaciones que realizaron Freud y Jung sobre el subconsciente humano: el psicoanálisis.
Según el Psicoanálisis, el subconsciente es una parte de la mente que se expresa a través del sueño y de una manera irracional. La parte consciente de la mente se encuentra limitada por la cultura y las convenciones sociales, por eso no puede expresarse sinceramente. Los surrealistas plantearon que el subconsciente era un potencial creativo sin límite, el problema radica en transformar los sueños en obras de arte. Para ello desarrollaron diferentes técnicas que permitieran liberar el subconsciente de las ataduras de la consciencia.
Una de estas técnicas fue el automatismo, se trata de escribir o realizar trazos sin ningún sentido y después utilizar el resultado (siempre inesperado y cambiante) para crear la obra en cuestión, también recurrían al hipnotismo, las drogas, etc. Otro de los juegos favoritos de los surrealistas fue "el cadáver exquisito", consistía en escoger una serie de palabras al azar y elaborar con ellas una frase que sirviera de pretexto a la obra artística (la primera fue "el cadáver exquisito beberá el vino nuevo"). El resultado de estas técnicas suele ser obras llenas de misterio e incongruencia que entran en el terreno de lo ilógico, lo onírico, etc.
El Surrealismo tuvo una enorme importancia en España, Dalí y Miró se cuentan entre los principales artistas del Surrealismo, incluso Picasso se situó muy cerca de este movimiento.
Los pintores surrealistas utilizan lenguajes y estilos pictóricos muy diferentes, esta variedad nos permite diferenciar:
La Línea objetiva o figurativa representa la realidad y los objetos con un realismo casi fotográfico. Sin embargo, es frecuente que la relación entre los objetos sea absurda, sin sentido, igual que en los sueños. A esta línea pertenece Dalí.
Dalí (1904-1988) entró tarde en el Movimiento Surrealista, en 1929, año en el que colaboró en el guión de El Perro Andaluz, la película de Luis Buñuel. Dalí es uno de los principales representantes de la línea objetiva, es un gran dibujante y utiliza una técnica minuciosa como si se tratara de un pintor del Renacimiento. Dalí utilizaba el Método paranoico-crítico para convertir sus visiones oníricas en objetos que pudiera llevar al lienzo. Dicho método consistía en despojar a los objetos de su significado convencional, ablandándolos o cubriéndolos de putrefacción hasta dejarlos irreconocibles, también consistía en la convivencia imposible entre objetos, bien porque dichos objetos no conviven en la realidad, o porque Dalí representaba imágenes sucesivas de una manera simultánea. Todo ello contribuía a enfatizar la relación absurda entre los objetos y a dar una imagen de irrealidad con formas fuertemente realistas. Para ilustrar esto podemos citar Seis apariciones de Lenin sobre un piano. Todo en el cuadro es figurativo y bastante realista, sin embargo, la asociación de objetos es absurda. En La persistencia de la memoria vemos otro ejemplo de la utilización del método paranoico-crítico, la deformación de los objetos que representan el tiempo: los relojes, hasta convertirlos en una masa blanda, frente al espacio, representado de una manera más realista.
Linea Antiobjetiva o abstracta. Representa objetos abstractos, irreconocibles como objetos reales.
Joan Miró (1893) es uno de los principales representantes de la línea abstracta. A principios de los años 20 sus obras son aún figurativas: Bodegón con zapato viejo, La Masía, incluso alguna de sus obras está inspirada en la pintura clásica, como ocurre con Interior Holandés. Sin embargo, ya en 1924 en El carnaval del Arlequín nos introduce en un universo de formas fantásticas que se mueven en un espacio real. A partir de los años 30 Miró evolucionó hacia la abstracción. Una de las series abstractas más interesantes es la de Las Constelaciones. Dentro de esta serie podemos citar El Oro del Azul del Cielo. En Las Constelaciones Miró muestra una preferencia por la noche, el momento del sueño, de la oscuridad, en él surgen estrellas, pavorosos seres femeninos, lunas, etc. Sus dibujos son intencionalmente infantiles. A menudo utiliza pictogramas.
VOCABULARIO (15)
Collage
Ready-made
Cronofotografía
Fotomontaje
Happening
Psicoanálisis
Automatismo
Abstracto
Figurativo
Frottage
Dripping
Pictograma
Escultura biomórfica
“Móviles”
Teosofía
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